Gotham Library

Oggi essere supereroi è possibile!

2011-09-09T19:12:00.005+02:00

Qualsiasi bambino che ha letto le storie dei supereroi si è immaginato di poter, un giorno, acquisire anche lui i poteri dei propri idoli: volare al di sopra delle nuvole, correre veloce come la luce, balzare da un palazzo all'altro o librarsi nel cielo senza paura. Ovviamente tutto questo è possibile solo nella fantasia dei bambini. Eppure oggi è possibile avvicinarsi a questo sogno irrealizzabile. Non fatevi strane idee, non esiste nessun siero che vi trasformi in un superuomo dotato di forza e velocità sovrumane, né ragni radioattivi che vi donino il senso di ragno e, finora, sembra poco probabile l'esistenza del pianeta Cripton. Ciò nonostante, per tutti quegli adulti che sono ancora un po' bambini (dopotutto gli adulti non sono altro che bambini cresciuti) e che hanno la passione della moto, sono state create delle tute che ricalcano, per filo e per segno, i vestite e le "armature" degli eroi mascherati.
L'idea è venuta a David Pea presidnete della UD Replicas, un ramo della Universal Design, sempre appartenente allo stesso Pea. Se la Universal Design si occupa soprattutto della fabbricazione di costumi in cuoio commissionati dagli Studios, la UD Replicas, "il figlioletto della Universal Designa che sta crescendo in maniera molto veloce (così almeno la definisce Pea), produce e distribuisce tute per motociclisti che, oltre a tutte le necessarie protezioni varie, sono identiche alle tute dei supereroi come Batman, Iron man, X-Man, Captain America o a quelle di alcuni dei personaggi dei film più famosi: Tron, Guerre Stellari etc...
Andare in moto è già di per sé un'esperienza entusiasmante, sentire il vento che ti scorre addosso, affrontare le curve piegandosi su un fianco e i rettilinei aprendo il gas (Rsipettate sempre i limiti di velocità però!), pensate come sarebbe farlo vestiti come il vostro supereroe preferito!
Potete controllare i design delle tute, stivali, guanti etc... i loro prezzi e le prossime uscite sul sito della UD Replicas.

Spiderman a Broadway!

2011-09-01T21:41:00.014+02:00

In attesa del prossimo film su Spiderman in cui la saga ripartirà dalle origini dopo la trilogia di Sam Raimi, e per chi ha la possibilità di andate a New York in questo periodo, c’è il musical di Spiderman ! Dal famoso comic – book della Marvel, dopo sforzi durati mesi e numerosi rinvii, in scena al teatro Foxwoods di Broadway, sulla 42a strada di Manhattan, c’è “Spiderman: Turn off the Dark”
Come si può immaginare dal soggetto, portare su una scena teatrale la storia di un superore caratterizzato da un’agilità sovrumana è stato qualcosa di completamente nuovo anche per Broadway, oltre ovviamente all’adattamento della storia (più volte rivista e modificata per rendere il musical più scorrevole). Ne è venuto fuori un misto fra rock and roll, acrobazie da circo ed opera che è difficile anche solo catalogare e descrivere senza fare confusione.
Ma andiamo con ordine. L’idea di portare a teatro l’amichevole arrampicamuri di quartiere era in embrione già da nove anni e la sua realizzazione è stata piuttosto travagliata. I guai sono cominciati quando il produttore Tom Adams, poco tempo dopo aver ingaggiato Bono e The Edge per comporre le musiche dello spettacolo, è morto all’età di 52 anni. I due membri degli U2 si sono così ritrovati da soli senza sapere che direzione dovesse prendere il loro lavoro, ma non si sono mai persi d’animo e hanno sempre creduto nel musical.

Nel corso della preparazione ci sono stati problemi anche per gli incidenti in cui si sono feriti stuntman (quattro stuntmen feriti gravemente feriti, fra cui lo stuntman Chris Tierney che ha dovuto passare un bel pò di tempo fra ospedale e riabilitazione dopo una caduta di 20 metri senza paracadute) ed attori mentre provavano le acrobazie dello show, che si è così guadagnato in corso di lavorazione la nomea di musical maledetto. Dopo questi incidenti c'è stata un'un'ispezione del Dipartimento del Lavoro dello Stato di New York, che ha portato ad una citazione in giudizio e da una multa ci 12.600 dollari nel marzo del 2011.
Col passare del tempo, il susseguirsi di rinvii, modifiche alla trama, al cast, nella direzione e altro ancora, i costi sono lievitati tanto da arrivare a 75 milioni di dollari, e “Spiderman: Turn off the Dark” è diventato il musical più costoso nella storia di Broadway. In totale ci sono voluti 16 mesi di lavorazione e così uno show che avrebbe dovuto iniziare alla fine del 2010 (in teoria per l'Halloween del 2010), è andato in scena per la prima volta il 14 giugno 2011.
Fra le altre cose, rispetto alle prime versioni del musical è stato ridimensionato anche il ruolo di Arachne, personaggio ripreso dal mito omonimo narrato da Ovidio ne Le Metamorfosi e creato appositamente per il musical dalla prima regista Julie Taymor (già regista del film Across The Universe di un altro grande successo di Broadway The Lion King), sostituita in seguito da Phil Mckinley.

La trama, sviluppata in due atti, ricalca per molti aspetti il primo film di Sam Raimi e parte del secondo, con l’aggiunta del personaggio di Arachne, che appare in sogno a Peter Parker dopo l’acquisizione dei suoi poteri e gli fa da guida spirituale nel corso degli eventi (nella prima versione della storia, invece, anche Arachne era un supervillain che si scatenava contro Spiderman).
Il nemico principale del nostro eroe ovviamente è Norman Osborn alias Green Goblin, interpretato da Patrick Page. Una delle novità più interessanti, rispetto a quanto già visto al cinema, è l’introduzione di altri supercriminali creati da Green Goblin con l'ingegneria genetica (Carnage, Kraven il cacciatore, Swarm, Electro, Lizard e Swiss Miss) che formano il gruppo dei Sinistri Sei (gruppo che ovviamente viene sconfitto da Spiderman nel primo atto).

Qui si può trovare un video dello spettacolo (dal sito ufficiale del musical) per farsi qualche idea sullo show.

Il giudizio della critica non è stato proprio entusiasta. Sicuramente non negativo come per le prime versioni del musical (ci sonon state più anteprime, man mano che il musical è stato cambiato per cercare di migliorarlo), ma a parte l’apprezzamento degli effetti visivi e degli spettacoli acrobatici (ben 27 sequenze aeree) non sembra che gli altri elementi dello spettacolo siano all’altezza dei grandi successi di Broadway.

Ovviamente, più che la storia dei drammi vissuti da Peter Parker (per cui basterebbe attingere dall’oceano in continua espansione si storie prodotte dalla Marvel), quello che fa venir voglia di andare al teatro Foxwoods (nonostante il biglietto abbastanza caro) sono i combattimenti in volo, che fanno sì che il pubblico veda Spiderman ed i suoi nemici volteggiare proprio sopra la propria testa o atterrare vicino alla poltrona su cui si sta comodamente seduti, oltre ovviamente alle musiche di Bono e The Edge che sono una garanzia di qualità.

Nell'immagine qua sopra si possono vedere i due attori principali Reeve Carney e Jennifer Damiano, che interpretano, rispettivamente, i ruoli di Peter Parker e Mary Jane Watson.

Sicuramente i produttori non riusciranno a recuperare tutti i soldi investiti (per superare i 70 milioni di dollari di incassi si dovrebbero riempire le 1900 poltrone del teatro almeno per qualche anno), ma penso che dopo tutte le difficoltà incontrate, fra incidenti, cambi di attori, del regista e della sceneggiatura originali, giudizi negativi della critica, arrivare a portare in scena lo spettacolo sia stata comunque una gran bella soddisfazione per tutti quelli che ci hanno lavorato. Soprattutto considerando che la sera della prima erano presenti personaggi del calibro di Bill Clinton e sua figlia Chelsea, Jay-Z, Liam Neeson, Robert De Niro, John McEnroe, Spike Lee, Vanessa Redgrave, Steve Martin, Matt Damon, Cindy Crawford ed Helena Christensen.

E ovviamente qualunque fan del ragnetto non può che invidiare tutti quelli che in questi mesi sono a New York e troveranno il tempo (ed il biglietto) per andare a teatro!!!

Piccole scoperte, grandi soddisfazioni

2011-08-07T19:13:00.017+02:00

Anche se a volte non postiamo per settimane, io e il mio team di superbloggerzz siamo gente che legge tanto.
Eppure, ogni tanto, capita di passare periodi in cui non si ha voglia di leggere per niente e che la sola idea di dedicarsi a un libro dopo aver passato una giornata davanti al computer si avvicina di più alla tortura che al piacere.

Ecco che in "fasi no" come queste può essere divertente imbattersi in un libro come "Drugstore family". Si tratta di un volumetto che raccoglie 53 illustrazioni di manifesti, copertine di fumetti e giornaletti illustrati. Tutti immaginari. E tutti bellissimi.

Per essere più chiari, si tratta di una raccolta di front cover di fumetti e di albi pulp (mai realizzati, solo immaginati) sullo stile anni '50 popolati da mostriciattoli antropomorfi dai colori accesi e dai tratti forti e decisi.
I disegni sono chiaramente ispirati al mondo dei cartoni Disney, MGM e Warner accompagnati dal gusto per la rivisitazione e del nonsense.

Mi è difficile reperire informazioni sul suo creatore, tale Mezzo, autore e illustratore francese, classe '60; l'unica breve biografia che ho trovato è proprio sul sito della casa editrice Mosquito, editore che onestamente non conoscevo. Vi consiglio comunque di farci un giro, non si sa mai, magari si trova qualche piccola perla come Drugstore family.
Tornando a Mezzo, a quanto pare in Francia è famoso per una graphic novel action piuttosto violenta...
Nulla a che vedere con il volume che segnaliamo noi, che può piacere a chiunque ami l'universo dei fumetti vintage.

Io l'ho trovato molto divertente e mi sembrava giusto segnarlo... E voi?

MEZZO, Drugstore Family
53 Front Covers Magazine
Editions Mosquito

Gietz! La nuova musica!

2011-07-24T11:47:00.019+02:00

Gietz! È la storia di un ragazzo di La Spezia, Nicola, trombettista dalle doti innate, che fa la più grande scoperta della sua vita: il Gietz! (Jazz).
Tutto comincia quando uno dei periodi più tristi e drammatici della storia, la Seconda Guerra mondiale, termina. In tutta l’Italia c’è voglia di rinnovamento, di cambiamento, di buttarsi alle spalle quel periodo tremendo e di guardare al futuro con gioia e spirito positivo.
La nuova musica, il Jazz, portato dagli americani a conflitto finito per mezzo dei V-Disc, i dischi della Vittoria, insieme alle barrette di cioccolata e alle gomme da masticare, ha in sé un’energia dinamica che si adatta perfettamente a questa rinnovata voglia di vivere e di non pensare più ai bombardamenti e alle corse a perdifiato nei rifugi antiaerei.
Proprio grazie agli americani e quasi per un caso fortuito, Nico verrà a contatto con la nuova musica e, per lui, sarà subito un colpo di fulmine, l’esperienza che per sempre segnerà la sua vita.
La sua carriera inizierà da un piccolo locale di San Terenzo, nota località turistica della costa ligure, dove comincerà a suonare il suo gietz oltre alle classiche canzoni italiane dell'epoca, come "Parlami d'amore Mariù". Da questo piccolo paesino Nico riuscirà a raggiungere le più alte sfere del jazz italiano e a conoscere i migliori musicisti di quel periodo. Per riuscirci si lascerà, però, alle spalle tutta la sua vita: la sua ragazza, i suoi amici, la sua città. Per un ragazzo giovane e abituato alla vita di provincia, benché bravo e determinato come Nicola, non è facile affrontare le pressioni che il successo porta con sé e anche per Nico arriverà il momento delle scelte.
Un bel fumetto dal quale traspare tutto l'amore dell'autore, Andrea Campanella, per il Jazz e, allo stesso tempo, per la sua città, La Spezia e la sua riviera. I disegni di Hannes Pasqualini, fluidi e leggeri, ben si adattano ad una storia in cui la principale dominante è la musica! Molto belle le immagini che ritraggono i famosi jazzisti italiani, tra tutti Piero Umiliani, così come quelle dei miti del jazz americano: Duke Ellington, Miles Davis e John Coltrane. Altrettanto belle i disegni dei paesaggi della costa ligure, peccato che nel libro ce ne siano solo tre o quattro, mi sarebbe piaciuto poterne vedere di più.
Sicuramente azzeccata la scelta di non utilizzare il colore, ma di stampare il fumetto non con l’inchiostro nero, come normalmente si fa, ma con un inchiostro speciale pantone, dal colore marrone scuro in modo da esaltare di più la connotazione temporale della storia e renderla ancor più vivida.
Belle anche le prime pagine, di questa edizione targata Tunué, dedicate agli studi preparatori, ai disegni dei volti dei grandi jazzisti americani e ad un piccolo storyboard.

Per chi volesse dare un'occhiata ad un'anteprima di questa apprezzabile graphic novel sulla storia del Jazz italiano può farlo da qui:

Qui il trailer del fumetto:

Il film sulle avventure di Tintin

2011-07-15T23:29:00.005+02:00

E' da un po' che si sente parlare del film che Steven Spielberg e Peter Jackson stanno preparando su uno dei personaggi più famosi del fumetto belga: Tintin, il reporter dal ciuffo biondo. Il fumetto, lo sanno tutti, è opera della brillante mente di Hergé, al secolo Georges Prosper Remi, ed è probabilmente una delle serie a fumetti più conosciuta al mondo. Le riprese del film sono iniziate nel 2009 e tra poco, dicembre 2011, il film uscirà nelle sale. E' la prima volta che Spielberg si cimenta in un film d'animazione, ma l'enorme budget a sua disposizione dovrebbe far ben sperare. La pellicola si basa su tre storie della serie le Avventure di Tintin ed in particolare: "Il Granchio d'oro", "Il Segreto del Liocorno" e "Il Tesoro di Rakham il Rosso". Le ultime due sono due volumi collegati, un racconto in due parti e, per quanto mi riguarda, sono i due albi di Tintin che più ho amato. Da poco è uscito il più lungo trailer del film, che mi ha lasciato un po' perplesso. Sinceramente non so bene come giudicarlo, ma non posso certo dire di esserne stato attratto. Comunque, come sempre, aspetterò di vedere il film prima di esprimermi pienamente.

Van Gogh va alla guerra!

2011-06-30T19:28:00.005+02:00

Poche storie a fumetti mi hanno sorpreso piacevolmente per la loro originalità nella trama e per il loro geniale sarcasmo quanto "La Ligne de Front" (La Linea del Fronte) di Manu Larcenet.
Edito da Dargaud per la collana Poisson Pilote, "La Ligne de Front" è solo uno degli albi della serie "Une Aventure Rocambolesque de ...." dove, di volta in volta, al posto dei puntini viene messo il nome di un personaggio storico famoso come: Attila l'unno, Sigmund Freud, Van Gogh, etc... che si ritrova coinvolto in una bizzarra e stravagante vicenda.
Nella Ligne de Front è il turno di Vincent Van Gogh, o meglio del Caporale Van Gogh, che viene richiamato alle armi, durante la prima guerra mondiale, e spedito al fronte per una missione speciale.
Già da questo primo, breve, spunto nascono tutta una serie di interrogativi: perché inviare al fronte un pittore? A che scopo? Perché proprio Van Gogh?.....Ma Van Gogh non era morto nel 1890?
Le risposte a queste domande, che vengono fornite durante lo svolgersi della storia, sono di una sorprendente originalità, nonché di una geniale comicità che fa da quadro alla cruda realtà della guerra.
Nella prima tavola del fumetto si avverte subito quella che sarà l'atmosfera dell'intera storia. La prima vignetta mostra una zona di guerra falcidiata dalle bombe dove un soldato, seduto e immobile, sta aspettando il suo inesorabile destino, che forse ha già incontrato. Una voce fuori campo esclama: "Alle volte, quando le bombe piovono in prima linea, capita che anche chi è nelle retrovie stringa le chiappe!". Subito dopo la scena si sposta in una lussuosa stanza di un palazzo molto lontano dal fronte che fa da quartiere generale delle forze armate francesi. Lì, l'intero stato maggiore transalpino, dal presidente Poincarré ai generali Morancet e Morillon, è intento a discutere, tra un sorso di cognac invecchiato e un buon sigaro, sulle sorti dei loro soldati che stanno combattendo e morendo per la propria patria. La loro più grossa preoccupazione è capire perché le milizie francesi si lamentano così tanto delle loro condizioni al fronte e perché passano tanto tempo a lagnarsi. Non capiscono come mai i soldati si comportano come delle femminucce, quando c'è una guerra da vincere!
Il Generale Morancet, allora, azzarda un'ipotesi: forse il problema risiede nel fatto che i soldati hanno paura di morire.
La vignetta seguente è un piccolo capolavoro di crudele sarcasmo: i tre capi di stato maggiore rimangono ammutoliti e attoniti alle parole di Morancet, allibiti da tanta ovvietà. Le loro espressioni, degne del miglior Ortolani, la dicono tutta su come l'affermazioni sia tanto elementare quanto giusta, eppure il loro silenzio imbarazzato nasconde una pudica incapacità di accettare tale realtà troppo semplicistica per le loro menti da grandi statisti.
Infatti, nella vignetta successiva, Poincarré riprende subito il suo colorito e la sua espressione spavalda dichiarando che non può essere quello il motivo dello sconforto dei soldati, visto che se non ci fosse la possibilità di morire la guerra sarebbe noiosissima.
Se non è questo che causa lo sconforto nelle truppe, deve essere qualcos'altro, qualcosa che sfugge alle tre geniali menti. Ecco perché, tutti insieme, decidono di..... andare loro stessi al fronte per vedere con i propri occhi la situazione?! Ovviamente no! Inviare un artista, un pittore, uno che possa mostrare loro, tramite i propri dipinti, la vera essenza della guerra, la vera natura della vita in trincea.
La scelta ricade su Vincent Van Gogh. E non poteva essere altrimenti, visto che Toulouse-Lautrec non avrebbe mai avuto la forza fisica necessaria, e Manet era perfetto per dipingere lo spirito della domenica pomeriggio sui bordi della Marna o i pic-nics decadenti pieni di femmine nude, ma mai sarebbe stato capace di cogliere lo spirito della guerra!
Queste sono solo alcune delle sagaci battute che Manu Larcenet ha disseminato in questo volume, al quale però l'etichetta di fumetto comico non si addice assolutamente. Ancora una volta, infatti, l'autore si dimostra maestro, così come aveva già fatto con l'opera che l'ha reso famoso in tutto il mondo, "Le Combat Orinaire" (Lo Scontro Quotidiano), nel mischiare l'arguta ironia alle scene, anche drammatiche, di vita reale. E non poteva essere altrimenti visto che il tema centrale dell'opera è la critica verso l'assurdità della guerra e le sue drammatiche conseguenza che ricadono sempre e inesorabilmente su coloro che non hanno mai avuto voce in capitolo in fatto di decisioni, ma sono stati costretti a prenderne parte.
Un albo da non perdere, soprattutto per coloro che hanno apprezzato Manu Larcenet e il suo Combat Ordinaire. Personalmente questo fumetto mi ha messo una gran voglia di leggere tutti gli altri della stessa serie e non passerà molto prima che li compri. Sono molto curioso soprattutto di vedere il Sigmund Freud versione Larcenet.
Al momento non mi risulta che Ligne de Front sia stata tradotto in italiano, ma vista l'importanza dell'autore e la creatività dell'opera, difficilmente le nostre case editrici se lo lasceranno scappare.

Rimane comunque ancora una domanda alla quale non ho voluto dare risposta.... Come è possibile che Van Gogh venga inviato al fronte durante la prima guerra mondiale se è morto nel 1890? L'esilerante risposta a questa domanda ve la lascio scoprire da soli, ma sappiate che ha a che fare con un piano militare segreto per sradicare il cubismo.

Un mondo strano e molto crudele

2011-05-31T23:08:00.025+02:00

Grazie al passaparola tra amici ho avuto occasione di leggere una breve graphic novel che mi ha immediatamente attratto per il disegno in copertina e per la rilegatura in tessuto.
La curiosità iniziale ha lasciato il posto allo stupore: una, massimo due vignette per pagina che sembrano disegnate a matita (in realtà è inchiostro su carta) dalle quali non si riesce a ricavare nessun indizio riguardante la trama.
E forse, per onestà, è il caso che chiarisca subito che della storia non ho un'idea chiara neppure ora che l'ho letta e riletta.

Sarà perchè il libro è pieno di contraddizioni. I disegni sono dolci e infantili, ma la trama è di una crudeltà mostruosa; il tratto e la tecnica di Renée French in qualche modo ispirano calma e tenerezza, ma i personaggi sono inquietanti. Lo si legge in un baleno, ma la storia ci rimane addosso e continua a tormentarci...

The Ticking (Top Shelf Productions, 2006) narra la storia di Edison Steelhead, un bimbo deforme -nato con la testa sproporzionata e gli occhi ai lati della testa - la cui madre muore di parto. Il padre, Calvin Steelhead, decide di trasferirsi a vivere in una casetta isolata, per protegger il figlioletto e tenerlo lontano dagli sguardi pieni di incredulità e forse disgusto delle persone normali.
Calvin cresce suo figlio nella solitudine e nella noia di giornate tutte uguali, lontano dal resto del mondo. Così, il piccolo Edison trova l'unico svago nel disegno, arrivando a creare il ritratto di un piccolo mondo privato fatto di insetti, ami da pesca e altri oggetti insignificanti che nota intorno a sé. Quando il padre decide di portarlo da un dottore per correggere il suo difetto, Edison capisce di non voler cambiare, ma l'accettazione della sua deformità genera nel padre il rifiuto.
Da qui le cose migliorano e peggiorano insieme, fino a un finale che non è veramente una fine...

The TIcking è una piccola giostra emotiva, sulla quale giusto e sbagliato, bellezza e mostruosità, dolcezza e inquietudine si rincorrono senza sosta.
Non ci sono personaggi intenzionalmente cattivi, né buoni, così come non lo sono i loro comportamenti. C'è una strana rassegnazione di fondo ad essere brutalmente onesti: si è quel che si è, inutile cambiare. E questo comporta una serie di conseguenze disumane, ovvero la mancanza di speranza, di sogni, di curiosità e forse anche di amore.

Insomma, questo libro dimostra una grande forza perchè rappresenta un'accozzaglia di sentimenti paradossali e antitetici che (non riesco ancora a spiegarmi come) si incastrano in perfetta armonia.

E' nato un nuovo Autore italiano

2011-05-21T00:43:00.018+02:00

Il titolo non tragga in inganno. Non sto per parlare di un autore emergente al suo primo fumetto, ma bensì del vincitore di Lucca 2010 e Angouleme 2011: Manuele Fior. Un autore che, benché molto giovane, ha già alle spalle diverse opere pubblicate. Con il suo ultimo lavoro, "Cinquemila chilometri al secondo", Manuele è sicuramente entrato di diritto nello schieramento degli Autori con la A maiuscola. E Non lo dico perché ha trionfato ad Angouleme e a Lucca, ma perché ho letto "Cinquemila Chilometri Al Secondo" ed è sicuramente il più bel fumetto del 2010. Il fatto che abbia vinto tutti questi premi, cosa sempre gradita, immagino, da un autore, è la conferma che anche la critica ha apprezzato in modo particolare il lavoro di Fior.
Scrivo solo ora questo articolo per tutta una serie di questioni che non serve citare qui, ma ci tengo a precisare, che avrei voluto scriverlo già quest'estate, ad agosto. Quando a Pisa, mi trovavo lì in vacanza, l'ho comprato in una fumetteria. Subito dopo averlo acquistato l'ho letto immediatamente e la prima idea che mi ha suscitato è stato il titolo di questo pezzo, che ho conservato da agosto fino ad oggi. (Wow è passato quasi un anno!)
Ovviamente, ho poi riletto più volte la graphic novel di Fior, ed ogni volta, la prima impressione che fosse un fumetto speciale, che avesse qualcosa che lo rendeva unico, veniva confermata. Questa, però, non era l'unica sensazione che si ripeteva ad ogni lettura: un senso di angoscia, un sentimento di vuoto e di fine di un'illusione erano le altre. Cinquemila Chilometri al Secondo è, infatti, un fumetto apparentemente innocuo, ma che, in realtà, può scuoterti nel profondo.

La prima cosa che colpisce sono i disegni e l'uso dei colori. Fior ha scelto di creare le sue tavole senza effettuare alcuna bozza, di disegnarle e colorarle direttamente, di dipingere immediatamente i suoi acquerelli senza effettuare altri passaggi, come normalmente si fa. Immagino che questo gli sia costato parecchi fogli, e parecchie incavolature in caso di errore, ma l'effetto che ne ha ottenuto è eccezionale! Chi anche soltanto sfoglia Cinquemila Chilometri al Secondo può accorgersi della cura nella descrizione delle scene, dell'accurata scelta dei colori in ogni tavola, che non solo servono a demarcare le varie zone geografiche in cui si svolge la storia, ma anche le differenza di scelta di vita dei personaggi.
Si incomincia con una giornata calda d'estate in una città italiana, non ben identificata, ma che potrebbe essere una qualsiasi delle città della costa, una di quelle dove l'estate arrivano le tedesche in spiaggia. Il giallo e il verde dominano la scena, mentre tre giovani, Nicola, Piero e Lucia, che avranno sì e no diciott'anni fanno conoscenza. Ovviamente scatta l'amore, in questo strano triangolo improbabile, ma la vita non è mai una linea retta e, per questo, le storie e le vite di ognuno di loro sono destinate a dividersi. Piero e Lucia lasciano l'Italia: lui per l'Egitto, per seguire la sua passione di archeologo, lei per la Norvegia, per completare i suoi studi di letteratura. Non sono solo le loro carriere a spingerli lontano l'uno dall'altra, ma anche la fine burrascosa della loro storia d'amore. Scelte di vita diverse, paesi lontani, colori del paesaggio e delle tavole opposti: la fredda e tranquilla Norvegia è caratterizzata da varie tonalità di blu, mentre il caldo e caotico Egitto dal giallo e dal marrone. Personaggi che sembrano essersi persi per sempre, ognuno per la sua strada che più va avanti più li separa uno dall'altro, chilometri di distanza che aumentano, eppure basta poco per ritrovarsi, per risentirsi e fingere che il tempo passato e il vuoto creatosi non siano così importanti. Ma è solo un'illusione, che dura il tempo di un acquazzone. Ormai la distanza tra le loro vite è incolmabile, troppe sono le frasi non dette, le esperienze vissute uno lontano dall'altra e, benché il ricordo di quell'estate in cui si sono conosciuti non glielo porterà via nessuno, una volta smesso di piovere le loro vite continuano ad andare avanti in direzioni diverse.

Sono veramente felice che questa graphic novel abbia riscosso così tanto successo, perché è davvero un bel lavoro e se lo merita pienamente. Manuele Fior aveva già dato prova di essere un ottimo autore con le sue precedenti opere, ma in questa ha saputo utilizzare magistralmente tutti i mezzi che un fumetto mette a disposizione di un autore per esprimere il proprio messaggio, per raccontare una storia, per coinvolgere i lettori. I disegni, i colori, le parole, la distanza delle vignette, le inquadrature, tutto è unito sistematicamente per creare un'atmosfera incredibilmente avvolgente, come un nodo alla gola che lascia appena la possibilità di respirare. Ed è così che si legge questo fumetto, o almeno così l'ho letto io, in apnea, col magone in gola per l'afa egiziana dai colori soffocanti, per il gelido blu norvegese che congela la respirazione, in attesa che arrivi qualcosa, un cambiamento di rotta, una chiarificazione, una pioggia scrosciante che scateni delle reazioni, che porti delle rivelazioni. E quando arriva la pioggia, quando arrivano quelle due bellissime pagine di sola pioggia attese e annunciate per tutto il libro, ci si ferma un attimo a pensare, a riflettere che oramai tutto è cambiato e che, benché sotto l'acqua le cose si trasformino ed assumano un altro aspetto, non si può più tornare indietro all'età della giovinezza.

In conclusione un grazie particolare a Manuele per questa straordinaria graphic novel, che come sempre è edito da Coconino, ed un suggerimento a chi ancora non lo avesse letto di non lasciarselo scappare.

RED: la miniserie ed il film

2011-05-01T18:24:00.007+02:00

Ultimamente andando al cinema mi è capitato di vedere il trailer di RED, film tratto da una miniserie scritta da Warren Ellis e disegnata da Cully Hamner, che uscirà nelle sale italiane l’11 maggio.
A dirla tutta, la mini è un po' vecchiotta, è stata pubblicata in America dalla Wildstorm fra il 2003 ed il 2004 e da noi dalla Magic Press su Wildstorm Presenta n.4 vari anni fa. A Maggio la Magic Press la pubblicherà di nuovo in un'edizione speciale per l'uscita del film.

Warren Ellis è uno dei miei scrittori preferiti, secondo me uno dei migliori scrittori di comics dai tempi di Doom 2009 della Marvel (uno dei suoi primi lavori pubblicati in Italia). Quello che fa in molte delle sue opere è portare alle estreme conseguenze i presupposti di ogni serie, ed anche in RED fa qualcosa del genere, partendo da un'idea di base semplice ma efficace su cui costruire un thriller.

In poche parole, pensiamo ad uno dei soliti agenti della CIA che si vedono in film, telefilm e storie di genere. Uno dei migliori, se non proprio il migliore, che si è ritirato e fa la sua vita tranquilla e solitaria da pensionato. Si tratta dell’ex agente Paul Moses, il protagonista della storia, e nel corso della miniserie sembra che W. Ellis non faccia altro che domandarsi “Cosa succederebbe se quelli della CIA cercassero per qualche motivo di uccidere il loro migliore agente, ormai ritiratosi da un pezzo?” Lo svolgersi degli eventi, a partire dal primo dei tre albi della miniserie, non fa che rispondere a questa domanda, e... non voglio dire altro per non rovinare la sorpresa a chi voglia leggere la storia o andare a vedere il film al cinema.

Nonostante apprezzi molto W. Ellis, purtroppo RED non mi è sembrata un granché come miniserie. Non per i disegni di Hamner, che sono di buon livello e rendono bene le atmosfere di questo tipo di storia. Il problema è che, anche se l’idea di base è buona è stata realizzata in soli tre albi mentre avrebbe meritato un intreccio più complesso, magari con qualche personaggio in più e una trama un po’ più coinvolgente.

Da quello che ho potuto capire dal trailer, mi sembra però che il film si sia ispirato abbastanza liberamente al comic – book. Oltre all’agente Frank Moses (non so perché nel film da Paul è diventato Frank) interpretato da Bruce Willis, sono stati aggiunti anche altri ex - agenti (interpretati da altri attori molto conosciuti come Morgan Freeman ed altri) e la trama sembra leggermente più complicata. Inoltre, vedendo i dialoghi e le scene di azione, l’impressione è che ne sia venuta fuori una action comedy piuttosto divertente in cui i protagonisti sono dei vecchietti alla riscossa che dimostrano (ad agenti operativi e teste d’uovo più giovani di loro) che ci sanno ancora fare.

Insomma, mi sembra uno di quei pochi casi in cui la trasposizione cinematografica possa aver migliorato la storia che ne era alla base, ricavandone un film di genere che potrebbe (uso il condizionale perché per ora ho visto solo il trailer) andare bene per una serata al cinema o in tv.

Piccola curiosità: la miniserie prendeva il titolo dal fatto che l’ex - agente Paul Moses, nel momento in cui veniva attaccato, cambiava il suo status da green a red. Per il film invecela parola RED è stata usata come acronimo di Reduci Estremamente Distruttivi.

Il gatto del rabbino parlerà anche sul grande schermo!

2011-04-18T21:36:00.008+02:00

Il gatto del rabbino, titolo originale "Le chat du rabbin", è forse l'opera più famosa di Joann Sfar, fumettista francese che, proprio con questo fumetto, ha raggiunto il successo mondiale. La storia, che si svolge in Algeria, narra le vicende del gatto di un rabbino che, dopo aver mangiato un pappagallo, acquista la parola. Da quel momento in poi inizieranno "le sofferenze" del povero rabbino costretto a sopportare le assurde richieste del gatto. L'animale, infatti, pretenderà di celebrare il proprio Bar Mitzvah, la cerimonia ebraica che conferisce ai ragazzi la responsabilità etica e morale delle proprie azioni inserendoli nel mondo degli adulti, e chiederà al rabbino di insegnargli la Torah e di fare di lui un buon ebreo. Le leggi, le regole e le usanze ebraiche, viste dagli occhi del gatto, appaiono però così rigide e, a volte, così contorte da risultare assurde per un'anima libera come quella del felino. L'espediente del gatto parlante serve a Sfar proprio per fornire un punto di vista diverso, libero, disincantato sulle tradizioni ebraiche e sulla vita degli uomini in generale. L'autore francese dimostra di saper gestire questo stratagemma con molta ironia e perspicacia. Ironia e perspicacia che speriamo di ritrovare nel film in uscita nelle sale francesi il primo giugno 2011.
Dalle prime immagini che si trovano sulla rete (qui sotto potete vedere il trailer) il film sembra prendere spunto, soprattutto, dal primo e dall'ultimo volume dell'opera di Sfar; in tutto i volumi sono cinque. Il primo è quello in cui il gatto acquista la parola e vuole celebrare il Bar Mitzvah, l'ultimo descrive il viaggio che il rabbino, accompagnato dall'inseparabile gatto, da un giovane russo capitato ad Algeri per errore e da un nobile russo, che si è trasferito lì dopo la caduta dello Tzar, compie per trovare una leggendaria città nel cuore dell'Africa nella quale, si dice, abiti la popolazione ebraica più antica del mondo.
Dalle stesse immagini pare che al film sia stata data un'impostazione un po' troppo infantile, o meglio che, nonostante il cinismo e il materialismo del gatto siano stati mantenuti inalterati, alcune battute sono esattamente quelle del fumetto, lo stile dei disegni e certe espressioni appaiono realizzate affinché il film possa essere adatto ad un pubblico di bambini. Come dicevo, le immagini sono poche ed è ancora troppo presto per dare giudizi così netti, quindi aspetterò di averlo visto per decidere se la realizzazione di questo ennesimo film tratto da un fumetto è riuscita o no.

Le Chat du Rabbin - Bande annonce Vidéo UGCDistribution sélectionnée dans Cinéma

300 parodie in immagini

2011-04-02T02:50:00.019+02:00

Sono pochi coloro che non conoscono il fumetto 300, scritto e disegnato da Frank Miller, indiscusso capolavoro di uno dei più famosi autori di fumetti. Dal fumetto è stato tratto un film che ha avuto un discreto successo di pubblico. Se devo essere sincero, ci sono alcune cose che non mi sono piaciute del film, anche se è di forte impatto scenico e alcune sequenze sono indubbiamente ben girate. In questo breve post non voglio però né parlare del fumetto, né del film, quanto di una serie di immagini, che ho trovato sulla rete e che giocano, in maniera dissacrante e ironica, col tono solenne, maestoso e vanaglorioso che pervade sia il fumetto che il film.
Già Leo Ortolani, qualche anno fa, aveva scritto una divertentissima parodia di 300, intitolata 299+1. Nella quale il +1 non poteva che essere il personaggio che troviamo sempre nei suoi fumetti, quel Rat-Man, che alcune volte cambia nome, in questa storia si chiama Skrotos, ma che ha sempre la solita e inconfondibile caratteristica di sfarci sbellicare dalle risate. Consigliandovi di leggere 300, se non lo avete ancora fatto e poi 299+1, eccovi la carrellata di immagini che più mi sono sembrate simpatiche a tema 300.

L'incertezza di chiamarsi Maira

2011-03-28T00:02:00.018+02:00

Un po' memoir, un po' diario di viaggio, un po' scrapbook.
Le illustrazioni contenute in questo libro di Maira Kalman, amata e premiata illustratrice del NY Times e del New Yorker, raccontano in maniera apparentemente casuale e disordinata la storia della sua vita.
In realtà, si tratta del primo dei tre libri "per adulti" della Kalman, pubblicato parecchio tempo fa (precisamente nel 2007) ma è a mio avviso il più interessante e il più sentito, pieno dei dubbi, dei quesiti e delle deliziose piccole sorprese di cui la Kalman si stupisce e con cui riesce a ispirare meraviglia anche in noi lettori.
In Principles of Uncertainty il tema portante è la ricerca della verità e, a livello più intimo e personale, la ricerca delle proprie radici, che qui si piega nella forma di un intricato puzzle fatto di piccoli oggetti quotidiani come cappelli, cioccolatini, scatole, scontrini, ricami all'uncinetto, valige e perfino baffi, ognuno foriero di una storia, di una persona, di un'idea.

Pagina dopo pagina, illustrazione dopo illustrazione, la Kalman ci restituisce l'immagine di tutto ciò che per qualche motivo l'ha colpita e incuriosita, facendoci scoprire che sono proprio le piccole cose a rimanere incastrate nei corridoi della nostra memoria.
Così, una piccola scatola di caramelle contiene al suo interno un intero viaggio in una terra lontana, o un divano può ospitare milioni di storie raccontate da una persona cara.

L'ironia dei suoi appunti contrasta con l'innocenza delle illustrazioni, vere esplosioni di colore dal tratto deciso e vigoroso.
È l'incertezza del titolo il collante di ciascun oggetto, quell'incertezza che tutti noi proviamo quando riconsideriamo le nostre radici e ci confrontiamo con noi stessi.
Chi vuole approfondire può visitare, oltre al sito personale di Maira Kalman, il suo blog per il New York Times.

Bambini indignati e ribelli

2011-03-13T18:56:00.008+01:00

Non sono uno a cui piace molto leggere le cosiddette “strisce”, di solito composte da tre o 4 vignette in cui si crea o uno sketch o la situazione per la battuta finale. Normalmente preferisco delle storie di ampio respiro, magari che si sviluppino in un arco di più albi per presentare narrazioni e personaggi complesse. Anch'io comunque adoro capolavori come i Peanuts o Mafalda. Per chi lavora in un ufficio, poi, è impossibile non apprezzare il mitico Dilbert di Scott Adams, e potrei continuare ancora con altri esempi di strisce che meritano di essere lette anche da chi, come me, non è un amante del genere.

Ma ora voglio parlare di un piccolo gioiello che ho scoperto ultimamente e che meriterebbe di essere conosciuto da un pubblico più ampio: The Boondocks di Aaron McGruder.
Boondocks è una parola portata negli USA dai marines di stanza nelle Filippine all’inizio del ‘900, e attualmente in american english indica una regione isolata, un posto sperduto o la provincia profonda. Nella striscia, che porta questa parola nel titolo, i personaggi principali sono due bambini afroamericani, Huey e Riley Freeman che lasciano il South Side di Chicago per andare a vivere nella tranquilla periferia di Woodcrest col nonno.

Se si cercasse il protagonista della serie sarebbe sicuramente Huey, bambino con una capigliatura afro indomabile, la fronte alta e un’espressione del viso perennemente accigliata, a nascondere una mente sempre al lavoro e, anche, un certo fastidio (pronto ad esplodere) verso un mondo pieno di cose che non vanno. Mentre Huey è sempre intento a leggere quotidiani e libri di controcultura nera, il fratello più piccolo Riley è un fan dei gangsta rapper, e vuole diventare il bullo più temuto della scuola elementare aspirando a trasformarsi in un vero gangster (come i suoi eroi) quando sarà grande. I due fratellini rappresentano due opposti: mentre Huey è dentro il radicalismo nero, Riley non si discosta da quella cultura nera di massa (da cui provengono i gangsta rapper), che, secondo Huey, non aiuta per niente gli afroamericani a migliorare ed elevarsi socialmente.

Già con questi due bambini McGruder può rappresentare in modo molto divertente diversi aspetti della società americana, dalla politica (di cui Huey è un attento osservatore), alla scuola elementare, all’uscita della seconda trilogia di Star Wars, o alla cospirazione di Babbo Natale (il ciclo di strisce sugli Illuminati e Babbo Natale è veramente molto carino). Il cast della serie viene poi arricchito da altri personaggi, quali gli insegnanti della scuola frequentata da Huey e Riley, i loro vicini di casa Jazmine (presa in giro per i suoi capelli afro) ed i suoi genitori Tom e Sarah, l’altra vicina Cindy e Caesar, amico di Huey con i dreadlocks.

Ogni personaggio risulta estremamente simpatico innanzitutto grazie ai disegni di McGruder (che ha curato personalmente ogni striscia dei Boondocks, prestando massima attenzione ai dettagli di ogni bambino, dei genitori di Jazmine e del nonno), veramente carini ed efficaci nel caratterizzare i protagonisti della serie, soprattutto nelle vignette finali in cui si svela il lato comico delle situazioni e delle battute di ogni striscia.

Sicuramente The Boondocks non sarebbe così divertente se Huey e Riley non avessero quelle faccette sempre pensose ed un po’ arrabbiate con cui appaiono in ogni vignetta. Ma il vero punto di forza dell’opera è che i suoi protagonisti sono dei bambini intelligenti e ribelli, sempre pronti ad indignarsi e fare osservazioni scomode, e l’umorismo che scaturisce dalla lettura ha spesso come punto di partenza un aspetto della politica (o dei politici) americana, della cultura nera (dalla festività di Kwanzaa ai gangsta rapper) o della vita in periferia a Woodcrest. A McGruder va riconosciuto il merito di aver migliorato la sua opera proprio grazie al bisogno che ha sentito di cambiarne l’impostazione dopo l’11 settembre (lo si può leggere nell’introduzione all’edizione italiana del primo libro), rendendola ancor più divertente e di successo anche grazie alla politica. Ha scritto e disegnato un fumetto come lui sentiva che avesse bisogno di essere, dicendo semplicemente ciò che voleva dire, e ne è venuta fuori proprio una bella cosa.

In America la serie è stata pubblicata per la prima volta sul Los Angeles Times nel 1999, ed è poi uscita fino al 2006. Le strisce sono in seguito state raccolte in 3 libri. In Italia, dopo la pubblicazione delle strisce su Linus, per ora sono usciti due libri editi dalla Arcana, “Il diritto di essere contro”, e “Nemico
pubblico numero due”.

Dal fumetto è poi stata tratta anche una serie televisiva a cartoni animati, sviluppata in due stagioni (ognuna di 15 episodi)e da noi trasmessa su MTV.

Grazie alle strisce dei Boondocks, A. McGruder è stato invitato (oltre che a partecipare a conferenze e a fare qualche apparizione televisiva) a pranzo da Fidel Castro a L’Avana, ed il partito dei Verdi gli ha chiesto di candidarsi alla Casa Bianca.

La Genesi di Robert Crumb - La Bibbia come non l'avete mai letta

2011-02-17T10:25:00.040+01:00

La mia prima reazione alla Bibbia di Crumb è stata: come è possibile che il padre del fumetto underground americano si dia all'esplorazione di un testo sacro? Ebbene sì! Da vero artista Crumb si è cimentato con uno dei testi più antichi della storia dell'umanità: la Bibbia. In particolare, il libro della Genesi. Ora, i miei personali ricordi della Bibbia sono fusi in modo indelebile con le interminabili ore di catechismo, il senso di colpa per non aver voglia di trascorrere l'ennesimo pomeriggio a studiare cose che mi sembravano inquietanti. Le poche reminiscenze di quegli argomenti riguardano l'eden, il diluvio universale e poco altro. Eppure, in qualche modo, alcune metafore e modi di dire si sono fissati nella mia memoria quasi contro la mia volontà; immagino che le stesse cose siano dominio di tutti, credenti e non credenti, praticanti e non. Crumb si è dedicato a questo lavoro proprio per il carattere universale e senza tempo di storie mitologiche in cui si cerca di far luce sull'origine dell'uomo. Per di più, il libro della Genesi è il più crudo, severo, avvincente e tragico tra i cinque che compongono il Vecchio Testamento. Ci sta, quindi, che il creatore di Fritz il Gatto abbia scelto di illustrare un testo così controverso e, a suo modo, affascinante. Basta pensare alla cacciata dal paradiso, al sacrificio di Isacco, a Sodoma e Gomorra per farsi un'idea di quanto vicini siano questi temi alla mente di Crumb e al suo approccio anticonvenzionale alla narrazione. In un'intervista, l'autore confessa che l'interesse per la Genesi è nato principalmente dalla fascinazione per il linguaggio evocativo e singolare del testo, dal potere rappresentativo e dalla straordinaria forza visiva delle parole, ma anche dalla difficoltà di comprendere a fondo elementi narrativi a cui non riusciva a dare un senso. Infatti, il suo lavoro è stato essenzialmente quello di spogliare la lingua da tutti i riferimenti e le interpretazioni religiose e illustrarne in maniera letterale il contenuto. Un lavoraccio, insomma, verso il termine del quale Crumb ha dichiarato di essere esausto e prosciugato di ogni spinta creativa, tanto da mettere in dubbio il proseguimento della sua carriera di artista. Grazie al suo sforzo riusciamo a goderci la Bibbia per quello che è, ovvero un contenitore di racconti affascinanti e fantastici che qualcuno si è preso la briga di tramandarci. Sempre originale, sempre intenso, il tratto di Crumb sembra che voglia incidere la carta; alcune tavole, rigorosamente in bianco e nero, somigliano a vere e proprie incisioni in cui ritroviamo l'energia e la vitalità (ma anche il senso di frustrazione) che lo hanno reso famoso. Tavole in cui Dio stesso somiglia a Gandalf e, più spesso, a Gerry Garcia...

illustrated by Robert Crumb

Norton Publishing Company

MOEBIUS-TRANSE-FORME

2011-02-09T19:48:00.023+01:00

Qualche tempo fa, su questo blog, avevo richiamato l'attenzione su di una mostra interamente dedicata all'impareggiabile Moebius, alle sue opere e alla sua vita, dal titolo “MŒBIUS-TRANSE-FORME”. La mostra, tutt'ora in corso (terminerà il 13 Marzo), è a Parigi alla Fondation Cartier pour l'Art Contemporain e, visto che da poco ho avuto il piacere di visitarla, posso finalmente parlarne con maggiore precisione.
L'esposizione è suddivisa su due piani. Al primo, quello a cui si accede dall'ingresso della Fondazione Cartier, sono esposte una serie numerosa di tavole originali dell'artista che attraversano tutta la sua vasta carriera. Si va dai suoi primi lavori come Blueberry, quando ancora si firmava Jean Giraud o meglio Gir e il suo stile era di un realismo impressionante, fino alle sue ultime opere, come "Après l'Incal", nelle quali, ormai divenuto Moebius da diverso tempo, il tratto è completamente diverso dagli esordi, più arioso, magnetico e lo stile futuristico, sempre teso alla creazione di nuove forme, nuovi impossibili mondi in perenne mutazione. E' questa la prima "tras-formazione" alla quale si assiste seguendo l'esposizione. Il passaggio dal realistico Jean Giraud di Blueberry all'immaginifico Moebius de "L'Incal". Due stili lontani, diversi, quasi fossero di due autori distinti, tra i quali, però, si possono notare numerosi legami. Forme, in continuo movimento quelle di Moebius sempre mutevoli e sorprendenti, più realistiche e statiche quelle di Jean Giraud.
Una volta notata la prima trasformazione, la seconda ce la troviamo proprio lì davanti agli occhi, impossibile da evitare. Si tratta dei disegni di Moebius, del suo modo di rappresentare la realtà in maniera così instabile, utilizzando per i suoi paesaggi, edifici, personaggi, mostri e animali forme malleabili, per nulla solide, quasi fossero costituite da una sostanza pressoché liquida. Quando osservi quelle forme capisci che il cambiamento è in loro, che in qualsiasi istante la trasformazione può essere messa in atto. Non a caso nella seconda stanza vi è una carrellata di 7/8 tavole, o meglio quadretti che illustrano questo percorso. Nel primo un uomo, a mezzo busto, sta guarda verso di noi, nel secondo una strana escrescenza gli spunta da una mano, e piano piano col passare dei quadretti, l’escrescenza diventa sempre più voluminosa e ingombrante inglobando l’intero uomo che oramai è divenuto tutt’uno con quell’ammasso molliccio che era scaturito dalla sua mano. Nell’arte di Moebius tutto è in continuo movimento, in perenne metamorfosi, ogni cosa può cambiare da un momento all’altro. Un uomo diventare una pianta, un animale un sasso oppure diventare qualcosa di sconosciuto, un ibrido di uomo e pianta mai visto prima.

Questo lo si capisce bene se si ha il piacere di visitare questa mostra e se ne ha la certezza soprattutto entrando nella seconda stanza, dove avviene la terza trasformazione. Alla seconda stanza si accede scendendo una piccola rampa di scale che conduce in un grosso spazio lasciato volutamente nella penombra. Ad una parete sono dipinte delle gigantografie di alcuni disegni di Moebius, mentre nel muro a fianco vengono proiettati delle forme di luce che cambiano continuamente. Forme, ovviamente, ideate dallo stesso Moebius e che assomigliano ad insetti o a piccoli invertebrati preistorici. Al centro della stanza altre opere dell’artista questa volta, però, esposti in maniera particolare. Non più tavole, ma singoli disegni digitali illuminati dal basso. Alle pareti rimanenti altri quadri e disegni di simile fattura. E’ il Moebius degli ultimissimi anni, quello che esplora e utilizza il disegno digitale e il computer per oltrepassare i limiti del disegno su carta.
In conclusione, se vi trovate a Parigi ricordatevi che fino al 13 marzo c'è l'esposizione su Moebius e che di certo vale la pena andarci.

Se poi vi capitasse di andarci proprio il 10 marzo sappiate che alle 20:30 Moebius sarà presente per un'iniziativa che lo vede protagonista. Infatti facendosi coinvolgere ed ispirare dalla musica della fanfara Piston Circus, metterà in mostra le sue straordinarie doti di disegnatore ed improvvisatore. Impossibile mancare.
Per chi volesse qualche altra informazioni sulla mostra ho trovato su Galileus questo completo ed interessante articolo.

8comix.fr, grandi storie di grandi autori a gratisse!!!

2011-01-25T23:34:00.010+01:00

Mi capita spesso di "sfogliare" le pagine del sito Bedetheque, che come il nome sottolinea, è una specie di biblioteca online del fumetto. A ragion del vero non è proprio una biblioteca, visto che i libri non si possono consultare, ma una specie di banca dati, un immenso raccoglitore di tutte le pubblicazioni fumettistiche uscite in Francia. Quando devo fare delle ricerche su autori francesi mi reco immediatamente lì. Sono sicuro di trovarci ogni informazione possibile, sia sull'autore stesso che sulle sue pubblicazioni. Mettiamo che voglio sapere tutti gli albi disegnati da Olivier Ledroit o quelli scritti da Sfar ecco che, senza indugi, digito www.bedetheque.com e non rimango mai deluso. Ovviamente per ogni fumetto ci sono recensioni degli autori del sito, voti degli autori e dei lettori, immagini da consutare e spesso anche un'anteprima di 7/8 pagine intere. La Bedetheque è un sito fantastico, ma non è l'argomento centrale di questo articolo. Magari ne parlerò in un altro. Ho sempre pensato di farlo prima o poi, ma non oggi. Adesso mi preme dire soltanto che è grazie a questo sito, dove ho trovato un link, che ne ho scoperto un altro interessantissimo: 8comix.fr.
8comix è un sito ideato e realizzato da 8 grandi artisti del fumetto, ai quali poi se ne sono aggiunti altri, che offre ai propri visitatori la possibilità di leggere opere di tali autori gratuitamente. Gli autori sono tutti di origine francese o pubblicano in Francia e i loro nomi sono di altissimo rilievo. Tra gli otto fondatori ci sono: Alfred, Cyril Pedrosa, Fabien Vehlmann, Efix, Jérôme Jouvray,Fred Salsedo, Greg Salsedo e Tim Mc Burnie.

Elenco che sottolinea l'eccezionalità dell'iniziativa. 8comix, infatti, non può essere considerato come il classico sito/blog dove un autore sconosciuto tenta la strada della rete per raggiungere un ampio pubblico. Intendiamoci, ci sono molti autori che hanno cominciato in questo modo portando sulla rete opere veramente ammirabili, ed io stesso sono contento quando scopro un sito di questo tipo, solo che 8comix è diverso.

E' diverso anche dai siti che pubblicano storie di autori famosi, ma lo fanno a pagamento. Così come è diverso dal blog personale dell'autore famoso che di tanto in tanto pubblica qualche schizzo, tavola o abbozzo di soggetto non ancora pubblicato che offre gentilmente in anteprima ai suoi seguaci internettiani. No, 8comix è, e deve essere considerato, qualcosa di diverso. E' uno spazio comune utilizzato da vari autori già affermati per condividere con i navigatori della rete progetti originali, opere già pubblicate, progetti esclusivamente concepiti per il sito o fumetti che verranno pubblicati in un secondo momento, nella loro versione integrale, senza limitazione di tempo e completamnte gratuiti. Alcuni di questi verranno addirittura tradotti in inglese. Al momento sono disponibile e fruibili 9 fumetti, alcuni non ancora completi, tra i quali voglio citare "La maledition de Gustav Babel" di Gess, "Portugal" di Pedrosa e "L'Ile aux Cent Mille Morts" scritto da Vehlmann e disegnato da Jason, autore che apprezzo tantissimo. Nel sito, che è stato inaugurato lo scorso 17 gennaio, viene sottolineato come gli autori vogliano semplicemente vedere che cosa succede quando si mettono collettivamente e gratuitamente dei contenuti di qualità. Un'iniziativa che merita tutto il mio apprezzamento e che sono sicuro piacerà a molti! Giusto un appunto finale, 8comix ha anche, ovviamente, il suo blog e la sua immancabile pagina facebook.

Anche un piccolo granchio può essere ca(ra)pace di una grande rivoluzione!

2011-01-01T18:48:00.010+01:00

Eccomi qui, dopo un po' di tempo, a parlare di nuovi di fumetti. Sono passati molti giorni dall'ultimo post, troppi, ma si sa, il tempo non basta mai! Visto che ci siamo lasciati alle spalle il 2010 voglio iniziare il nuovo anno parlando di un fumetto che ho acquistato (veramente me l'hanno regalato) e letto proprio tra natale e capodanno: "La Marche du Crabe" (La marcia del granchio). Scritto e disegnato da Arthur De Pins, di cui ho già recensito il sorprendentemente ironico "Péchés Mignons", "La Marche du Crabe", sottotitolo "La Conditions des Crabes" (La condizione dei granchi), è il primo tomo di una trilogia ispirata ad un corto dello stesso De Pins, che in questo caso si firma Arthur De Pince (Arthur De Chela). Se il corto dura solo pochi minuti, già nel primo tomo della trilogia, l'unico uscito finora, si comprende bene come l'autore abbia voluto dare maggior enfasi e spazio alla sua idea iniziale sviluppata già nel breve filmato. Tutto nasce dall'osservazione dei Pachygrapsi Marmorati, ovvero i granchi comuni che si trovano nelle scogliere del mediterraneo, detti anche granchi corridori (crabes marbés in francese), e dalla loro caratteristica peculiare: la camminata orizzontale.

De Pins accentua al massimo questa caratteristica e descrive quel tipo di granchi come incapaci di cambiare traiettoria a causa della forma quadrata del loro carapace e quindi costretti a camminare sempre sulla stessa linea per tutta la vita. Dal momento della loro nascita, in base al luogo dove nascono, tali granchi possono scegliere se andare a destra o a sinistra percorrendo una traiettoria che non può cambiare e che potrebbe portarli a fare il giro della terra fino a tornare al loro punto di origine. Questa idea viene usata dall'autore in maniera intelligente per creare una serie di situazioni paradossali e divertenti che da sole valgono la lettura. Come la storia del granchio sfortunato che è nato tra due alti scogli vicini, uno alla sua destra e uno alla sua sinistra, e non può far altro nella vita che camminare avanti e indietro tra quegli scogli che distano, sì e no, un metro. Oppure le spiegazioni di quanto sia difficile per un granchio trovare l'amore vero, visto che se la sua bella è nata su una linea parallela alla sua, i due sono destinati a non incontrarsi mai.

Ovviamente i protagonisti della storia sono i granchi ed in particolare tre granchietti della varietà dei Pachygrapsi Marmorati che, infelici per la loro condizione, e rendendosi conto di essere la specie che si trova nella peggior posizione della scala gerarchica delle specie marine, decidono di provare a cambiare le cose e adottano uno stratagemma singolare per poter viaggiare in tutte le direzioni. Nel frattempo due insoliti documentaristi stanno girando un documentario proprio su questa strana razza di granchi, convinti che da loro dipendano le sorti del mondo intero.

Con questa opera, De pins, che già aveva abbandonato il fumetto a strisce con Zombillénium (che non ho ancora comprato, ma lo farò al più presto), dimostra di non essersi adagiato sulla fama per il riuscitissimo Pechés Mignons e di avere la stoffa per poter fare tantissimo altro. In questa storia inoltre, benché il tratto del disegno sia riconoscibilissimo, ha apportato delle modifiche al suo modo di disegnare adottando uno stile più spigoloso, rispetto alle rotondità delle precedenti opere, che si adatta perfettamente alle situazioni e ai personaggio di questa bande dessinée: i granchi dal carapace quadrato. De Pins è voluto rimanere sempre nel campo del fumetto umoristico, ma con questa nuova opera, che non credo sia ancora stata tradotta in italiano, da prova di abbracciare anche altre tematiche e non mi sorprenderebbe affatto vederlo, prima o poi, avventurarsi anche in storie più seriose. Nel frattempo avrà il suo bel da fare visto che è già al lavoro sui prossimi due volumi di questa serie: "L'empire des Crabes" (L'impero dei Granchi) e "La Revolution des Crabes" (La Rivoluzione dei Granchi).

Concludo con un paio di annotazioni: "La Marche du Crabe" è edito da Soleil ed è entrato nella selezione ufficiale del concorso di Angouleme 2011. Dopo aver vinto il premio a Lucca come miglior striscia umoristica con "Il Chiodo Fisso" non mi stupirei se De Pins vincesse qualcosa anche ad Angouleme. Ultimo appunto, è in corso d'opera anche il lungo metraggio che riguarda le vicende dei granchi marmorati, prodotto dalla società Metronomic e che sarà possibile vedere su questo sito non appena sarà disponibile.

Una prova di democrazia a fumetti!

2010-11-19T11:14:00.013+01:00

Girando per la grande rete se ne trovano di notizie interessanti di cui non avremmo saputo niente se non ci fosse internet. Della notizia di cui sto per parlarvi, devo ringraziare, oltre al web anche un mio amico che mi ha passato il link. Trattasi di una bella, curiosa e divertente iniziativa made in USA e in particolare made in Top Cow.

La Top Cow è una casa editrice americana che vanta, tra le altre pubblicazioni, successi come: Witchblade e Berserker. Da qualche anno ha indetto uno speciale "concorso" grazie al quale si può votare, tra vari fumetti pilota da loro prodotti, quale di questi sia meritevole di proseguire il suo cammino e diventare una mini-serie. Anche quest'anno la Top Cow ha presentato i fumetti pilota di questa stagione e ha chiesto ai propri lettori di votare.
I fumetti pilota in concorso sono 5: "7 Days from Hell", "39 Minutes", "Asset", "Crosshair" e "Forever" e possono essere letti tutti per intero e gratuitamente. Potete farlo andando sulle pagine di alcuni partners distributori della Top Cow come: Newsarama.com, Comic Book Resources o MTV Geek . Purtroppo sono arrivato un po' tardi e le votazioni sono già concluse, ma si possono ancora leggere i piloti gratuitamente.

Al di là della mia tempistica un po' lenta, e della qualità dei fumetti in "concorso", che a me pare ottima per tutti quanti, ma che lascio decidere a voi, è interessante sottolineare questa iniziativa che coinvolge il pubblico. Attraverso questa scelta la Top Cow rende partecipi i proprio lettori di decidere che cosa vogliono leggere! Un gioco di parole per sottolineare come, questa casa editrice, voglia fortemente e coraggiosamente puntare sulle richieste dei propri fans fino a consentire loro di decidere, addirittura, quale tra le nuove proposte è merita di diventare una mini-serie e di proseguire il suo cammino.

Nota di colore: Molto divertente lo slogan che la Top Cow ha scelto per promuovere la loro votazione, che recita così: "Now that November 2d has passed, vote for something you actually care about!" Che tradotto suona come "Ora che il 2 novembre è passato (era il giorno delle elezioni di metà mandato in America) vota per qualcosa a cui tieni veramente!"

I Premiati di Lucca comics 2010

2010-11-03T10:05:00.016+01:00

Lucca è appena finita, ed anche se è finita sotto la pioggia, l'affluenza di pubblico, autori, cosplayers, editori, e privati è stata sicuramente notevole! Non mi voglio dilungare troppo sui dettagli della mostra, che tanto potete trovare in tantissimi altri blogs e riviste di settore. Quello che mi preme di dire, con un po' di orgoglio, sono i premiati della giuria di lucca.

- Per la miglior storia lunga è stato premiato "La porta di Sion" di Walter Chendi
- Per la miglior storia breve, "Il chiodo fisso" di Arthur de Pins
- Il premio per il miglior fumetto seriale è andato, ex equo, a Kick-ass (John Romita Jr.) e a Pluto (Naoki Urasawa).
- Come miglior autore unico è stato premiato Manuele Fior per il suo stupendo "Cinquemila chilometri al secondo"
- Little Annie Fanny, di Harvey Kurtzman e Will Elder ha ricevuto il premio per la migliore iniziativa editoriale
- Darwyn Cooke per "Richard Stark’s «Parker – Il Cacciatore»", ha vinto il premio come miglior disegnatore del 2010, mentre Carlos Trillo, per il suo "L’eredità del colonnello", ha vinto il miglior sceneggiatore
- A Jirô Taniguch è stato assegnato il riconoscimento di Maestro del fumetto.

Le motivazioni della giuria di lucca per tali premi le trovate qui

Prima ho scritto "con un po' di orgoglio" perché Gotham Library aveva già segnalato tre dei premiati di Lucca come autori e fumetti meritevoli di attenzione. Nel recente passato, abbiamo infatti parlato di Manuele Fior, come di un autore degno di nota e dal tratto del tutto personale e molto significativo, di Walter Chendi e del suo "La porta di Sion", come di un fumetto che non può mancare in nessuna collezione e del "Chiodo Fisso" di Arthur de Pins come di una raccolta di strisce divertente e, allo stesso tempo, intelligente.
Per questi motivi, siamo contenti che autori che per noi erano di sicuro interesse, sono stati riconosciuti anche dalla giuria di Lucca.

Nel caso voleste comprare queste opere che sicuramente non vi deluderanno, potete farlo cliccando sulle immagini qui sotto:

La Porta di Sion	Cinquemila chilometri al secondo

Il chiodo fisso

Comic Action in Essen

2010-10-18T22:57:00.005+02:00

Mentre tutta l'Italia fumettara, me compreso, è in fibrillante attesa di Lucca Comics 2010 (ultimo week-end di ottobre) io mi servo un gustoso antipasto andando alla Comic Action di Essen. Essen è una città tedesca situata nella regione della Rhur. Famosa per le sue miniere di carbone, così come tutte le città che si trovano in zona: Dortmund, Bochum, Duisburg, etc..., oggi Essen è un centro culturale di notevole importanza. In questa città ogni anno si celebra una manifestazione denominata "giorni internazionali dei giochi" (Internationale Spieltage). La Germania, infatti, tra le sue innumerevoli produzioni annovera anche quella dei giochi da tavolo. Basti pensare che la Ravensburger, una delle ditte più famose nella produzione di giochi, è tedesca. All'interno della mostra dei giochi di Essen, che si svolgerà dal 21 al 24 ottobre, ovvero tra pochi giorni, vi è anche un piccolo spazio riservato ai fumetti denominato Comic Action. Questa rassegna, benché marginale non è di certo da snobbare vista la presenza di matite del calibro di Frank Cho, Brandon Peterson, Ethan van Sciver, Bill Morrison e molti altri tutti presentati dalla Panini Germania. Insomma per chi si trova da quelle parti vale la pena di farci un salto. Per tutti gli altri...beh ci vediamo a Lucca!

ChessBoxing: dal fumetto alla realtà!

2010-10-10T15:03:00.017+02:00

Enki Bilal è un autore di fumetti famosissimo. Probabilmente uno degli autori contemporanei più famosi. Ecco perché difficilmente ne parlo in questo blog. Come ben sapete il nostro scopo è di portare alla conoscenza dei lettori italiani fumetti sconosciuti al mercato italiano, o fumetti che a noi sono piaciuti particolarmente e che crediamo meritino considerazione. Surfando sulla rete però, mi sono imbattuto in una notizia sorprendente che coinvolge Bilal e la sua famosissima trilogia Nikopol. In quel trittico di fumetti, infatti, viene illustrato uno sport del tutto particolare: il ChessBoxing. Ovvero un ibrido tra il pugilato e gli scacchi, dove i lottatori devono competere in entrambe le discipline e quindi avere, non solo una preparazione fisica adeguata, ma anche mente fredda. Infatti, dopo un incontro di box, e dopo aver preso una serie incredibile di pugni rintronanti, sedersi al tavolo davanti ad una scacchiera per cercare di dare scacco matto all’avversario, non deve essere per niente facile. Ci vuole sicuramente un controllo mentale ed una concentrazione notevoli. Ma si sa i fumetti, soprattutto quelli di Bilal, sono di dominio della fantasia ed un’idea come la ChessBoxing non solo è gradevolmente accettata in un fumetto, ma da quel tocco di genialità, di stramberia, di umorismo che rende la storia ancor più allettante. Nessuno si aspetterebbe, però, di vedere nella realtà e dal vivo due pugili che, dopo essersi dati un sacco di botte e di schiaffoni, si sfidano ad una partita di scacchi. Probabilmente nemmeno Bilal avrebbe mai pensato che la sua idea potesse uscire dal fumetto e divenire reale! Ed invece è proprio quello che è successo, grazie all’impegno e, se vogliamo, anche all'eccentricità di Iepe Rubingh, artista olandese (performance artist) che, proprio ispirandosi al fumetto “Freddo Equatore” (Froid Equateur), terzo libro della trilogia Nikopol, ha voluto dare vita a questo sport creando, nel 2003, la prima federazione internazionale di ChessBoxing: la WCBO (World Chess Boxing Organisation). In seguito, nel 2005, ha fondato il club di ChessBoxing di Berlino (CBCB) che attualmente conta 60 iscritti. Nel corso degli anni la ChessBoxing si è diffusa nel mondo e i club si sono moltiplicati. Ad oggi esistono club di ChessBoxing a Berlino, Londra, Krasnoyarsk (Siberia) e a Los Angeles.
Le regole della ChessBoxing che Rubingh ha creato sono un po' diverse da quelle che si trovano nel fumetto di Bilal. Nel secondo i lottatori prima si sfidavano ad un incontro di Box e dopo, una volta finito, ad una partita di Scacchi. Iepe Rubingh ha invece combinato insieme le cose alternando box e scacchi. Un incontro di ChessBonxing dura infatti 11 rounds, 6 di scacchi e 5 di box che si alternano uno dopo l'altro incominciando con gli scacchi. I rounds di scacchi durano 4 minuti l'uno, ed in totale i "combattenti" hanno 12 minuti a testa in totale per cercare di dare scacco matto. I rounds di box durano 3 minuti. Tra un round e l'altro c'è un minuto di pausa nella quale i lottatori si tolgono o mettono i guantoni a seconda di quale sport devono effettuare. Viene dichiarato vincitore chi riesce a dare scacco matto all'avversario durante un round di scacchi o chi riesce a mettere al tappeto (Knock Out) l'altro durante un round di box. Inoltre si viene dichiarati sconfitti se ci si ritira, se si esaurisce il tempo limite di 12 minuti durante i rounds di scacchi o per decisione dell'arbitro (KO tecnico). Infine, se la partita di scacchi finisce con uno stallo, viene dichiarato vincitore chi ha realizzato più punti durante i rounds di box. Se anche i nella box si raggiunge il pareggio, vince chi aveva i pezzi neri.

Per chi fosse interessato e si fosse fatto prendere dalla curiosità di vedere dal vivo questo sport, il 6 novembre a Berlino nel Club di ChessBoxing di Berlino a Festsaal Kreuzberg, Skalitzer Str. 130 ha la possibilità di farlo. Quel giorno infatti si combatterà il campionato tedesco di chessboxing e, tra i vari incontri, salirà sul ring, dopo una lunga assenza, anche Iepe “The Joker” Rubingh, che combatterà, probabilmente, per l'ultima volta, dedicandosi poi soltanto alla fase organizzativa di questo sport.
Ecco dove comprare i biglietti online: Eventim.de

Per chi volesse saperne un po' di più, eccovi un reportage fatto da channel 5 (inglese):

Il Fumetto dell'uomo fumetto

2010-09-26T11:03:00.015+02:00

Continuo nella mia serie che intitolerei "risate di fine estate", anche se ormai l'estate non è più alla fine, ma proprio dietro le spalle, segnalando un fumetto davvero singolare, non fosse solo per il titolo, e molto divertente: "Il Fumetto dell'uomo fumetto". Si tratta di una mini-serie Americana di soli 5 albi dal titolo "Comic book guy: the comic book" che ha come protagonista il cinico, immaturo, sovrappeso e sarcastico Uomo Fumetto dei Simpson.

I Simpson li conosciamo tutti, sono un cartone americano nato dalla geniale mente di Matt Groenig più di vent'anni fa. Una famiglia sui generis, ormai divenuta una delle icone dell'America moderna. Homer Simpson, il padre di famiglia, rappresenta benissimo, in tutte le sue imperfezioni, i suoi difetti, ma anche con il suo cuore tenero, l'uomo medio per eccellenza, e non solo quello americano. C’è un po’ di Homer in tutti noi!
Nel corso degli anni, e delle stagioni, nella serie animata dei Simpson si è ritagliato il suo spazio un personaggio stravagante e particolarmente caro a noi amanti dei fumetti: l'uomo fumetto. Così come Homer può essere considerato lo stereotipo del quarantenne medio, l'uomo fumetto dei Simpson incarna alla perfezione l'idea che generalmente si ha dei proprietari dei negozi di fumetti, ma anche degli stessi appassionati di comics. Ovviamente Jeff Albertson, questo è il vero nome dell'uomo fumetto, è la parodia estremizzata di tutti loro, con il suo sarcasmo puntiglioso, le sue citazioni delle serie tv e delle celebri frasi dei supereroi di carta, il suo "cosplayerismo" estremo, il suo amore per i dolcetti, il suo essere nerd e geek allo stesso tempo, imbranato con le donne e incapace a socializzare con chiunque, anche con gli stessi frequentatori del suo negozio che in gran parte sono ragazzini di dieci anni. Insomma, un personaggio che non può non entrare nel cuore dei lettori e degli amanti dei comics, se non altro per ridere un po' di sé stessi.
C’è un po’ di Jeff Albertson in tutti noi appassionati di fumetti!

Ho sempre amato, e ancor oggi guardo con passione, i Simpson. Penso di aver visto ogni puntata più volte, almeno quelle delle prime serie e conosco a memoria molte delle battute migliori e più esilaranti.... e ce ne sono davvero tante! Non che mi vanti di questo, anzi... difficilmente in una conversazione mi si sente dire...."ah sì, tu sei un ingegnere elettronico?! Beh, io so a memoria tutte le battute dei Simpson! Tiè!.... No, lo dico solo per precisare che mi considero un grande fan dei Simpson e che adoro quella serie, mentre invece ho sempre trovato un po' sterile il fumetto tratto dal cartone animato. Negli episodi dei fumetti dei Simpson le battute non sono così divertenti e alcune volte sono un po' scontante. Inoltre spesso ripropongono sketch già utilizzati nel cartone animato. Infine, credo che, essendo abituato a sentir "parlare" quei personaggi, quando leggo le "loro voci" su carta mi manca qualcosa: il loro modo di parlare, le loro inflessioni dialettali, i toni e i tempi della loro comicità. Per questi motivi ho sempre cercato di leggere il meno possibile il fumetto, anche se in qualche occasione mi è capitato di farlo ed alla fine non ho mai "sofferto" troppo! :)

Quando però, qualche tempo fa, sono entrato in fumetteria ed ho visto che era stato pubblicato il fumetto dell'uomo fumetto, ovvero una mini-serie a fumetti in cui il protagonista principale è l'uomo fumetto dei Simpson, non ho resistito a prenderlo e a dargli un'occhiata. Sfogliandolo mi sono imbattuto in una vignetta nella quale l'uomo fumetto alzava al cielo lo scudo a stelle e strisce di Capitan America (veramente è quello tondo solo a strisce concentriche, ma scrivere anche stelle fa più effetto) pronunciando parole profetiche. Una volta vista quella vignetta non ho avuto più dubbi e l'ho subito comprato! Qui apro una piccola parentesi personale.

Dovete sapere che un giorno parlando con un amico esperto di super eroi americani, ho fatto lo sbaglio di dirgli che, in fin dei conti, non ci voleva molto ad essere Capitan America visto che chiunque poteva prendere il suo scudo e combattere al suo posto utilizzando quella potentissima arma. Il mio amico, con un tono che emanava un evidente sentimento di compiaciuta superiorità intellettuale, mi ha così risposto:" Eh no, caro mio.... perché lo scudo del capitano lo può usare solo lui! Nessun altro al mondo è capace di sollevarlo!" Al che, al mio stupore, si è permesso di aggiungere "solo una volta, nel numero 137 (veramente non ricordo che numero abbia citato e qui ne ho messo uno a caso) Occhio di Falco è riuscito a prendere lo scudo e ad usarlo al posto di Capitan America in una situazione di estrema emergenza!" Io, che manco sapevo chi fosse Occhio di Falco, ho risposto così: "Questo è il discorso più antifiga che abbia mai sentito!" E visto che eravamo in un centro commerciale, e che le molte persone, di cui la maggior parte ragazze, che fino a poco prima affollavano il reparto dove ci trovavamo, si erano date, come volatilizzate, anche lui ha dovuto, a malincuore, ammettere che forse non avevo tutti i torti.
Capirete quindi la gioia, frammista a stupore, nel vedere l'uomo fumetto emularci alzando lo scudo al cielo. Nel capire che in fin dei contri avevamo ragione...che anche noi siamo un po' degli uomini fumetto!

Una volta comprato il primo numero, non ho potuto esimermi da prendere il secondo, e presto comprerò anche il terzo, che è l'ultimo uscito (il numero quattro e cinque sono previsti, rispettivamente, per il mese di ottobre e novembre). Nonostante mi stia appassionando a questa miniserie, rimango della mia idea che i Simpson sono fatti per la tv e quello è il loro ambiente. Però ho deciso di parlare di questo fumetto, qui sulle pagine del mio blog, perché alla fine l'ho trovato simpatico, una giusta parodia di tutto quello che rappresenta essere un collezionista di fumetti.
Dicevo, all'inizio, che questo fumetto è davvero singolare, e non solo per il titolo. E' pieno di citazioni di altri fumetti. Le prime pagine del primo numero sono tutte copertine famose di altre serie, riprodotte con i personaggi dei Simpson al posto dei vari supereroi. L'uomo fumetto poi è un fiume in piena di sottili battute e sferzante sarcasmo, come quando dice che si aspettava che la sua vita fosse elettrizzante come la prima serie di Heros, ed invece era monotona come la seconda. Oltre a concordare con lui per quanto riguarda la critica alla seconda serie di Heros, non ho potuto fare a meno di apprezzare quella battuta e ridermela di gusto. Inoltre, tornando alla particolarità di

questo fumetto, credo che sia l'unico al mondo in cui il protagonista principale muore nel primo numero! Eh sì, avete capito proprio bene, l'uomo fumetto tira le cuoia nel numero uno della serie in una maniera in cui nessun altro avrebbe potuto fare! Benché mi aspetti un suo ritorno, anche perché senza di lui la serie non ha più ragione di esistere e vengono a mancare, da una parte i presupposti per la quale è stata creata, e dall'altra, le sue battute al fulmicotone, devo ammettere che, il secondo numero, quello in cui l'uomo fumetto non compare, è probabilmente ancora meglio del primo, e senz'altro ha un finale veramente eccezionale, da spisciarsi dalle risate!

Concludendo, ho voluto parlare di questa serie dal tipico formato americano, quello piccolo con circa un trentina di pagine patinate e pubblicità annessa, edito dalla Bongo Comics, perché, benché non sia un capolavoro, benché non lo definirei un fumetto da comprare a tutti i costi, anzi se ne può fare benissimo a meno, mi ha fatto ridere. Se volete passare un po' di tempo leggendo qualcosa di piacevole che non ha grandi pretese, se non quella di distrarvi dallo "stress dei tempi moderni" ;) allora questo è il fumetto che fa per voi! Vedrete che vi riconoscerete nelle manie dell'uomo fumetto e dei fans dei comics che pullulano le pagine di questa serie e ne riderete di cuore, sia delle loro che delle vostre, che poi non sono così diverse! Buona lettura!

Trieste: la Porta di Sion

2010-09-12T21:17:00.017+02:00

Capita a volte di andare in libreria (specializzata in fumetti oppure no) e di posare gli occhi su opere un po’ particolari, che attirano l’attenzione per la copertina, il titolo o qualche altro motivo, e che difficilmente saranno notati una seconda volta per il semplice motivo che spesso i librai ne ordinano solo poche copie che si esauriscono abbastanza in fretta. E che questi libri, visti e acquistati quasi per caso, siano veramente qualcosa di speciale, che meriterebbe una maggiore diffusione presso qualsiasi tipo di lettore.
Imbattermi in una di queste pubblicazioni un pò speciali è più o meno quello che mi è successo diversi mesi fa, quando mi trovavo in una libreria specializzata e guardando nella sezione in cui erano esposti i graphic novel e le serie degli editori minori, ho visto “La porta di Sion”, opera di Walter Chendi, uscito il 27 gennaio 2010 (la giornata della Memoria) grazie alle edizioni BD.

Si tratta di un graphic novel in cui si narra la storia di Jacob Ferrara, ragazzo ebreo che si trova a vivere nella Trieste fascista della fine degli anni ’30. Gli avvenimenti narrati si svolgono nel 1938, nel periodo a cavallo del discorso che Mussolini fece in quella città proprio sull’inasprimento delle leggi razziali.
A Trieste c'era infatti la terza comunità ebraica d'Italia (dopo quelle di Roma e Milano)per dimensioni. La città fungeva da crocevia per gli ebrei in fuga da diverse parti dell’Europa centro orientale per imbarcarsi verso la Palestina. Molte di queste persone in fuga si fermavano qualche giorno a Trieste presso alberghi, scuole adattate a dormitori, oppure come ospiti presso altre famiglie ebraiche. Si stima che, nel corso di vent'anni, circa centosessantamila ebrei siano passati per Trieste per imbarcarsi verso la Palestina (ora Israele). Per questo motivo la città di Trieste si è guadagnata l’appellativo di “Porta di Sion”, da cui deriva anche il titolo dell’opera.

Walter Chendi riesce a rendere un’immagine vivida di quel periodo storico, di com’era la città (grazie ad un accurato lavoro di ricostruzione degli edifici e delle vie di Trieste prima delle demolizioni della guerra) e di come ci si viveva, mostrando il disagio di Jacob che, orfano del padre, si ritrova in una patria che non lo vuole più, combattuto quindi fra la necessità d andarsene verso una salvezza di cui conosce ben poco, ed il dolore di lasciare i suoi cari e tutta la vita trascorsa fino a quel momento. Nel corso della narrazione il lettore fa la conoscenza degli altri personaggi, il macellaio (il signor Oberwald) presso cui lavora Jacob, che verrà assalito dai fascisti, Ernesto, nipote del signor Oberwald e amico di Jacob, il nonno del protagonista che parla citando i proverbi di Salomone, Liliana, la cugina di Jacob sposata al dottor Zeiss, solo per citarne alcuni. Proprio presso il dottor Zeiss verrà ospitata una famiglia di ebrei polacchi (per i pochi giorni precedenti la partenza per la Palestina), di cui fa parte una ragazza (molto bella a giudicare da come è stata disegnata da Chendi)la cui sola vista è sufficiente per farne innamorare Jacob. Dopo gli sconvolgimenti portati dal discorso di Mussolini del 18 settembre, ed anche attraverso alcune avventure e disavventure legate ai personaggi di Ernesto e Beatrice, Jacob riuscirà infine a compiere quel percorso di formazione che lo farà entrare nell’età adulta a conclusione del romanzo.

L’idea di questo graphic novel è venuta all’autore dopo aver visto una mostra della Comunità ebraica di Trieste, “L’educazione spezzata”, che ripercorreva l’emanazione delle leggi razziali e l’espulsione dei bambini dalle scuole, e dopo aver letto il catalogo di una precedente mostra sull’emigrazione ebraica dalla città di Trieste. Con l’intento quindi di rappresentare un periodo storico, la condizione di un popolo e di una città, Walter Chendi, senza cadere nella banalità e nella retorica (non si parla di Shoah e persecuzioni, ma dei problemi di un ragazzo), attraverso le vicissitudini di Jacob Ferrara, costruisce una storia leggera ma dalla struttura solida, con scene di rara bellezza ed intensità (molto divertente la scena nella libreria di Umberto Saba, e stupenda la frase con cui il dottor Zeiss conforta Jacob nel finale). E’ inoltre molto particolare, ed allo stesso tempo anche efficace dal punto di vista narrativo, l’idea dell’autore (ispirantosi ad una frase udita da bambino da sua nonna) di rappresentare gli ebrei a piedi nudi dopo il discorso di Mussolini. E’ un escamotage grafico che dà subito un’impressione della loro diversità rispetto agli italiani non soggetti alle leggi razziali (un po’ come ha fatto Art Spiegelmann raffigurandoli gli ebrei come topi nel suo Maus), ma che indica anche la sofferenza ed il dolore impliciti del camminare in quelle condizioni.

Caldamente consigliato a chiunque voglia leggere un bel graphic novel, allo stesso tempo scoprendo un pezzo della storia d’Italia. Se non lo vedete in giro…allora rompete le scatole alla vostra libreria di fiducia perché si muova ad ordinarlo, non è qualcosa che può mancare dagli scaffali. Oppure, se volete fare prima, acquistatelo su Libreriauniversitaria.it semplicemente cliccando il link qui sotto:

La Porta di Sion lo trovi su Libreriauniversitaria.it

Il chiodo fisso di Arthur de Pins!

2010-09-05T21:10:00.017+02:00

L'estate sta finendo....., come diceva una famosa canzone, ma, e questo la canzone non lo diceva, sta finendo, come al solito, troppo in fretta. Le belle giornate sono sempre più corte e sempre meno calde e le vacanze, ormai, dietro alle spalle. Davanti solo interminabili ore d'ufficio! Per consolarci un po' durante questo triste momento dell'anno, vi propongo un fumetto leggero, ma spassoso, divertente e accattivante, non solo per l'argomento trattato: l'ossessione dell'uomo, inteso come essere umano maschile sui trent'anni, per la bellezza femminile tutta curve; ma anche per la grafica ammiccante. Sto parlando di "Péchés Mignons" ("Peccati veniali", tradotto in italiano con: "Il chiodo fisso") di Arthur de Pins.

Arthur de Pins è un fumettista dal tratto del tutto particolare e caratteristico. I suoi personaggi, molto cartoon e un po' manga, sono uomini e donne dai lineamenti stondati, dalle curve abbondanti, soprattutto le donne, e dagli occhi rotondi e giganteschi. I suoi fumetti, di cui Péchés Mignons (ma sapete che stavolta il titolo italiano lo preferisco! Mi sembra più azzeccato!) è solo uno dei tanti, sono una parodia estremamente efficace e finemente descrittiva dei turbamenti sessuali e delle avventure erotiche dei trentenni di oggi. Non vi aspettate però, orge di sesso sfrenato o scene altamente proibite. De Pins usa un sottile umorismo e una geniale sfacciataggine che trasformano ogni tipo di situazione hard in un espediente per sorridere o ridere di gusto dei piccoli peccati veniali del protagonista dei suoi fumetti, che poi non è altro che lui stesso in versione cartoon.

In Péchés Mignons l'Arthur cartonato si trova coinvolto in ogni pagina, il fumetto è costituito da storielle a strisce della durata di una pagina l'una, in situazioni intriganti che hanno a che fare con il misterioso ed incomprensibile, per i maschietti, universo femminile, trascinatoci dal suo chiodo fisso: la splendida ossessione per il gentil sesso. Come dicevo il tutto è trattato in maniera gradevole, leggera, senza mai scadere nella banalità o nella volgarità. Le scene di sesso, che sono praticamente contenute in ogni pagina del fumetto, sono così funzionali all'umorismo dell'albo che non verrebbe mai in mente di bollare questo fumetto come erotico. Inoltre i disegni usati, per il loro stile sobrio e divertente, favoriscono l'opportunità di parlare di sesso, o meglio di farne la parodia, senza mai renderlo né eccessivo, né scialbo. Le donne che Arthur incontra di vignetta in vignetta, alcune volte solo nella sua fantasia, sono tutte diverse, e tutte bellissime. C'è la studentessa universitaria, la segretaria, la professoressa di yoga, la prostituta, l'esibizionista, l'alternativa, la nudista, la raffinata, la parrucchiera, la modella, l'ecologista, la manager e tante altre. Tutte hanno in comune di essere, ognuna a modo suo, incredibilmente provocanti e di far parte dei sogni proibiti di noi ometti!

Péchés Mignons non è l'unico albo a fumetti scritto da Arthur de Pins sullo stesso argomento e con lo stesso stile. In Francia sono usciti tre volumi di Péchés Mignons, due di Les Petites Péchés Mignons (la cui autrice è Maïa Mazaurette, mentre i disegni sono sempre di De Pins) e uno "addirittura" di Péchés Capiteaux (dai peccati veniali siamo passati a quelli capitali, sempre di Maïa Mazaurette e Arthur de Pins), tutti editi da Fluide Glacial. In Italia, per quanto ne sappia, ne sono usciti due, "Il chiodo fisso" e "Il chiodo fisso vol.2" (edito da pochi mesi), per la casa editrice B&M. Io ho letto solo il primo volume di Péchés Mignons, ma non tarderò ad acquistarne altri. In Francia è uscito da poco anche l'ultimo albo di de Pens dal titolo Zombillénium e dall'argomento un po' differente rispetto ai precedenti. I disegni sono sempre nello stesso stile, magari stavolta dalle linee meno stondate, ma ancora versione cartoon digitali. Le vicende dell'albo, che contiene un'unica storia lunga ancora una volta di genere umoristico, si svolgono a Zombillénium, un parco divertimenti a tema horror. La caratteristica del parco è che tutti i suoi lavoratori sono, all'insaputa dei visitatori, dei veri lupi mannari, vampiri, mummie etc.. Aurélien, il protagonista, un uomo distrutto per essere stato abbandonato dalla moglie, scoprirà, suo malgrado, questa verità entrando a far parte della schiera dei dipendenti del parco giochi. Di quest'albo ho letto soltanto le prime pagine, ma mi sono bastate per metterlo nella lista degli acquisti futuri. Quindi, non appena lo avrò tra le mani, lo recensirò.

Per chi volesse sapere qualcosa di più su Arthur de Pins eccovi la sua divertentissima pagina su MySpace!

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Se sei affascinato, incuriosito, ammaliato, stregato o financo inebetito dagli splendidi disegni e dalle intriganti pin-up di de Pens, compra il suo fantastico Artbook contenente un centinaio di tavole!

Blacksad redivivo

2010-08-17T11:23:00.025+02:00

Sono ormai passati cinque anni dall'ultimo episodio della famosissima saga del duo Guarnido, Diaz Canales e ormai avevamo perso le speranze che un quarto episodio vedesse la luce. I fans del gatto investigatore possono ora gioire, visto che a breve (17 settembre in Francia) uscirà un nuovo album dal titolo: "L'enfer, le silence" (L'inferno, il silenzio)! Non è dato sapere quando verrà pubblicato in Italia, ma pare che la Rizzoli-Lizard lo farà uscire entro l'anno. Non è certo un caso una pubblicazione così veloce anche da noi, visto l'enorme successo della serie.

Per chi non conoscesse Blacksad, si tratta di un fumetto di genere noir investigativo in cui i personaggi sono tutti degli animali antropomorfi. L'idea non è delle più originali in effetti, solo per citare un esempio posso parlare dell' "Inspecteur Canardo" il geniale personaggio (un papero ispettore che rassomiglia per certi versi all'ispettore Colombo della tv) scaturito dall'inesauribile genio di Sokal, ma i due autori sono riusciti a dargli un'impronta del tutto personale e, in soli tre albi, ad entrare di diritto nelle classifiche dei fumetti francesi più letti di tutti i tempi e più ammirati. Il protagonista della serie, Blacksad, è un gatto nero disilluso della vita e cinico, duro con i malviventi e romantico con le donne. Un uomo (o meglio un gatto) tutto d'un pezzo, sempre con una sigaretta tra le labbra, che per professione fa il detective privato. In ogni volume gli viene affidato un caso da risolvere che non è mai facile come può apparire all'inizio. In una atmosfera stile America anni '50, dove le strade vengono percorse da bellissime macchine che oggi definiremo d'epoca, dove le donne sembrano tutte pinup, dove la bomba atomica è considerata come un progresso scientifico d'avanguardia, il comunismo è combattuto aspramente e le minoranze razziali ghettizzate, niente è mai come sembra, e non pochi sono i colpi di scena ogni volta che Blacksad incomincia le sue indagini.

Nel nuovo albo, di cui potete leggere alcune pagine qui, Blacksad, in compagnia del suo amico Weekly, faina giornalista con un debole per le belle donne e per i guai, accetterà di ritrovare un famoso pianista scomparso. Dalle prime pagine si intuisce subito che l'intrigo è ben studiato e strutturato e che i disegni sono magistralmente eseguiti. Non voglio però spingermi troppo avanti prima ancora di averlo letto, ma, dopo un'attesa di cinque anni, il minimo che ci si può attendere è un volume che risponda alle aspettative del pubblico. Editore dell'opera sempre la casa editrice francese Dargaud che ha pubblicato anche i precedenti volumi.

Nota di colore, i primi tre tomi (versione francese) sono stati raccolti, tempo fa, in un cofanetto da collezione veramente eccezionale. Una scatola nera con il volto di Blacksad in rilievo su di un lato, tutto fasciato con materiale vellutato. Un cofanetto quasi introvabile oggi se non a prezzi elevati. Io è da un po' che lo cerco, e qualche volta appare su ebay, ma non sono mai riuscito a vincere le aste a cui ho partecipato.

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Da qualche parte tra le ombre; Vol.1	Arctic Nation; Vol.2	Anima rossa; Vol.3

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Alcuni motivi per cui amo leggere i fumetti in lingua originale

2010-08-02T02:19:00.014+02:00

Finalmente mi sono deciso ad aprire una nuova categoria per i post di questo blog: “discussioni”. Per inaugurarla al meglio non potevo che scegliere una tematica centrale e determinante per quelle che sono le caratteristiche di The Gotham Library: "perché leggere i fumetti in lingua originale". Visto che il principale obiettivo di questo blog è di presentare fumetti che non sono stati ancora tradotti in italiano, segue da sé che spesso indichiamo ai nostri lettori albi che possono essere letti soltanto in lingua straniera..... almeno per ora.
Per questo motivo penso possa essere interessante esporre i miei pensieri su quelli che sono i vantaggi nel leggere i fumetti nella lingua nella quale sono stati scritti, ed aprire una discussioni con voi lettori per conoscere il vostro punto di vista.

Parto da una premessa generale. Sono dell'idea che sia giusto leggere sempre un libro, un fumetto o guardare un film in lingua originale quando se ne riesca a capire il contenuto, magari non tutto, ma almeno le parti importanti, senza troppi sforzi. La lettura deve essere un piacere, se diventa un sacrificio, uno sforzo, allora meglio lasciar perdere. Per potersi godere un fumetto in lingua originale bisogna avere almeno una buona conoscenza di base di quella lingua. Ci saranno sempre parole sconosciute e il vocabolario dovrà essere a portata di mano, ma se questo andrà ad inficiare il piacere della lettura rendendola troppo indigesta e faticosa, forse è meglio leggere qualcosa in italiano. Premetto, e poi lo chiarirò in seguito, che questo non vuol dire che leggere in lingua non sia un ottimo esercizio per incrementare la propria conoscenza di una lingua straniera, anzi al contrario è proprio l'opposto! Io ho imparato molto leggendo i fumetti. Ho migliorato sia il mio francese che l'inglese e questa è una gran bella soddisfazione! Quindi un po' di sforzo è accettabile e ben ricompensato, ma se leggere diventa troppo faticoso e se viene meno il divertimento, allora non c'è niente di male ad attendere l'uscita dei fumetti in lingua italiana.

Voglio fare un esempio, che riguarda il cinema, per esprimere ancor meglio questo concetto. Molto spesso ho sentito dire che bisognerebbe guardare tutti i film nella loro lingua originale, al massimo sottotitolati in italiano, per non perdere nulla sia della originalità dell'opera sia della bravura degli attori. Se questo discorso è di certo logico, visto che quando un attore viene doppiato la sua interpretazione può cambiare drasticamente, sono del parere che perderei molto di più del senso generale di un film se fosse in giapponese, lingua della quale non conosco una parola, anche sottotitolato in italiano, piuttosto che doppiato in italiano. Insomma ben venga la lettura in lingua ma solo se se ne trae piacere, altrimenti vanno benissimo le opere tradotte in italiano.

Detto questo passo a quelle che sono le ragioni per cui ho scelto di leggere i fumetti in lingua originale.

Parto da quello che è sicuramente il motivo principale per cui leggere un'opera nella lingua in cui è stata scritta è estremamente importante: la possibilità di fruire dell'opera così come è stata pensata, senza mediatori (traduttori/editori delle altre nazioni), e la garanzia di leggere l'originale senza cambiamenti. Quando un autore scrive qualcosa lo pensa e concepisce nella sua lingua e, solo in quella lingua, potrà essere esattamente come è stato pensato, pura originalità. Nonostante la presenza nel mondo di ottimi traduttori, ogniqualvolta un fumetto viene tradotto, è inevitabile che qualcosa venga cambiato. Ogni lingua ha le sue sfaccettature, i suoi modi di dire, le sue espressioni dialettali e giovanili e per questo, anche un ottimo traduttore non potrà mai riprodurre un'opera con la più totale fedeltà rispetto all'originale. Inoltre, visto che stiamo parlando di opere particolari, di fumetti, che combinano scrittura e disegno, bisogna considerare anche altri aspetti, come l'impaginazione e il formato scelto. Faccio un esempio. Mi ricordo che negli anni '90 ci fu un'aspra polemica degli autori giapponesi di manga contro le case editrici europee che pubblicavano le loro opere. Tutto perché in Europa i primi manga furono pubblicati al “contrario”, almeno rispetto a quelle che sono le abitudini giapponesi. I “manga europei” erano impaginati come siamo abituati a farlo qui da noi e andavano letti da sinistra a destra. Questo fece irritare i giapponesi che obbligarono gli editori europei, con la minaccia di non concedere loro i diritti di pubblicazione, a rispettare quelle che era il loro modo di fare fumetto, il loro modo di pensarlo, di impaginarlo e pubblicarlo. Oggi anche da noi i manga si leggono partendo da destra. Questo particolare può sembrare irrilevante, una piccolezza, un'isteria da artisti eccentrici, ma in effetti non è così. Dietro al modo di impaginare i manga c'è un'intera cultura, quella giapponese. Ovvio allora che gli autori abbiano cercato di farla rispettare. Rispettare l'impaginazione o il formato significa cercare di riprodurre il più fedelmente possibile l'originale. Riproporre il fumetto così come è stato pensato, dagli autori e dai primi editori. Immaginate di cambiare formato a " In the Shadow of No Towers" (L'ombra delle Torri) di Art Spiegelman, magari riducendolo a tascabile, snaturereste completamente il significato di tutta l'opera, che è stata concepita con quelle paginone proprio per dare l'idea delle tristemente note torri gemelle di New York. Intendiamoci, il fumetto sarebbe ancora leggibile e fruibile, ma certo non sarebbe la stessa cosa. Ritorno a dire, non sono un purista, e penso quindi che se proprio non si trovasse l'edizione "gigante" sempre meglio leggerlo in un'altra edizione piuttosto che non leggerlo affatto, però tenendo presente le differenze innegabili.
Esistono edizioni tradotte e ristampe che sono molto più belle di quelle originali, così come ne esistono alcune che sono nettamente inferiori, ma queste sono questioni di gusti personali. Alcune volte fumetti in bianco e nero vengono esaltati se ripubblicati a colori, altre volte perdono la loro bellezza. Questo per dire che non sto affermando che la prima edizione è senz'altro la più bella, spesso può capitare addirittura che gli autori non riescano a trovare un accordo con gli editori che gli impongono formati o tipi di carta che loro non vorrebbero, ma che normalmente, tranne i casi appena citati, è quella originale, cioè quella fedele alla volontà dell'autore che ha concepito la sua creazione in una determinata lingua, scelto una determinata impaginazione, formato, tipo di carta e colori non certo a caso. No, tutte queste variabili contribuiscono, in un fumetto, a creare la sua peculiarità. C'è differenza se un'opera è stata concepita a colori o in bianco e nero, c'è differenza se il formato del fumetto è quello francese, quello italiano o quello americano, se l'impaginazione è alla giapponese o all'europea, se le pagine sono patinate o di carta normale. Cambiare una di queste variabile, oltre a cambiare la lingua, significa distorcere l'opera originale, trasformarla in qualcosa d'altro, che non per forza è peggiore o negativa, ma sicuramente è diversa da come il fumetto era stato pensato, da quello che era stato voluto inizialmente.

Il secondo lato positivo di leggere fumetti in lingua è senz'altro la soddisfazione che si trae dal leggere qualcosa in una lingua che non è la propria. Mi ricordo che il primo libro che ho letto per intero in inglese è stato "The Twits" (Gli Sporcelli) di Roald Dahl. Nonostante fosse un libro per bambini di poche pagine e dai facili vocaboli, ci misi molto a leggerlo e non con poco sforzo, dato che il mio inglese all'epoca era parecchio scarso. Non a caso passarono anni prima del mio secondo libro in inglese (Harry Potter). Comunque sia, una volta finito, la soddisfazione di aver letto qualcosa in inglese fu così tanta che la potrei paragonare a quando riuscii a leggere i primi libri in italiano. Leggere quel libro in inglese per me è stato come imparare a leggere per la seconda volta, sicuramente difficile ed impegnativo, ma affascinantemente soddisfacente ed emozionante. Poi con il francese è stata come la terza volta e con il tedesco la quarta....

Questo discorso ci porta al terzo motivo: migliorare la propria conoscenza di una lingua.
I fumetti sono senza alcun ombra di dubbio un ottimo esercizio per aumentare le proprie nozioni di una lingua straniera. Sono perfetti a tale scopo!
Primo perché ce n'è una varietà impressionante e per tutti i gusti e livelli. Se ancora non si padroneggia perfettamente un idioma e magari si è un po' claudicanti in tal senso, iniziare da fumetti come Topolino o Paperino, quelli che normalmente si rivolgono ad un pubblico di più piccini, può essere di grande aiuto per rompere il ghiaccio e non farsi scoraggiare dai volumoni più difficili. Di sicuro sono utili sia nell'imparare nuovi termini, sia nel prendere confidenza con la lingua. Inoltre, per il discorso fatto al punto due, leggere tutto un fumetto in una lingua differente dalla nostra lingua madre sicuramente genera grandi stimoli e conferisce fiducia per potersi gettare in letture più impegnative. Altro motivo è che il fumetto, al contrario del libro, aiuta il lettore con i disegni. Spesso se non si sanno dei termini o non si capiscono totalmente i testi, si riesce ad intuire ed a tradurre i discorsi grazie all'ausilio delle figure. Attenzione però, perché se da una parte questo discorso è vero, dall'altra c'è da notare che, visto che nei fumetti spesso si usano discorsi diretti e dialoghi, è facile trovare parole colloquiali, del gergo giovanile, della lingua parlata, dialettali, parolacce, modi di dire e così via, che normalmente non si studiano sui banchi di scuola o nei corsi di lingua, e che quindi sono di difficile comprensione e reperibilità anche usando un vocabolario. Alle volte, soprattutto nelle strisce, proprio la brevità dei testi dei baloons può rendere difficile la comprensione delle battute perché, in alcuni casi, basta non sapere il significato di una sola parola per perdere completamente il filo. Ecco quindi che la lettura di un fumetto in lingua aiuta senz'altro sempre ad accrescere ed aumentare il proprio bagaglio linguistico anche quando ormai sono pochi per noi i segreti di una lingua (sempre considerando che non si smette mai di imparare nuovi termini e modi di dire).

In conclusione è giusto che ognuno sia libero di leggere come vuole, quando vuole e cosa vuole, ma se ne avete la possibilità vi consiglio vivamente di leggere sempre i fumetti nella loro lingua originale, semplicemente perché è bello!

Fumetti in mostra al museo ebraico di Berlino

2010-07-11T22:00:00.021+02:00

Come già annunciato in un precedente post, sono andato a vedere la mostra del fumetto che si sta tenendo al Museo ebraico di Berlino, in collaborazione con il Museo d'arte e di storia ebraica di Parigi e il Museo di storia ebraica di Amsterdam dove è già stata presentata, nel 2007 nel primo e nel 2008 nel secondo. Nonostante l'esposizione sia iniziata già da un po' (il 30 aprile), c'è ancora tempo per vederla visto che si chiuderà l'8 agosto. La mostra, dal titolo "Helden, Freaks und Superrabbis: die Jüdische Farbe des Comcis" (Eroi, Freak e Superrabbini: La dimensione ebraica del fumetto) è collocata al primo piano del museo, nella zona delle esposizioni temporanee, e si sviluppa su 5 stanze molto ampie (qui la versione in inglese). Il filo conduttore è l'importanza del ruolo degli artisti ebrei nel mondo del fumetto e le tematiche specificamente correlate alla cultura ebraica che tali autori hanno trasmesso all'arte sequenziale. Partendo dalla fine dell'800, nascita del fumetto, fino ai giorni nostri, viene evidenziato il contributo che tali autori hanno saputo portare alla nona arte. Ovviamente una buona parte della mostra è dedicata ad uno degli indiscussi maestri del fumetto di origini ebraiche: Will Eisner. Molte sono le sue tavole originali esposte, così come tanti sono gli aneddoti e le spiegazioni a lui dedicate. C'è anche una sua intervista che viene trasmessa di continuo su di un grande schermo. Non solo Will Eisner però, tanti altri sono gli autori presenti a cominciare dai disegnatori ebrei figli della prima gnerazione di immigrati in america, come: Richard F. Outcault (Yellow Kid), Rudolph Dirks e Harold Knerr (the Katzenjammer Kids),Frederick Burr Opper (Happy Hooligan), che diedero vita a numerose strisce sui principali giornali dell'epoca: era la nascita del paginone domenicale a colori! Il centro nevralgico di quest'epoca fu la città di New York dove i grandi magnati della carta stampata, Joseph Pulitzer e William Randolph Hearst, visti i buoni risultati che le strisce a fumetti producevano, iniziarono a contendersi i migiori artisti, creando così un mercato per i fumettisti. Queste vicende vengono narrate nella prima stanza della mostra, dove si possono ammirare numerose pagine dei giornali americani dell'epoca (primi del '900) e anche alcune pagine di giornali tedeschi dello stesso periodo, tutet ovviamente contenenti strisce a fumetti.
Nella seconda stanza incomincia l'era dei supereroi. Siamo negli anni '30 quando alcuni autori ebrei danno vita ai primi supereroi, dapprima sulle pagine dei giornali, poi creando testate indipendenti interamente dedicate ai loro personaggi dagli straordinari poteri. In questa stanza si trovano tavole di Jerry Siegel e Joe Shuster (creatori di Superman), Jack Kirby e Joe Simon (Capitan America), Bob Kane (Batman) e Will Eisner (The Spirit). Da notare che gli autori di questo periodo non fanno ancora propriamente riferimento alle tematiche legate prettamente alla cultura ebraica, ma più che altro al patriottismo americano. Molte delle storie esposte in questa stanza descrivono le vicende che hanno portato i supereroi a porre fine alla seconda guerra mondiale sconfiggendo Hitler e le armate tedesche. In una si può leggere di come Superman abbia prelevato di forza Hitler e Stalin per portarli davanti alla corte americana che li giudicherà colpevoli. E' degli anni '70 la prima storia contenente tematiche vicine alla cultura ebrea, ed il protagonista è l'invincibile Hulk. In questa storia, esposta sempre nella seconda stanza, Hulk salva la vita ad una famiglia ebrea in pericolo che lo crede il famoso Golem della cultura ebrea. Sarà proprio negli anni '70, con i primi graphic novel, che gli autori ebrei incominceranno a dar vita a storie in cui i temi della cultura ebraica non saranno più solo accennati, noscosti tra le righe o marginali, ma i punti nevralgici delle loro opere. E' il periodo di Art Spiegelman (Maus) e di Will Eisner (Contratto con Dio e molti altri). E' l'epoca del fumetto moderno e gli autori ebrei non sono più soltanto in America. Un esempio fra tutti Joann Sfar (il Gatto del Rabbino). A questo periodo sono riservate le stanza tre, quattro e cinque, dove, a fianco dei Graphic Novel, vengono presentati anche autori della scena underground come Aline Kominsky (Power Pak), Diane Noomin (Didi Glitz) e Robert Crumb che, benché non fosse ebreo, ha fatto spesso richiamo, nei suoi fumetti, alla cultura ebrea in maniera dissacrante.
Infine, una parte dell'ultima stanza è dedicata al fumetto israeliano. Fumetto nato solo di recente, ma che ha già dato vita ad ottime pubblicazioni, come: Exit Wounds di Rutu Modan.

Una bella mostra, ricca e completa che affronta un percorso del tutto particolare nella storia del fumetto. Vale sicuramente la pena di una visita se ci si trova a Belrino.

Qualche annotazione e curiosità:

Il biglietto d'ingresso costa 4 euro, 7 per vedere anche il museo.
Sul sito dell'esposizione è possibile partecipare ad un concorso per vincere l'ingresso annuale al museo (esibizione compresa), il catalogo della mostra, un fumetto di Will Eisner e altri ninnoli come portachiavi e cose varie. (Lo dico perché ho avuto la fortuna di vincere).

The stuff of Legend

2010-07-05T12:31:00.010+02:00

di Mike Raicht e Brian Smith - disegni di Charles Paul Wilson III

Si tratta di un comic book pubblicato nel 2009 dall'editore The 3rd world studios, scritto da Mike Raicht e Brian Smith, disegnato da Charles Paul Wilson III. È un fumetto che si compra prima di tutto per la qualità grafica. Si sa un libro come un fumetto spesso è una sensazione, un qualcosa che ci spinge a comprarlo. Si tratta di un fumetto monocromatico, tendente al seppia, come quelle foto del primo quinquennio del Novecento. Infatti è ambientato durante la seconda guerra mondiale, e mentre le forze alleate debellano il marciume nazista, un bambino viene rapito da un classico dei classici delle favole statunitensi, delle paure dei bambini, The Boogeyman. Ma ormai siamo abituati che da qualche parte nella nostra stanza ci sono gli eroi, quei imprevedibili compagni di vita che interverranno per aiutarci. Così i giocattoli del bambino rapito, si organizzano per salvarlo, guidati da un soldatino che si fa chiamare colonnello. Certo non tutti i giocattoli sono coraggiosi, ma alla fine la compagnia viene formata e attraversa il portale che li condurrà nel loro primo campo di battaglia. Già perché il primo elemento interessante di questo fumetto è l'incessante presenza della guerra. La pagina 12 si apre con una spiaggia piena di morti, come se fossimo a Omaha beach e d'altra parte siamo nel settembre del 1944, l'azzardata di sbarcare su una spiaggia francese è andata in porto e gli alleati puntano su Berlino.
Anche se non è chiaro fin da subito, si ha l'impressione che il fumetto raccolga in qualche modo le paure, le fantasie del bambino rapito che probabilmente ha il papà in battaglia.
L'elemento di incredulità ci accompagna durante tutto il racconto. E' possibile che dietro una porta ci sia un mondo fantastico? E' possibile che dei giocattoli prendano vita? Tutto questo rimane sospeso, incerto, sottolineato dalla mancanza del colore o anche del bianco e nero. La soluzione del color seppia è un atto di sospensione della nostra capacità di distinguere il vero dal falso. L'unica pecca di questo comic book è la serialità molto diluita nel tempo, solo da poco è uscito il secondo volume, dopo un anno dal primo e il terzo è stato appena annunciato.
Qui trovate la preview della serie.

Andrea Grilli

Aquistalo su Libreriauniversitaria.it

Tavole e disegni originali: i siti italiani dove acquistarli.

2010-06-25T22:55:00.007+02:00

Dopo essere stato a Parigi e aver visitato alcune gallerie d'arte (ne parlerò tra qualche post) che espongono e vendono tavole, disegni, illustrazioni e schizzi originali degli autori di fumetti, ho pensato di fare una ricerca per cercare negozi o gallerie italiane che svolgono la stessa attività. Ho trovato qualcosa di interessante cercando sulla rete, ma ovviamente i venditori di tavole e disegni originali non sono moltissimi. Oltre al famosissimo ebay, dove è sempre possibile trovare qualche buona occasione, ma occhio alle frodi, ecco a voi una resoconto dei siti italiani dove potete cercare le opere originali dei vostri autori preferiti.

Comics World

Un sito estremamente curato che offre una doppia possibilità: ai collezionisti di acquistare le tavole in vendita e agli autori di avere una vetrina, ottimamente gestita, in cui proporre le proprie opere su internet.
Il sito nasce, come spesso accade, dall’idea di un appassionato del settore, Paolo Porcellana, che crea, dapprima, uno spazio virtuale dove esporre le opere originali in suo possesso. In seguito, resosi conto, anche dopo aver conosciuto e parlato con vari disegnatori italiani, della mancanza di mezzi e “luoghi” per promuovere il lavoro di questi ultimi, decide di ampliare il sito per ospitare le opere degli artisti che si affidano a lui e venderle a chiunque è interessato. Partito con un numero di autori ristretto, piano piano, il sito si è ampliato accogliendone sempre di nuovi. A tutt’oggi i disegnatori che collaborano con Comics World sono 39, tra cui alcuni dei più bravi artisti del panorama italiano come: Denis Medri, Simone Bianchi, Fabrizio Fiorentino, Luigi Piccato e tanti altri.
La presenza di copertine, tavole e disegni originali, tutte consultabili sul sito insieme alla scheda dell’autore, è notevole e la gamma delle opere in vendita va ben oltre i 39 autori sopra citati, ma quello che distingue questo sito dagli altri, è la possibilità di richiedere un disegno su commissione. Si può scegliere uno tra i 39disegnatori proposti e commissionargli un disegno scegliendo: soggetto, ambientazione e situazione. Un tariffario dettagliato rende l’idea di quella che sarà la spesa. Ma non è finita qui! Paolo ha sviluppato ancor più il concetto di disegno su commissione, fino a proporne la naturale evoluzione: la possibilità di richiedere che un propria storia completa venga disegnata per intero da uno dei disegnatori professionisti. Quindi se covate da tempo un’idea e desiderate che divenga un fumetto non vi resta che contattare Comics World!

Red Sector Art (rsa)

Ottimo sito di vendita di tavole e disegni originali. Fondato nel 2000 da enrico salvini può vantare, tra le sue fila,la presenza di numerosi artisti italiani, molti dei quali autori di genere erotico, come: Giovanna Casotto, Fernando caretta, Giorgio Comolo, Anna Merli, Tom Porta e Saverio Tenuta. Oltre a questi, la RSA si fregia della presenza di numerose opere di famosi disegnatori argentini quali: Enrique Breccia, Leandro Fernandez, Gabriel Ippoliti e Eduardo Risso. Ovviamente, come avviene sempre, quando le opere sono di artisti di tale caratura, i prezzi tendono ad essere elevati.
La particolarità del sito è quella di gestire in maniera distinta ogni autore. Ad ogni artista è riservata una pagina personale nella quale si possono consultare tutte le opere in vendita, si può leggere la sua biografia e si può anche controllare se il disegnatore è al momento disponibile per lavorare su commissione e quali sono i suoi prezzi. Questo tipo di configurazione è molto intuitiva e aiuta i visitatori a orientarsi meglio nel sito. Unica pecca, la presenza di numerose pagine ancora in costruzione.

Pagine di fumetti

Un sito nato, come sottolinea l'autore, in maniera del tutto inaspettata e naturale. Giuseppe Fedele, dopo cinquant'anni di “onorata carriera” da collezionista e accanito lettore di fumetti, ha deciso di catalogare le sue tavole esponendole su internet. Le sue pagine web sono poi diventate, in maniera spontanea, un sito di scambi e vendita di tavole e disegni originali. Su Pagine di fumetti si possono trovare soprattutto tavole delle serie Bonelli, da Dylan Dog, del quale ci sono parecchie tavole, a Brendon, Nick Rider, Mister No, Jonathan Steele, Lazarus Ledd e tanti altri. Apprezzabile la presenza di molti sketches, bozzetti, tavole di prova, copertine originali, bozzetti di copertine e anche tavole pre e post lettering, materiale spesso di difficile reperibilità. Dal punto di vista tecnico le tavole vengono gestite con la cura del collezionista molto scrupoloso, ci ha assicurato Giuseppe, tenute lontano da fonti di luce, umidità e calore per evitare che si logorino o scoloriscano. Inoltre, l'autore del sito, ci ha garantito che propone ai collezionisti soltanto tavole in perfette condizioni e che gli imballaggi sono effettuati con materiali nuovi e molto resistenti: “dopo tanti anni nessuna mia spedizione è giunta rovinata a destinazione”, ci tiene a sottolineare, e noi gli crediamo! Il sito ha anche un contatto ebay nel quale si possono trovare tavole all'asta e fare buoni affari!

Tavole Originali

Nato grazie alla passione di un amante dei fumetti, Francesco Bazzana che, prima collezionista, si è reinventato venditore di tavole originali. Francesco è da sempre stato un grande appassionato di fumetti e ha messo il suo entusiasmo e la sua disponibilità al servizio dei “cacciatori di originali”.
Il sito è in sostanza una vetrina, una galleria virtuale di una collezione che farebbe la felicità di molti collezionisti, vista la presenza di una notevole quantità di tavole, illustrazioni e copertine delle quali viene fornita, per ognuna, una breve descrizione indicante l'autore e il fumetto di appartenenza, la tecnica usata, le dimensioni e, ovviamente, il prezzo.
Ogni pezzo è visionabile sul sito e le gallerie nelle quali sono presentate le opere in vendita sono divise per autore, almeno le principali. Tavole originali può vantare la presenza di disegni di autori del calibro di: Gipi, Magnus, Toppi, Simone Bianchi, Massimo Carnevale e tanti altri.
I prezzi variano, ovviamente, da tavola a tavola, a seconda dell'autore, della tecnica usata e della rarità o importanza del fumetto. Bazzana comunque ci tiene a precisare che ci sono tavole per tutti i gusti, sia per i collezionisti più decisi che per i semplici lettori che vorrebbero una tavola originale, magari senza dover sborsare un patrimonio. Se poi volete proporre uno scambio, l'autore del sito è disponibile anche a questo genere di trattativa.

Tavole originali fumetti (della Alessandro Distribuzioni)

Questo sito, direttamente gestito alla casa editrice AD (Alessandro Editore) si propone come portale per la vendita di numerose opere di autori di fumetti. Non solo originali, ma anche riproduzioni a tiratura limitata. Una semplice maschera di ricerca per autore facilita la consultazione. Le sezione del sito sono quattro:

- Tavole Originali: dove si possono trovare le tavole dei vari autori, ovviamente tutte rigorosamente opere prime e uniche, originalissime, ma anche illustrazioni e disegni sempre originali. Alcune volte le tavole sono firmate dagli autori e possono essere a colori o in bianco e nero. I prezzi variano a secondo degli autori, del formato e dei colori. Questa è sicuramente la sezione principale del sito nella quale sbarcano tutti gli amanti dei fumetti e del collezionismo delle opere prime.
- Portfolio: è la sezione in cui si possono visualizzare e comprare i portfolio, cioè delle raccolte di immagini disegnate dai grandi autori del fumetto. I portfolio sono edizioni di lusso di illustrazioni stampate in copie limitate, numerate e firmate.
- Volumi tiratura limitata: contiene volumi a tiratura limitata difficili da reperire altrove. Ad alcuni volumi sono state allegate anche ricercate litografie che impreziosiscono l’opera e ne risaltano il valore.
- Stampe: Eleganti immagini riprodotte a poster o divertenti e ricercate cartoline degli autori più conosciuti e ammirati, sono le originali proposte di questa sezione, accessibile a tutti visti i prezzi contenuti.

Segni& Disegni

Segni& Disegni nasce nel 1998 per iniziativa di Claudia Salmin. Il sito internet è il punto di riferimento online dell'omonimo negozio che si trova a Torino in Corso Regio Parco n.1. Negozio specializzato nell'acquisto e nella vendita di tavole originali a fumetti e illustrazioni del Novecento, presenta numerose opere di artisti che hanno fatto la storia del fumetto d'autore italiano come: Battaglia, Bonvi, Jacovitti, Crepax, Manara, Pratt, Liberatore, Toppi e Magnus; e di disegnatori del fumetto popolare: Roi, De Angelis, Castellini e tanti altri. Inoltre si possono trovare tavole di autori stranieri, soprattutto della scuola argentina.
Vista la presenza di molti artisti importanti i prezzi sono, di conseguenza, abbastanza elevati paragonati con gli altri siti finora analizzati, ma si possono trovare comunque disegni o schizzi a costi abbordabili.
Le opere presenti sono divise in categorie: popolari, illustrazioni, erotiche, comiche e copertine, ed ogni disegno, oltre ad essere consultabile singolarmente, ha la sua scheda personale dettagliata riportante autore, dimensioni, caratteristiche e prezzo.
Per chi volesse, lo studio Segni & Disegni pubblica semestralmente un catalogo di vendita per corrispondenza che viene inviato gratuitamente a chi ne fa richiesta.

Spazio Corto Maltese (SCM)

SCM è soprattutto una galleria dedicata al mondo del Fumetto e dell'Illustrazione che si trova in via Fabio Massimo 67 a Roma. La galleria allestisce, periodicamente, esposizioni di artisti italiani del fumetto, come: Gabriele Dell'Otto, Sergio Toppi, Simone Bianchi, Vittorio Giardino. SCM è anche una casa editrice che pubblica pregiati volumi, cartelle e portfoli in edizioni limitate, contenenti illustrazioni di disegnatori italiani, firmate e numerate. Infine SCM è anche un negozio di compra/vendita di tavole e disegni originali. Purtroppo, sul sito, a questa parte è lasciato uno spazio secondario e le opere sono consultabili non direttamente, ma andando nella pagina Comic Art Fans della SCM. Le tavole ed i disegni originali al momento disponibili non sono moltissimi, ma c'è un'ampia scelta delle opere di Dell'Otto.

Original Comic Art

Sito di un appassionato di fumetti e di tavole originali che illustra la sua collezione evidenziandone le opere che ha deciso di mettere in vendita. Scopo del sito, oltre alla vendita, è di essere d'aiuto ad altri collezionisti con informazioni, approfondimenti e quanto utile per conoscere il mondo delle tavole originali, gli autori e le loro pubblicazioni, le tecniche e le curiosità. L'idea, comune a molti altri siti del genere, è stata sviluppata con una grafica semplice, ma decisamente simpatica e intuitiva. La navigazione nel sito è immediata e semplice. Un sito veramente ben fatto. Oltre alle tavole della collezione e a quelle in vendita, c'è un'apposita sezione download dove si possono scaricare dei files di gestione e catalogazione delle tavole. Files che possono risultare molto utili agli appassionati. Dateci un'occhiata!

Elenco dei siti citati:

- Comics World
- Red Sector Art
- Pagine di fumetti
- Tavole Originali
- Tavole originali fumetti
- Segni& Disegni
- Spazio Corto Maltese
- ebay
-Original Comic Art

Parigi: Moebius in mostra

2010-06-21T19:41:00.005+02:00

Dal 12 ottobre 2010 fino al 13 marzo 2011, la Fondazione Cartier per l'arte contemporanea ospiterà la più grande esposizione, mai avvenuta a Parigi, delle opere di Jean Giraud, meglio conosciuto come Moebius. La mostra, dal titolo "MŒBIUS-TRANSE-FORME", avrà come tema centrale la metamorfosi, probabilmente la tematica principale e onnipresente nelle opere di Moebius, disegnatore ormai divenuto icona incomparabile del fumetti francese, ed inventore di forme e di un tratto eccezionale e sorprendentemente fuori dal comune. Saranno esposti numerosi disegni di Jean Giraud in un percorso in cui la perpetua trasformazione e l'esplorazione dei confini dell'inconscio la faranno da padroni. Moebius e i suoi disegni di mondi immaginari e fantastici rivelano un mondo dove le apparenze non sono mai quello che sembrano.

La professione del disegnatore di fumetti: intervista a Patrizia Mandanici

2010-06-16T23:48:00.036+02:00

Tutti i lettori di fumetti si chiedono prima o poi domande del tipo: come viene pensato e creato un fumetto? Quanto tempo occorre per farne uno? Quali sono gli strumenti di un fumettista? Da dove traggono ispirazione i disegnatori di fumetti?
E cose di questo genere. Noi, abbiamo posto queste, ed altre domande, a Patrizia Mandanici, disegnatrice di varie testate (Legs Weaver, Nathan Never, Gregory Hunter) della Sergio Bonelli Editore. Lei è stata così gentile da rispondere alle nostre numerevoli curiosità. Ne è risultata una lunga ed interessante intervista che spazia dalla professione generale del disegnatore di fumetti, alle scelte personali e particolari di Patrizia. Per chi volesse sapere qualcosa in più sulla disegnatrice che con tanta cortesia e simpatia si è prestata al nostro "terzo grado", può trovarla in rete sotto lo pseudonimo di La Fumettista Curiosa.

Pagu: - Ciao Patrizia, facciamo un po' la tua conoscenza con qualche domanda che riguarda te e il tuo lavoro. Quando hai iniziato a disegnare e quando hai deciso che questa sarebbe stata la tua professione? Cosa ti ha spinta a voler diventare una disegnatrice di fumetti?

Patrizia Mandanici: - Disegno da sempre, come la maggior parte dei disegnatori di professione: ho iniziato da quando ho avuto la possibilità di avere in mano carta e matita e non ho mai smesso. Non c’è stato un momento in cui ho “deciso” cosa avrei fatto nella vita, è stata una successione di opportunità e di coincidenze, e fino a quando non sono venuta a Milano (avevo 27 anni) non avevo ben chiaro come avrei potuto guadagnarmi da vivere. Disegnare come professione era un sogno, una possibilità; pensavo fosse più facile trovare lavoro come illustratrice che come fumettista ( a Roma, da dove provenivo, avevo avuto esperienze come illustratrice per un settimanale, “Avvenimenti”).
Il fumetto è stata la mia passione primaria, il modo con cui mi sono espressa da sempre, fin da piccolissima. Ho continuato a disegnarli per me, perché mi piaceva, perché erano il mio mondo. Non pensavo che ne avrei fatto un lavoro, ho iniziato a farci un pensierino solo dopo i 20 anni, ma mi sembrava un sogno abbastanza irraggiungibile.

Pagu: - Hai fatto studi di settore per migliorare le tue abilità nel disegno e se sì quali?

PM: - Ho frequentato prima il liceo artistico, poi l’Accademia di Belle Arti (scenografia) a Roma. Non ho poi frequentato altri corsi, men che meno rivolti al fumetto. In questo sono autodidatta, per così dire.

Pagu: - Puoi parlarci un po' della tua carriera. Per che editori hai lavorato, a quali progetti, con che autori, quale dei tuoi lavori ami particolarmente?

PM: - A Roma avevo frequentato per un po’ la redazione di Comic Art (intorno al 1990) diretta da Rinaldo Traini. Rodolfo Torti oltre a fare (benissimo) il fumettista si occupava di visionare i lavori degli aspiranti fumettisti. Non ricordo affatto come capitai lì, comunque a un certo punto mi ritrovai a fare delle prove per un fumetto (scritto da un altro esordiente). Non se ne fece nulla perché ero ancora estremamente immatura nel segno, specialmente nel ripasso a china. In compenso Comic Art mi pubblicò su “Spot” (allegato de L’Eternauta) una tavola che non era propriamente un fumetto (accanto ad altri nomi allora sconosciuti: Leo Ortolani, Frezzato...). Probabilmente questo allegato fu notato da Massimo Galletti del Centro Fumetto Andrea Pazienza di Cremona, che allora editava Schizzo; fui contattata e così per la prima volta dei miei fumettini furono pubblicati.
Non ricordo bene, ma forse fu Galletti a consigliarmi di contattare Marcello Toninelli quando mi trasferii a Milano (fine 1991, ma Toninelli lo contattai dopo). Contemporaneamente ho conosciuto Luigi Bernardi che allora dirigeva la mitica Granata Press: ho disegnato diverse illustrazioni per la rivista “Kaos”. Anche in questo caso non ricordo come diavolo venni a contatto con i “bolognesi”, probabilmente tramite Galletti o Toninelli (la memoria non è mai stata il mio forte!).
Per la Ned 50 ho iniziato la mia vera gavetta da fumettista inchiostrando le tavole di Alfio Scalisi per “Dark”, che ebbe vita breve. Ma l’incontro con Marcello per me è stato fondamentale: oltre a darmi consigli su come migliorare il mio stile mi ha procurato il lavoro per L’Intrepido: nel 1992-93 ho disegnato tre episodi della serie “Billiteri” di Giuseppe De Nardo (che però non ho mai incontrato). Contemporaneamente ho disegnato le matite di 4 episodi della serie “Agenzia Scacciamostri” di Toninelli (usciva su “Il Giornalino”). Nel 1993-94 ho conosciuto Laura Scarpa - ai tempi curava l’edizione rinnovata de "Il Corrierino” - e così ho disegnato tre episodi della serie “Jordi eroe galattico” scritta da Giorgio Pelizzari - forse la mia unica incursione nel fumetto per ragazzi, che mi ha divertito molto.
Nel 1994 un’altra tappa importante della mia “carriera”: sempre grazie a Toninelli mi viene affidata la parte grafica del progetto “Ossian”, scritta da Martino Barbieri per la Star Comics. Nello stesso tempo la Star pubblicava nello stesso formato pocket “Sprayliz” di Enoch e “Shanna Shokk” di Toninelli. Io mi occupavo anche di fare le copertine (tranne la colorazione), e devo dire che è stata un’esperienza molto formativa e faticosa! Certamente avevo ancora molto da imparare e delle immaturità nel segno, ma comunque questo lavoro ha avuto un riconoscimento nel 1996 da parte dell’Anafi che mi ha dato la targa del premio “Rino Albertarelli”.
“Ossian” in effetti mi ha dato una certa visibilità, perché quando andai l’anno dopo a fare vedere il mio lavoro ad Antonio Serra questi lo conosceva già, anzi, si aspettava il mio arrivo! L’idea di provare in Bonelli mi è stata data sempre dal buon Toninelli; io non ero affatto certa di poter essere all’altezza degli standard bonelliani (non avevo neanche un segno molto realistico), ma Marcello insistette molto, e io con fatica superai la mia timidezza e i miei timori.
Fatte delle tavole di prova per "Legs Weaver" iniziai a lavorare sul mio primo numero, “Un’avventura per May” (il numero 11, uscito nel 1996), storia scritta da Alberto Ostini. Successivamente ho disegnato storie di Stefano Piani e solo una volta di Serra - se non sbaglio. Dopo Legs ho disegnato storie di “Gregory Hunter”, e dopo la chiusura di questi sono passata a “Nathan Never” - per me un punto di arrivo importante, anche perché ho dovuto sforzarmi per sviluppare un segno più realistico e preciso. Su Nathan ho collaborato spesso con Stefano Vietti, e adesso, con il lavoro che sto svolgendo per Universo Alfa (La squadra fantasma) anche di più!
Non saprei dire quale dei miei lavori io ami di più. In quasi tutti è presente la ricerca di un miglioramento, o di un adattamento a stili che non sono i miei naturali. Disegno sempre cercando di adattarmi a ciò che mi si chiede, ma se volessi davvero disegnare come voglio probabilmente userei uno stile più grafico, più linea chiara.
Devo dire che ho dei bei ricordi del lavoro fatto su Ossian - forse perché ho potuto dedicarmi anche alle copertine, occasione mai più avuta. E poi se devo menzionare un altro lavoro che ricordo con piacere è quello svolto su Gregory Hunter - lì ho potuto divertirmi disegnando alieni e scene “esagerate”, fuori dagli stilemi normali della Bonelli: una bella esperienza, una parentesi spensierata.

Pagu: - Parliamo un po' del lavoro del fumettista in generale. Cosa vuol dire essere un disegnatore di fumetti? Cosa c'è dietro al tuo lavoro e quante ore al giorno passi a disegnare?

PM: - Be’, essere un disegnatore di fumetti vuol dire non avere una vita che scorre su binari abbastanza precisi come in tanti altri lavori - non so, le ferie, la malattia pagata, gli orari prestabiliti. Bisogna avere una propria capacità di darsi delle regole, altrimenti è facile distrarsi (di solito un disegnatore di fumetti ha molte altre passioni collaterali - videogiochi, cinema, letture varie, ecc.).
Una volta disegnavo di più, con più “passione”, con più necessità; adesso ho voglia di fare tante altre cose - leggere libri e fumetti, vedere film, informarmi su quello che succede intorno a me e nel mondo. Non c’è solo il disegno nella mia vita, ma alla fine, causa la mia lentezza, il fumetto riempie gran parte del mio tempo. Non saprei quantificare le ore complessive di lavoro - che poi non c’è solo quello sulla carta (o sul pc) puro e semplice, ma anche lo studio della documentazione, la lettura di fumetti o la visione di film che possono essere importanti per l’ispirazione grafica; comunque le ore non sono tante come una volta, faccio frequenti pause, porto giù il cane, vado a fare la spesa, lavo, stiro, cerco di fare un minimo di attività fisica, ecc. Tante cose da fare, non rischio di annoiarmi di certo!
Dietro il mio lavoro di fumettista c’è come prima cosa la necessità di guadagnare! L’autonomia e la tranquillità di vita sono per me molto importanti. Una volta avrei messo la necessità di disegnare al primo posto, adesso no. Mi piace certo ancora molto disegnare, mi diverto, ma non morirei se non potessi farlo più come lavoro, come prima attività. Non sono un’autrice che deve per forza esprimere la propria visione del mondo; sono una disegnatrice, lavoro su storie altrui. Se posso farlo vivendoci... bene; se dovessi farlo per la gloria no, non ho più vent’anni!

Pagu: - Come è strutturata una sceneggiatura per un fumetto e come si passa dalla sceneggiatura al fumetto stesso?

PM: - La sceneggiatura è strutturata in modo da essere suddivisa in fogli corrispondenti alle pagine del fumetto: 1 foglio (di solito A4), 1 pagina. Dei numeri segnalano la sequenza di ogni vignetta, e per ogni vignetta c’è la descrizione dell’azione e il dialogo.
Credo che ogni disegnatore abbia una maniera di lavorare un po’ personale; io ad esempio mentre leggo la sceneggiatura faccio già un abbozzo piccolissimo della tavola, mi serve per capire come sistemare le vignette, di quale grandezza farle, e noto se certe sequenze funzionano visivamente una dietro l’altra. Poi disegno la matita a grandezza “naturale” di un gruppo di 3 o 4 tavole; infine le inchiostro (da un anno e mezzo circa scansiono le tavole a matita e poi le ripasso digitalmente al computer).

Pagu: - Qual è il processo produttivo di una tavola? Come viene pensata, creata e realizzata e quando viene considerata completata? Quali sono gli studi che fai prima della sua realizzazione? Quanto lavori sulle bozze e quante ore può prenderti l'esecuzione di una singola tavola?

PM: - In parte ho già risposto in precedenza, comunque io in particolare faccio attenzione nel cercare di variare sempre le inquadrature, specialmente se c’è una scena lunga di dialogo che potrebbe risultare un po’ statica e “noiosa”.
Leggendo la sceneggiatura cerco di immaginarmi subito la disposizione dei personaggi e la sequenza dei loro spostamenti; questo per non trovarmi poi degli ambienti e degli sfondi incongruenti.
La fase con gli abbozzi è molto veloce, e ultimamente dedico meno tempo alla definizione delle matite per concentrarmi sull’inchiostrazione e poi l’apposizione dei retini (sempre digitalmente).
Vietti e Perniola (gli sceneggiatori con cui sto lavorando) mi mandano a corredo della sceneggiature molta documentazione presa da ogni dove: internet, riviste, videogiochi, ecc. Spesso anche io ricorro a ricerche su internet quando si tratta di documentarmi su luoghi esistenti, animali, ecc.
La tavola per me finisce una prima volta con l’inchiostratura, poi, dopo essere stata passata al letterista, se ci sono ripensamenti di sceneggiatura o correzioni da fare ritorna tra le mie mani un’ultima volta (di solito alcuni mesi dopo la prima consegna, a ridosso della stampa).
Non ho idea di quante ore di lavoro necessiti una mia tavola: dipende dalla complessità della stessa, se devo fare particolari ricerche di documentazione, schizzi preliminari o studi di apparecchiature, veicoli, ecc. Mediamente una volta riuscivo a disegnare 14-15 tavole al mese, adesso meno.

Pagu: - Puoi spiegarci come scegli le inquadrature nelle tue tavole, magari illustrandoci il perché delle tue scelte e i significati dietro un'inquadratura. (se puoi fornirci qualche tuo disegno a supporto delle spiegazioni te ne saremmo grati).

PM: - Le inquadrature che scelgo sono sempre funzionali al racconto e alla comprensibilità di ciò che devo mostrare. Io non ho un grandissimo talento grafico e so che il mio punto forte è la “narratività” - qualità sommamente apprezzata in Bonelli. Questo significa che a parte cambiamenti postumi della sceneggiatura o piccoli errori di disegno io non ho quasi mai dovuto rifare tavole o cambiare inquadrature perché “poco chiare” o strutturalmente sbagliate; e i grafici quasi mai hanno dovuto rimpicciolire o addirittura intervenire sulle mie vignette perché lo spazio non bastava per i balloon (può capitare), di solito sto molto attenta anche a questo aspetto tecnico. Davvero non saprei farti l’esegesi delle scelte delle mie inquadrature, e mi sarebbe difficile scegliere degli esempi: quando leggo la sceneggiatura automaticamente mi si forma l’immagine in mente, è raro che abbia dei dubbi sulla scelta dell’inquadratura - sono molto istintiva in questo. La sceneggiatura poi di solito è molto chiara e indica sempre le panoramiche, i primi piani, o quello che di importante deve essere incluso nella vignetta.
La scelta delle inquadrature spesso è legata a ciò che ho disegnato prima o dopo quella tal vignetta. Sto attenta all’ordine in cui parlano i personaggi, ad esempio, per disporli in maniera adeguata ( e spesso i campi e controcampi dipendono da questo, così come le scelta di inquadrare dal basso e obliquamente se non è possibile rispettare “l’ordine” dei dialoganti - a sinistra chi parla per primo).

Pagu: - Puoi aiutarci a capire un po' di più, prendendo spunti da quelle che sono le tue esperienze, quello che è il rapporto lavorativo tra sceneggiatore e disegnatore. Come le due figure collaborano tra di loro. Quanto lo sceneggiatore si inserisce nei disegni dell'illustratore e quanto è il disegnatore a entrare nelle dinamiche della storia.

PM: - In Bonelli come si sa si producono ogni mese centinaia di pagine di fumetto. Gli sceneggiatori sono in numero molto limitato rispetto ai disegnatori, da qui la necessità per questi ultimi di lavorare a più albi contemporaneamente per far andare avanti i vari disegnatori. Disegnatori e sceneggiatori vivono sparsi per l’Italia: non sempre quindi si riesce a parlare a quattr’occhi tranquillamente di una storia per deciderne insieme le atmosfere. A volte le storie sono già decise e il disegnatore arriva dopo, a volte è il contrario. In generale, però, non si ha molto tempo per sviluppare insieme, non dico la trama, ma certi particolari in cui potrebbe portare il proprio contributo creativo il disegnatore; magari quest’ultimo lo farà in sede di disegno - sempre rispettando certe esigenze e certi paletti di struttura e di stile.
All’inizio di ogni storia di solito una lunga chiacchierata tra sceneggiatore e disegnatore chiarisce le atmosfere della storia, l’andamento della trama, la caratterizzazione dei personaggi, e altre esigenze particolari. Dopo, per lo più, ci si scrive via mail, e ogni tanto ci si telefona quando ci sono punti non chiari o problemi vari.
Non so quanto gli altri disegnatori intervengano attivamente a cambiare o adattare certe scene della storia, o quanto gli sceneggiatori permettano ciò. Personalmente non metto becco nelle scelte dello sceneggiatore, cerco di capire cosa vuole esprimere e cerco di interpretarlo il più fedelmente possibile, ove non mi accorga di incongruenze di sceneggiatura (ma non è quasi mai successo). Se la storia è stata immaginata e scritta interamente dallo sceneggiatore, e io non vi vedo delle cose terribili da disegnare, non vedo perché dovrei inserire dei miei cambiamenti, che magari peggiorerebbero la storia; mi limito a fare quello che mi riesce meglio, che già mi costa molti sforzi! Quando c’è l’occasione di poter decidere in anticipo la storia, Serra dà sempre al disegnatore la possibilità di esprimere un’opinione e magari anche di rifiutarla, se personalmente non gli piacesse o fosse troppo fuori dalle sue corde. Io preferisco vedermi come una semplice esecutrice/collaboratrice perché, a dire la verità, ciò mi toglie dall’imbarazzo di dover intervenire sul modo di rappresentare il “femminile” all’interno del fumetto (in generale). Questa mia sensibilità non è cosa che possa venir recepita come se si trattasse di cambiare una scena o un dialogo: evidentemente (a mio parere) ci sono ancora, e ben radicati, degli stereotipi che neanche vengono colti dagli sceneggiatori maschi (per lo più). La mia opinione la esprimo, dopodiché considero la storia di stretta pertinenza dello sceneggiatore (a scanso di equivoci tutti gli sceneggiatori con cui ho avuto a che fare sono, non solo delle persone molto intelligenti, ma anche dei “gentiluomini” come in giro se ne vedono pochi; io mi riferisco a schemi mentali che non credo cambieranno per qualche secolo ancora).

Pagu: - Entriamo un po' più nei particolari delle tue personali scelte ed esperienze. Quali sono i tuoi orari di lavoro e come organizzi la tua giornata lavorativa?

PM: - Col tempo sono diventata una disegnatrice un po’ più pigra e meno abitudinaria. Quello che non è cambiato è la mia predilezione per l’orario mattutino, che è quello più produttivo (mi sveglio molto presto la mattina, anche perché non sono una che ama lavorare la sera o addirittura la notte; io dopo cena mi disattivo, e poi comunque ho bisogno di 7-8 ore di sonno).
Adesso “perdo tempo” a curare il mio blog, a leggere quelli altrui, a tenermi informata: sto cercando di limitarmi ultimamente. Lavoro molto al pc ( e adesso ho raggiunto un po’ di “pace” con l’acquisto di un iMac da 21 pollici), ho una tavoletta Wacom Intuos 3 e non la cambierei con la mitica Cintiq: l’ho provata e non mi sono trovata bene.
Di solito lavoro su gruppi di pagine - 3 o 4 : inizio facendo i bozzettini veloci, poi le matite a grandezza naturale, poi le scansiono e le importo in Manga Studio: le inchiostro, le retino, ci applico qualche “effetto” alla fine. Quando ne finisco circa 10-12 vado a consegnarle direttamente in redazione sotto forma di files.
Sono molto casalinga e non esco molto la sera - raramente vado a mostre o incontri, persino al cinema. Le uniche mie “pause” me le prendo per andare in fumetteria e in libreria - adoro osservare gli scaffali ( e comprare le cose che mi interessano!).

Pagu: - Hai iniziato da subito ad utilizzare il computer nel tuo lavoro o ci sei arrivata in un secondo momento? In questo caso quanto il computer ha cambiato il tuo lavoro e quanto lo ha migliorato? Quali sono i difetti nell'utilizzare il pc invece di disegnare su carta. Quali sono i tuoi strumenti di lavoro? Disegni su carta e poi perfezioni al computer o usi direttamente la tavoletta grafica?

PM: - Il computer nel mio lavoro lo utilizzo solo da un paio d’anni circa. Tutto è iniziato quando ho cominciato a lavorare su Universo Alfa: Serra mi ha proposto di usare il retino e di cambiare un po’ il mio stile, per renderlo più realistico. La proposta mi ha intrigato e così ho iniziato a usare il programma Manga Studio per applicare i retini digitalmente, dopo aver scansionato le tavole già inchiostrate. I primi due numeri de “La squadra fantasma” sono stati realizzati così, ma dopo aver preso mano col programma ho voluto provare a inchiostrare delle tavole; dato che il risultato era buono, e che io ero ancora in cerca di un salto di qualità (oltre che di uno stile che mi soddisfacesse) ho accolto il suggerimento di Serra di passare totalmente all’inchiostrazione digitale sull’ultimo "Squadra fantasma" di questa trilogia iniziale (lo sto disegnando attualmente, uscirà in edicola a maggio 2011).
Per me i vantaggi dell’usare l’inchiostrazione digitale sono stati diversi. Prima di tutto non riuscivo più a disegnare bene i particolari più minuscoli (diventati minuscoli a causa della mia presbiopia), neanche gli occhiali aiutavano granché: con il pc posso zoommare quanto voglio. Poi posso lavorare al meglio sul segno perché è più facile e veloce cancellare gli sbagli (tasto “Undo”!). I risultati si vedono, non solo a parere mio: Serra e Vietti sono molto contenti di quello che sto facendo adesso.
La Wacom come tavoletta grafica ha una sensibilità eccezionale, per me è quasi come disegnare su carta - devo dire che quasi non mi manca il disegno a inchiostro con pennelli e pennarelli. Io, però, faccio poco testo, perché non sono mai stata una dal segno “talentuoso”, artistico o molto personale.
Il maggior difetto che posso trovare nel lavorare col pc è che prima di tutto non si hanno originali da mostrare, vendere, toccare (magari delle buone stampe, certo); poi che bisogna stare attenti a non lavorare troppo sulle tavole in grande: si rischia di perdere il senso delle proporzioni! Per ultimo, bisogna ricordarsi di salvare spesso e fare più copie digitali!

Pagu: - Si dice che una delle parti del corpo umano più difficile da disegnare sono le mani, è vero? Cosa ti piace disegnare e ti dà maggior soddisfazioni e cosa invece, ti dà più difficoltà e meno piacere. Che trucchi usi, per superare le difficoltà, quando qualcosa non ti viene come vorresti

PM: - Mah, le mani sono difficili da disegnare come altre parti del corpo, in particolare se bisogna fare delle inquadrature particolari (dal basso, incroci di mani, o braccia o gambe viste da prospettive inusuali). Mi piace molto disegnare le persone, le anatomie, i volti; meno le automobili e le panoramiche delle città.
Quando qualcosa non viene dopo un po’ di cancellazioni butto la vignetta refrattaria e ricomincio da capo cambiando angolazione; raramente cerco una foto o un riferimento preciso a cui ispirarmi (sono troppo pigra per copiare).

Pagu: - Dove trai ispirazione quando disegni gli sfondi e gli ambienti delle storie e i volti dei tuoi personaggi. Usi foto di paesaggi, di attori o amici o semplicemente li inventi?

PM: - Se lo sceneggiatore mi manda della documentazione visiva guardo quella - mi ispiro a ciò che vedo ma adattandola molto alle mie esigenze. Altrimenti se lo sceneggiatore non mi chiede delle cose specifiche cerco di inventare da me facendo degli studi, degli schizzi molto veloci, se non sono ambienti ricorrenti li disegno direttamente in tavola. Per i paesaggi dipende: se ho qualcosa in mente non guardo neanche i riferimenti fotografici, altrimenti mi procuro qualche foto ma la uso come indicazione generale - non copio mai paesaggi interi.
Per i personaggi invece mi piace inventarli di sana pianta - rarissimamente mi sono ispirata a volti esistenti, a meno che mi sia stato esplicitamente richiesto.

Pagu: - Se ti mando qualche mia foto, mi inserisci in un fumetti, magari come passante o persona sullo sfondo? Mi piacerebbe diventare un fumetto ;)

PM: - Be’, vedremo, di solito non lo faccio come regola generale (dovrei poi inserire anche amici e tutti quelli che me lo chiedono!). (Pagu: un po' me l'aspettavo questa risposta! Beh io ci ho provato! ;) :D )

Pagu: - Hai qualche rito che compi quando ti metti al lavoro? Tipo ascolti musica, bevi caffè o fumi o cose di questo genere?

PM: - Più che riti sono abitudini: ascolto sempre la radio, a seconda delle trasmissioni seguo Radio Popolare, Radio 24 e Radio Tre. Non bevo, non fumo, ma ho avuto un periodo in cui facevo frequenti pause mangiandomi schifezze. Dopo una “dieta” salutare ho preso l’abitudine di non mangiare più fuori pasto (anche se poi ho ripreso i chili che avevo perso, ma questa è un’altra storia!). Mi alzo presto la mattina ma il lavoro inizia tra le 9 e 30 e le 10, poi dopo la pausa pranzo riprendo il pomeriggio dopo aver portato la mia cagnolina a fare la passeggiata. Più o meno smetto prima di cena, o prima se ho lavorato “bene” durante il giorno.

Pagu: - Quante e quali soddisfazioni ricavi dal tuo lavoro?

PM: - Le soddisfazioni sono tante - l’essere arrivata ad avere una certa competenza in ciò che faccio (indipendentemente dal valore che si dà al mio talento), sapere che ci sono delle persone che mi stimano, che si fidano di me, che sanno che prendo il mio lavoro molto seriamente. Anche sapere che molti lettori apprezzano quello che faccio è una soddisfazione non da poco - penso sempre a loro quando capita che mi senta insoddisfatta del mio modo di disegnare.

Pagu: - Qual è il tuo rapporto con il pubblico, con i lettori? Sei stata a molte mostre del fumetto e come ti relazioni con esse? (cioè ti annoia disegnare per gli appassionati o ti esalta vederli in fila per ricevere un tuo disegno, oppure ti piace intrattenerti con loro a parlare di fumetti... o cos'altro?)

PM: - Io sono una persona molto timida - l’età mi ha migliorato un po’, ma non troppo; quindi non amo il palcoscenico, il pubblico numeroso, l’esibizione. Facendomi forza mi è capitato però diverse volte di disegnare in mostre o fiere, magari cose piccole, schizzi. Capisco l’esigenza dei lettori di avere qualcosa di concreto di quello che a loro piace - se posso cerco di accontentarli. Negli ultimi anni ho partecipato a poche fiere - anche perché tendo a non spostarmi da Milano.
Devo dire che l’avere aperto un blog ha fatto sì che questo canale nuovo di comunicazione con i lettori mi abbia messo più a mio agio, forse riesco anche a esprimermi meglio su certe questioni, ed è comunque bello ogni tanto poter dialogare con persone le più varie senza sentirmi imbarazzata!

Pagu: - Puoi dare qualche consiglio a quelli che voglio intraprendere la tua stessa carriere? Come si diventa fumettisti?

PM: - Che domanda difficile! Penso che le strade per diventare fumettista siano tante e diverse, in mezzo ci sono occasioni, fortune, capacità di ascoltare i consigli, di essere umili e capire che un rifiuto può avere le sue motivazioni - e questo dando per scontato che ci deve essere un’abilità di base: senza quella non valgono anni di studi e fiumi d’inchiostro.

Un grazie di cuore da Gotham Library a Patrizia Mandanici per averci aperto questa finestra sulla professione del disegnatore di fumetti e sul suo mondo!

Il mio primo Comic Salon di Erlangen

2010-06-12T00:48:00.010+02:00

Di ritorno dal Comic Salon di Erlangen 2010, come promesso, mi accingo a darvi qualche informazione su questa che è la manifestazione di fumetti più grande di Germania.

La Fiera

Erlangen è una cittadina dell'alta Baviera non molto grande, ma gradevole. Se qualcuno mi chiedesse che città visitare per un tour della Germania non la inserirei nella lista, ma andarci per un paio di giorni per una fiera del fumetto è stato piacevole, perché molto accogliente e tranquilla.
La manifestazione fumettistica è stata pensata e sviluppata, come già succede per altre fiera, nell'intero centro cittadino. Punto nevralgico della fiera la Heinrich-Lades-Halle, grosso centro congressi che conteneva sia tutti gli stand delle case editrici che quelli dei principali negozianti e distributori, nonché delle fanzine e delle scuole di fumetto. Inoltre in una sezione della Heinrich-Lades-Halle erano state disposte alcune mostre davvero interessanti. Una riguardava tavole originali di Manara, ospite d'onore del Comic Salon, tra le quali le bellissime tavole con i personaggi tratti dai film di Fellini e le tavole delle sexy X-Women dell'autore italiano. Un'altra aveva come tema il fumetto Western e le tavole presentate erano di vari autori tra cui il francese Boucq, anche lui presente a firmare autografi e a regalare qualche disegno agli appassionati. Infine una terza mostra era riservata all'autore tedesco Peer Meter e alle sue sei opere, tutte disegnate da diversi autori. Il titolo era infatti: "Sei disegnatori per un autore". A mio avviso questa è stata la mostra più interessante, visto che presentava il lavoro degli autori dagli inizi: tutta la documentazione usata per trarre ispirazione per i disegni, come foto d'epoca, panoramiche di città e paesaggi, documenti vari; proseguiva esponendo la sceneggiatura scritta completa delle sei opere, e continuava mostrando schizzi, bozze, tavole di preparazione e tutto quello che era servito agli autori per arrivare alle tavole originali definitive, presenti, ovviamente, anche quelle. Scorrendo le varie parti dell'esposizione si capiva abbastanza bene i passaggi effettuati per arrivare alla versione definitiva del fumetto. Inoltre c'erano alcune televisioni che proiettavano continuamente ognuna un'intervista ad un autore diverso, il quale spiegava, a parole, i metodi del suo lavoro, le difficoltà incontrate e le soddisfazioni ottenute.
La Heinrich-Lades-Halle si è dimostrata quindi essere parecchio ampia, considerando anche che si sviluppava su due piani. Se questa era il fulcro centrale della manifestazione, dove ho passato la maggior parte del tempo e come me tanti altri appassionati, il comic salon di Erlangen non si esauriva qui. Poco vicino alla Halle vi erano altri due punti di interesse: entrambi centri commerciali. Nei corridoi di questi erano stati allestiti: nel primo, il mercato dei collezionisti per la compra vendita e lo scambio tra amatori; nell'altro la simpatica esposizione Duckomenta della quale potete vedere alcuni quadri ed oggetti in questo sito.
Spostandosi un po' dal centro congressi e andando verso il centro cittadino, si incontravano numerosi punti di interesse fumettistico allestiti sulla strada. Considerato il fatto che la via centrale era pedonale e che portava ad una magnifica piazza, e che il tempo è stato splendido, è stato bello farsi una passeggiata per visitare le varie attrazioni dislocate qua e là lungo la via. Di sicuro le più interessanti erano: la mostra dedicata all'autore francese Pascal Rabaté e quella dell'autore austriaco Nicolas Mahler.
Infine, bella idea è stato organizzare un party per tutti i partecipanti alla manifestazione, autori compresi. Party che ha avuto luogo in uno dei locali della città sabato alle 20.30 e si è protratto fino alle prime ore della mattina. Io purtroppo non ho preso parte alla festa visto che ero stremato. Sabato mattina mi sono alzato alle 04.30 per arrivare presto ad Erlangen.

Detto questo, voglio puntualzzare che per essere la più grande mostra/mercato del fumetto di Germania, non si può assolutamente paragonare a Lucca. E' sicuramente una bella rassegna, ma mi aspettavo qualcosa in più da una manifestazione così importante.

Gli Autori

Se la manifestazione in sé non raggiunge come spessore e grandezza la nostra Lucca, di certo la presenza di molti autori di altissimo livello rende Erlangen altamente allettante per ogni appassionato di fumetti. Disegnatori del calibro di Manara, Gimenez, Chaykin, Lloyd, Caselli, Vivès, Fior, Gianfelice e tantissimi altri, la lista completa la potete vedere qui, erano presenti alla convention ed hanno passato quattro giorni a disegnare ininterrottamente per i propri lettori.Visto che, come ho detto, gran parte della fiera era concentrata nella Heinrich-Lades-Halle e, visto che gli autori erano tutti lì, non è stato difficile incontrarne molti ed avere il tempo di scambiare qualche parola con loro. Personalmente credo che l'esperienza più bella di questa mia "due giorni" sia stata proprio la possibilità di vedere all'opera numerosi disegnatori e l'aver potuto conoscerne alcuni un po' più da vicino. Non è la prima volta, ovviamente, che vedo un disegnatore lavorare dal vivo, eppure ogni volta è, per me, una grande emozione guardarlo disegnare e allo stesso tempo un grande mistero. E' incredibile come riescano, ognuno con il suo stile, ognuno con le sue peculiari caratteristiche grafiche, a combinare linee e punti su di un foglio bianco e dar vita ad un disegno. Ogni volta che vedo un fumettista iniziare un disegno rimango sempre affascinato da come riesce a trasformare dei segni che, apparentemente a prima vista sembrano tracciati casualmente sul foglio, in ciò che vuole, in quello che ha in mente in quel momento. Non capirò mai come riescano a farlo. Io sono una frana con la matita in mano, e forse è proprio questo mistero che mi affascina così tanto dei fumetti.
Ritornando agli autori di Erlangen, l'idea di presentarne così tanti in uno spazio tutto sommato contenuto, mi ha dato modo di parlare quasi con tutti. Voglio citare per primo Manuele Fior, artista eccezionale, del quale ho scoperto che non solo è un grande autore di fumetti, ma anche un ragazzo d'oro. E' stato così gentile da portarmi fino in Germania la guida alle sagre d'Italia delle Edizioni Zero da lui sapientemente illustrata, senza nemmeno che lo conoscessi di persona, visto che l'avevo contattato via email. Con lui ho parlato un po' delle sue opere e dei suoi progetti, ed è saltato fuori che sta lavorando ad un nuovo fumetto che vedrà coinvolti tre giovani le cui strade si incontreranno, si separeranno, si intrecceranno per poi ritrovarsi... e alla fine....beh, questo non me lo ha detto, ma mi ha promesso che il finale sarà a sorpresa...ed ha aggiunto, testuali parole, "sarà una gran sorpresa".
Ho scambiato due chiacchiere anche con gli altri italiani presenti, Davide Gianfelice ed Enea Riboldi. Il primo mi ha addirittura ringraziato dopo avermi fatto uno splendido disegno con dedica: un bellissimo Hellboy. Incredibile! Anche lui mi ha spiegato quali saranno le sue prossime fatiche che prevedono una sua presenza sulle testate Marvel, ed io gli auguro un grosso in bocca al lupo! Il secondo mi ha fatto fare parecchie risate raccontandomi la telefonata con quelli di ZACK, la rivista tedesca di fumetti che l'ha contattato per invitarlo ad Erlagen, visto che hanno pubblicato, in tedesco, il volume Cap Horn da lui disegnato. Infine non voglio dimenticare Thierry Gloris, sceneggiatore francese, veramente in gamba, che conoscevo grazie al Codex Angelique, fumetto da lui scritto. Anche lui è stato molto cordiale nel rispondere a tutte le mie domande di curioso lettore. Ovvio che qualche parola l'ho scambiata un po' con tutti, inglesi, americani, francesi, tedeschi e italiani, ma questi citati sono stati quelli con cui mi sono intrattenuto più a lungo. Ah, dimenticavo: palma d'oro della simpatia alla coppia di fumettisti Mamei e Ivo Kircheis, autori di svariati fumetti tedeschi, tra i quali: "Dave Grigger" (che qui potete sfogliare un po') e "Mr Rocket".

Eccovi una carrellata di foto degli autori presenti:


Uli Oesterle e il suo Hector Umbra	Milo Manara all'opera

Davide Gianfelice	David Lloyd

Enea Riboldi allo stand Zack (eh sì, Sarah voleva proprio un gabbiano!)	Emanuele Fior mentre disegna la sua Mademoiselle

Bastien Vivès e le sue donne acquatiche	Howard Chaykin che se non avesse fatto il disegnatore sarebbe stato uno straordinario showman per la tv!

Queste sono le mie considerazioni sul comic salon 2010 di Erlangen, chiunque sia incuriosito da quello che ho scritto e abbia deciso di andarci il prossimo anno, ricordo che nel 2011 la manifestazione si svolgerà a Monaco di Baviera, visto che fanno un anno a testa e che, per Erlangen, se ne riparlerà tra due anni.

Vi lascio con un'altra carrellata di foto, ma questa volta di cosplayers. Perché non li ho citati, ma ce n'erano parecchi ed alcuni anche particolarmente ben studiati!

Nuova serie per Sokal

2010-06-08T10:05:00.006+02:00

Benoît Sokal famosissimo autore belga, conosciuto per il suo inspecteur Canardo (ispettore Anatroni), del quale alcuni volumi sono usciti anche in Italia, e per i suoi meravigliosi video giochi: Syberia I e II e L'Amerzone, esperienze grafiche indimenticabili, ha in preparazione una nuova serie della quale il primo volume uscirà in settembre per l'editore Casterman. La serie si intitolerà Kraa (la valle perduta) e avraà come protagonista un'aquila, Kraa appunto, legata, da un vincolo sciamanico, ad un giovane indiano. I due avranno il compito di impedire l'invasione della loro valle da parte di uomini senza scrupoli spintisi fin lì per prelevare le risorse naturali che la valle cela nel suo sottosuolo. (fonte Wartmag)

Sono veramente un grande appassionato di tutte le opere di Sokal, dai fumetti ai videogiochi e, anche se dovrò aspettare settembre per leggere questa sua nuova opera, sono sicuro che l'aspetto grafico sarà come sempre formidabile.

Il Comic Salon di Erlangen, 14° edizione

2010-05-31T15:37:00.017+02:00

Erlangen è una cittadina dell'alta Baviera tedesca nella quale viene organizzato, ogni due anni, la più importante e grande mostra/mercato del fumetto dei paesi di lingua tedesca. Quest'anno il Comic Salon, così si chiama la manifestazione, si terrà dal 3 al 6 giugno. Lo scopo della manifestazione è semplicemente la diffusione dei fumetti sia come opere d'arte che come oggetto commerciale destinato al consumo di massa. Nella zona centrale della fiera, la Congress Centre Heinrich-Lades-Halle, saranno presenti ben 150 tra case editrici tedesche e internazionali, agenzie e rivenditori. Ovviamente tutti i maggiori autori tedeschi saranno della partita, ma tanti saranno anche gli ospiti internazionali. Tra i più famosi: gli italiani Milo Manara, Stefano Caselli, Davide Gianfelice e Manuele Fior, i francesi Bastien Vivés, François Boucq e Thierry Gloris e l'argentino Juan Gimenez. E quindi si prospettano lunghi file di sognanti collezionisti in smaniante attesa di una dedica. Il programma è ampio e vario e si compone di mostre (tra cui segnalo la divertente Duckomenta: Ducks are back), workshop, seminari, letture e ovviamente del concorso Max&Morris che nominerà i vincitori di quest'anno nelle categorie: "miglior striscia a fumetti", "miglio fumetto tedesco", "miglior fumetto internazionale" e "miglior fumetto per bambini".

Io sarò presente e, oltre a cercare di accaparrarmi qualche bella dedica per il blog, vi farò un resoconto dettagliato di questa manifestazione.

Visto che ci siamo, rimanendo sempre in Germania, vi segnalo un altro evento che si sta svolgendo al momento al museo ebraico di berlino: la mostra "Helden, Freaks und Superrabbis, die jüdische farbe des comics. (Eroi, Freaks e Superrabbini, la dimensione ebraica del fumetto). La mostra è iniziata lo scorso 30 aprile e andrà avanti fino all'8 agosto, quindi se quest'estate passate da Berlino, andate a darci un'occhiata. Anche di questa mostra presto farò un resoconto.

Altri film tratti da fumetti

2010-05-26T13:04:00.010+02:00

In preparazione, e presto nelle sale, altri film tratti da fumetti. Uno è basato sul personaggio della Bonelli Dylan Dog. L'indagatore dell'incubo sbarca oltre oceano, negli Stati Uniti, e grazie al regista Kevin Munroe arriva sul grande schermo. Nel film "Dead of Night", prima annunciato per lo scorso marzo, ora previsto per il 29 ottobre in Italia, non ci sarà il mitico aiutante di Dylan, Groucho, cosa che ha fatto storcere più di un naso. Attendendo di capire se le scelte di Munroe si riveleranno azzeccate, qui potete trovare alcune immagini tratte dal film. L'immagine qui sopra è il manifesto italiano del film, presentato proprio ieri. (fonte badtaste.it) Inoltre, qui potete trovare un'intervista al regista realizzata dalla redazione di everyeye.it.

Oltre al film basato sul fumetto italiano, altri due film, uno incentrato su un famosissimo personaggio delle bd francesi, Titeuf, e l'altro sull'americano Jonah Hex sono in corso d'opera e prossimi all'uscita nelle sale. Per il film di Titeuf, che racconta le vicende del ragazzino nato dalla matita di Zep, ci sarà da aspettare ancora un po'. La sua uscita è prevista per l'aprile del 2011 nelle sale francesi. Il film parlerà dei turbamenti adolescenziali di Titeuf alle prese con i grandi problemi della sua età. Nel caso specifico dei tormenti del nostro giovane eroe che non è stato invitato da Nadia, sua compagna di classe, alla festa per il suo compleanno. (fonte: Wartmag.com)

L'ultimo film, quello tratto dal comic Jonah Hex, ha dalla sua un cast davvero eccezionale. La storia narra del tenebroso Jonah Hex, interpretato da Josh Brolin, cacciatore di taglie particolarmente abile che ha la capacità di scovare chiunque e della sua caccia al terrorista Quentin Turnbull (John Malkovich). Hex ha un passato oscuro e turbolento, ha rischiato la morte e vive a metà tra il nostro mondo e l'aldilà. A tenerlo ancora ancorato al mondo dei vivi è Leila, che nel film sarà la bellissima e sensuale Megan Fox, della quale è innamorato. L'uscita è prevista il 18 giugno nelle sale americane.

Gilbert Shelton firma per Gotham Library!

2010-05-18T20:53:00.010+02:00

E' con grande gioia che vi annuncio che alla nostra sezione di dediche, la Gotham Gallery (che vedete scorrere qui a fianco a sinistra), si è aggiunto un'opera di incredibile importanza. Gilbert Shelton, infatti, uno dei maggiori autori americani underground, ci ha dedicato i suoi Freak Brothers.

Gilbert Shelton è nato a Houston (Texas) e grazie ai suoi fumetti underground: The Fabulous Furry Freak Brothers, Fat Freddy's Cat, Wonder Wart-Hog e Not Quite Dead, è diventato famoso in tutto il mondo.

Ora anche noi di Gotham Library, grazie al nostro inviato a Parigi, abbiamo un suo disegno.

Grazie Shelton e un grazie anche a Pic, autore francese che collabora con lui, che ha voluto contribuire ad arricchire ancor più la nostra Gallery con una sua dedica. Entrambe le dediche le potete vedere sfogliando la Gallery.

Londra a Fumetti

2010-05-12T00:01:00.026+02:00

Ultimamente ho scritto poco e me ne dispiaccio, ma sono stato un po' impegnato, sia con il lavoro, sia per cercare di sviluppare ulteriormente il blog, e si sa, quando si ha che fare con codici vari, se non si è dei veri e propri esperti, si passano ore ed ore a capirne il funzionamento, ed inoltre ci sono state le vacanze di Pasqua. Ora però penso di riuscire a scrivere un po' più spesso iniziando con questo post che è proprio frutto delle mie vacanze pasquali che mi hanno visto volare in quella magnifica città che è Londra. Ho deciso infatti di stilare una guida ai negozi di fumetti londinesi. Questo post sarà il primo di una lunga serie di recensioni alle fumetterie di varie città italiane ed europee. Quindi buona lettura sperando che in qualche modo possa esservi utile.

Il quartiere dei Fumetti

Vi è una zona, al centro di Londra che oserei definire il quartiere dei fumetti. Il nome non inganni, non è un quartiere dedicato interamente ai fumetti, ma un quadrilatero formato da alcune strade del centro di Londra dove si trovano molti negozi interessanti per gli amanti dei comics, di cui almeno due imperdibili. Sto parlando di un fazzoletto di Londra compreso tra le strade di Charing Cross Road, Great Russel Street, Shaftesbury Ave e Bloomsbury Street dove incomincerà il nostro viaggio per la Londra dei fumetti.

Il nostro tour può iniziare da vari punti, visto che il quartiere dei fumetti è proprio nella zona centrale della magnifica città britannica. Ad esempio, dopo una bella ed intensa visita al British Museum, uscendo ci si trova su Great Russel Street al cui numero 39 (quasi di fronte al British) si trova Gosh, una delle nostre tappe. Oppure si può scendere con la metro a Leicester Square, prendere per Charing Cross, direzione Totthenam Court road, e visitare le sue numerose librerie e le loro sezioni di fumetti, fino ad incotrare Great Russel Street. O ancora, e questo sarà il giro che illustrerò qui, potete partire da Picadilly Circus e imboccare Shaftesbury Ave che vi porterà direttamente all'interno del quartiere dei fumetti.

Una volta presa Shaftesbury Ave e lasciata alle spalle Piccadilly, basta continuare dritti fino ad arrivare al numero 179 della via, sede del bellissimo e grandissimo Forbidden Planet, nostra prima tappa.

Forbidden Planet

179 Shaftesbury Avenue
London
WC2H 8JR

Orario di apertura:

Lun - Merc 10:00 - 19:00
Giovedì 10:00 - 20:00
Venerdì 10:00 - 19:30
Sabato 10:00 - 20:00
Domenica 12:00 - 18:00

Arrivati al numero 179 di Shaftesbury Ave ci si trova difronte due enormi vetrine arredate da fumetti messi in bella mostra, statue di supereroi, maschere e busti di personaggi dei fumetti, dei film o delle serie televisive, magliette, e oggettistica varia. Sopra le vetrine campeggia una grande insegna metallizzata con il nome del negozio: Forbidden Planet. Già le vetrine da sole fanno venire l'acquolina in bocca. Se dall'esterno il negozio si presenta invitante e imponente, lasciando immaginare ed intuire quello che ci aspetta, dentro non è da meno. Preciso subito che non ritengo Forbidden Planet il miglior negozio di fumetti di Londra, me ne piacciono alcuni più piccoli e meno sgargianti, ma se andate a Londra e siete amanti dei comics, non potete perdervelo, vi stupirà! Come dicevo, l'interno del negozio è altrettanto sorprendente quanto l'esterno (qualche volta sembra proprio che l'abito faccia il monaco!) e varcata la soglia ci si trova dentro ad un ambiente particolarmente ampio, ma non molto spazioso, data la quantità di scaffali ed espositori distribuiti sull'intero piano. Appena entrati, subito sulla sinistra, un'alta vetrina, interamente dedicata alle action figures, si staglia fino al soffitto. Sono moltissime le statuette dei supereroi e di altri personaggi dei fumetti, cartoni, serie tv e film contenute nella vetrina. Lo spazio del piano è delimitato da tutti gli espositori e dai vari scaffali che sono disposti in modo tale da formare tutta una serie di corridoi e corridoietti che si intersecano tra di loro e nei quali ci si aggira sempre con il timore di non riuscire a vedere tutto, tanta è la merce esposta. Tra questi corridoi gli amanti dei gadgets, dei giochi, delle spillette, magliette, posters, e chi più ne ha più ne metta, non rimarranno certo delusi. L'intero piano, infatti, è riservato ad ogni tipo di oggetto ispirato da fumetti e company, e tanti sono gli oggetti dedicati anche ai cartoni animati, ai film di culto e alle serie tv. Anche coloro che non sono dei veri e propri appassionati di fumetti troveranno sicuramente questa sezione del negozio interessante e saranno presi dalla smania di curiosare qua e là finendo, senz'alcun dubbio, per trovare qualcosa di loro gradimento. Poco dopo l’entrata, alla fine del lungo bancone delle casse (sulla destra), c’è una scala che scende al secondo piano, quello riservato ai fumetti. Il piano sotterraneo è altrettanto grande, se non più grande, del primo. Appena finite le scale ci si ritrova in una specie di piccola stanza con ingresso sul resto del piano. Ai muri della stanza si trovano una serie di librerie molto alte i cui scaffali non hanno, praticamente, spazi vuoti. Le prime librerie presentano quelle che sono le novità, la classifica dei fumetti più venduti, i fumetti consigliati da Forbidden Planet e la sezione delle offerte speciali. Lasciando la stanzetta ed entrando nel piano vero e proprio ci si accorge di quanto sia ampio. Una stanza rettangolare molto lunga, come un ampio corridoio, ci accoglie con le sue librerie. Non sono solo le pareti ad ospitare questi capienti scaffali, ma anche al centro della stanza, in posizione parallela alle pareti, ne sono stati posizionati alcuni. Il tutto per utilizzare al meglio gli spazi e per creare due corridoi tra le librerie che facilitano la ricerca dei volumi. Questa sezione è dedicata in parte ai fumetti delle case editrici americane, in parte alle graphic novels. Gli albi sono ordinati o per serie o per autore. La politica del negozio, per quanto riguarda le serie, è di non tenere gli arretrati, quindi ci sono solo i numeri più recenti. Diverso discorso per le graphic novels delle quali è più facile trovare volumi non recentissimi. La quantità di fumetti è sicuramente notevole, ma se si è in cerca di qualcosa di molto particolare o edito da qualche marchio indipendente, forse non è il posto più adeguato. Il lungo corridoio/stanza è intersecato sul finire, a mo di croce, da un altro corridoio, questa volta più stretto, che incontra il precedente in senso orizzontale. Questo corridoio conduce a quattro stanze. Due si trovano alla fine di ogni lato, le altre due sono posizionate tra queste, ma tutte e due dalla stessa parte. Una di queste stanze, la più grande è interamente dedicata ai manga, mentre le altre ai dvd di film, serie tv o cartoni animati spesso tratti da fumetti, ai libri sci-fi, fantasy o dell’orrore, ai giochi di ruolo e alla letteratura e fumetto erotico. C’è anche una sezione di libri per l’infanzia. Insomma uno dei negozi di fumetti più grandi che abbia mai visitato, se non il più grande e che merita di essere inserito nelle tappe delle vostre gite a Londra.

The Mighty World of Comicana

237 Shaftesbury Avenue
London
WC2H 8EH

Tornati su Shaftesbury Ave bastano pochi passi per arrivare alla seconda tappa di questo tour: il Mighty World of Comicana. Situato su Shaftesbury Ave al numero 237 è facilissimo da raggiungere una volta usciti da Forbidden Planet. Superate l'incrocio che si trova proprio di fronte al negozio (attenzione che gli inglesi guidano dal lato sbagliato della strada :) ) ed imboccate per Bloomsbury str. (in effetti la strada si chiama ancora Shaftesbury in quel punto, ma ho preferito scrivere Bloomsbury str. perché così è più facile capire che via prendere). Dimenticate tutto quello che avete visto finora perché Comicana è un negozio completamente diverso dal precedente. L'offerta del Comicana è principalmente, per non dire esclusivamente, di serie americane dei supereroi e di tutti gli albetti correlati, insomma sopprattutto Marvel e DC, ma anche le altre case editrici. Per me che non sono un grande appassionato di super-eroi americani, spesso, nel mio giro fumetti londinesi, salto questa tappa, ma per chi ama il genere, è altamente indicata. Entrando nel negozio ci si accorge subito della differenza con Forbidden Planet. Il locale è abbastanza buio e costituito da un unico ambiente non troppo grande: una stanza quadrata che ha, in un piccolo corridoietto, la sua appendice.Alle pareti non ci sono le alte librerie piene di fumetti a cui ci aveva abituati forbidden (una libreria è posta ad un lato della stanza e serve più che altro ad esporre le copertine delle ultime novità) ma la stanza è allestita da grossi scatoloni di cartone, sostenuti da cavalletti che poggiano direttamente sul pavimento, collocati al centro della stanza e ai suoi lati. I volumetti sono tutti disposti con cura ed in perfetto ordine (la divisione è fatta per serie) all'interno degli scatoloni. Alcuni sono appesi alle pareti dentro alle loro bustine di plastica. Ovviamente i numeri più recenti sono tutti presenti, ma sfogliando e scartabellando tra le scatole, ci si accorge che gli arretrati sono parecchi. Quindi se vi manca qualche numero delle vostre serie americane preferite, fate un salto qui e probabilmente ne uscirete soddisfatti.

Gosh

39 Great Russell Street
London
WC1B 3NZ

Orario di apertura:

Lun - Merc 10:00 - 18:00
Gio - Ven 10:00 - 17:00
Sab - Dom 10:00 - 18:00

Per raggiungere la terza tappa continuate per Bloomsbuty Street fino all'incrocio con Great Russel Street, la via che, oltre ad ospitare il meraviglioso e dispersivo British Museum, annovera tra le sue attrazioni anche quello che io ritengo il miglior negozio di fumetti di Londra: Gosh. Ora, Gosh non si presenta certo come Forbidden Planet, ed anzi è abbastanza piccolo se lo si paragona a quell'immensità che è Forbidden, anche se non lo definirei un buco visto che comunque è distribuito su due piani. Le sue proporzioni relativamente ridotte non devono però trarre in inganno visto che non tolgono nulla alla sua bellezza e accuratezza. Appena entrati ci si trova in un piccolo locale costituito da un'unica stanza dove a sinistra si trova la cassa e alle altre pareti alte librerie dove, in gran ordine, sono posizionati i fumetti. Quello che mi piace di questo posto è che vi si respira un'aria di attenzione ai particolari, di precisione nella cura e nell'importanza data ai fumetti, di grande rispetto per le opere vendute, anche per quelle meno conosciute, e i commessi (proprietari?) sono sicuramente degli esperti in materia di comics. Inoltre lo ritengo il negozio più fornito di graphic novel di Londra, visto che ha certamente un'ampia scelta e spesso vi ho trovato volumi che non avevo trovato negli altri negozi. Nella prima stanza si trovano in bella mostra numerosi fumetti, le novità, gli albi consigliati, ma soprattutto graphic novel di autori americani o inglesi. Un cosa simile ad un corto corridoietto porta ad una scala a chiocciola di metallo che scende nella seconda stanza. Nel piccolo corridoio ci sono sempre librerie con oltre ad altri fumetti, libri per bambini. Scesi al piano di sotto ci si accorge che la stanza qui è un po' più grande della prima e divisa in due sezioni. Una, la prima, offre una scelta di fumetti stranieri tradotti in inglese. La scelta è ampia e notevole. Si va dai manga, non molti in effetti, la loro sezione è abbastanza piccola, ai fumetti francesi, passando per gli autori spagnoli, sudamericani e dell'est Europa. Ci sono anche alcune cose di autori italiani, ovviamente i più famosi: Hugo Pratt, Gipi, Manara, ho trovato anche Skydoll di Barbuci e Canepa. Non credo che nussun'altra fumetteria di Londra abbia una scelta così ampia di fumetti italiani e stranieri. Nella seconda sezione vi sono le solite “scatole” tipiche per organizzare e contenere gli albetti americani. Ad essere sincero non so quanto valga questa sezione, perché come già detto non mi interesso molto a questo genere di fumetti, ma credo che sia valida, anche se mi sembra che Forbidden Planet e lo stesso Comicana siano più forniti sotto questo aspetto. La particolarità di questo negozio è che vende anche pubblicazioni di case editrici indipendenti spesso sconosciute ed introvabili negli altri negozio, e fanzine di ottima fattura.

Charing Cross, la via delle librerie di Londra.

Il giro nel quartiere dei fumetti non è ancora finito. Il grosso è fatto ed i migliori negozi visitati, ma c'è ancora qualcosa da vedere, sennò, se fosse tutto qui, perché chiamarlo quartiere. Quindi se non ne avete ancora abbastanza e siete ancora in cerca di qualche volume, andate su Charing Cross Street, l'ultima via del quartiere dei fumetti. Usciti da Gosh prendete Great Russel Street a sinistra, fino a raggiungere Tottenham Court Road, poi girate nuovamente a sinistra su Tottenham Court e procedete fino a che la via non prende il nome di Charing Cross. Una volta, proprio all'inizio di Charing Cross, c'era un ottimo negozio di fumetti l' Orbital che ora si è spostato (ne parlerò dopo) perché il palazzo dove si trovava è stato acquistato dalla città di Londra per smantellarlo e fare alcuni lavori sulla strada. Da sempre Charing Cross è considerata la via delle librerie di Londra e, nonostante la recente chiusura di alcuni buoni negozi di libri come il Murder one (negozio specializzato in gialli e libri sul crimine) e la conseguente diminuzione della presenza di librerie nella via, è ancor oggi considerata tale. Sono ancora tante le librerie presenti sulla via: Borders (al numero 120) Foyles (n. 113-119 proprio davanti a Borders) Blackwell (n. 100) e molte altre più piccole. Queste tre librerie molto grandi hanno tutte il loro reparto di fumetti. Già soltanto per la loro ottima quantità e qualità di libri meritano una visita, ma se proprio siete interessati solo ai fumetti, allora non perdetevi il reparto di Foyles, sicuramente il migliore delle varie librerie della strada. Non è certo paragonabile ad uno dei negozi visitati precedentemente, ma ha un sacco di cose interessanti, ma solo graphic novels.

Il giro per il quartiere dei fumetti di Londra sarebbe, a questo punto finito, ma non lontano da Charing Cross c'è un altro negozio che gli amanti di Hergé e del suo personaggio più famoso, Tin Tin, non possono assolutamente perdere.

The Tintin Shop

34 Floral Street
London
WC2E 9DJ

Orario di apertura:

Lun - Ven 10:00 - 17:30
Sabato 10:30 - 18:00
Domenica 12:00 - 16:00

Procedendo su Charing Cross si incontra una via, sul lato sinistro della strada, che si chiama Long Acre. Prendetela fino a raggiungere Banbury Ct (sul lato destro), percorrete tutta Banbuty che è solo una viuzza molto corta e stretta e giungerete su Floral Street. Se girate a sinistra dopo pochi passi, al numero 34 della via, troverete il negozio dedicato interamente a Tintin.
Il negozio è abbastanza piccolo, ma molto simpatico. L'ingresso, tutto dipinto di blu, con una bella vetrina attraverso la quale si riesce a vedere tutto l'interno dove l'occhio cade inevitabilmente sul gigantesco missile bianco e rosso di “Obiettivo Luna”, stimola la curiosità di molti passanti. Al suo interno il negozio è veramente ben arredato, con teche in legno alle pareti dove sono messe in bella mostra varie edizioni di tutti i volumi di Tintin, in inglese ed in francese, o dove sono esposte numerose magliette dei personaggi del fumetto di Hergé. Delle gigantografie delle copertine degli albi sono appese qua e là sui muri, fornendo all'ambiente un certo effetto. Il bancone al centro del negozio, sul quale poggia il modellino del missile lunare (c'è anche in dimensioni più piccole), così come una una vetrina posta al lato, contengono una varietà impressionante di modellini e oggettistica su Tintin. Non manca nemmeno il Milù di peluche in varie forme e dimensioni. Purtroppo, benché molto belli, tutti questi oggetti, dalle cartoline ai poster, dai calendari ai taccuini, dagli orologi alle penne, dalle borse alle tazze, dalle statuette dei personaggi ai modellini delle macchine etc.. ,così come spesso accade quando si parla del marchi Tintin, sono molto cari.

Come primo giro per la Londra dei fumetti credo che sia sufficiente, ma i negozi da visitare non sono certo finiti qui. Quindi se non siete ancora stufi o sazio, continuate a leggere.... e a camminare! ;)

Gli altri negozi

Camden Town e il suo Mega City Comics

18 Inverness Street
London
NW1 7HJ

Orario di apertura:

Lun - Merc 10:00 - 18:00
Gio - Ven 10:00 - 17:00
Sab - Dom 10:00 - 18:00

Qualsiasi guida turistica di Londra che si rispetti dedica un po' di spazio a parlare del famoso Camden Market il mercato di Camden Town. Nato da un piccolo gruppo di bancarelle di artigianato, adesso il Camden Market è il più grande mercatino di Londra e uno dei più grandi d'Europa, inserendosi di diritto tra le attrazioni turistiche della città inglese. Forse anche troppo attraente, visto che le lingue più parlate al Camden Market sono l'italiano e lo spagnolo. Al mercatino di Camden si può trovare un po' di tutto, vestiti di tutti i generi (nuovi, usati, moderni, vintage, gothic, western etc..), mobili antichi, giocattoli, gioielli, magliette, souvenir, artigianato, poster, quadri, prodotti etnici, oggetti d'arte etc... E' divertente girare per le bancarelle, sia quelle all'aperto che quelle al chiuso, vagando senza pensieri, e lasciandosi trasportare dal fermento e dall'energia del luogo. Molto bello e interessante lo spiazzo riservato alla cucina etnica. Uno spiazzale contenente molti stand che servono piatti tipici di diversi paesi, cucinati direttamente davanti a voi. Troverete sicuramente informazioni più dettagliate a tal proposito in una delle tante guide di Londra. Quello che però quasi nessuna guida vi dirà è che una volta che siete usciti alla fermata della metropolitana Camden Town vi bastano pochi passi per raggiungere un negozio di fumetti veramente bello e professionale: il Mega City Comics.
Situato al 18 di Inverness street, ad un centinaio metri dalla fermata della metro Camden Town (vi basta girare a destra usciti dalla metropolitana e poi prendere la prima strada a sinistra che trovate), Mega City Comics è un negozio che ha molto da offrire ai suoi clienti. Il negozio è costituito da un'unica stanza rettangolare abbastanza larga al cui centro è stato posizionato un lungo bancone che fa da spartiacque tra la zona destra e quella sinistra del negozio, così da costituire due corridoi. Sul bancone centrale poggiano, divisi per categorie e numeri, i volumetti delle serie americane. La scelta è ampia e notevole. Alle pareti alcune librerie fanno da cornice alle numerose graphic novel che, a differenza di tutti gli altri negozi, sono disposte spesso in modo che la copertina sia visibile, cosa che rende più facile trovare i fumetti ricercati e aiuta anche a scoprirne di nuovi. Inoltre tutti i volumi sono contenuti nella loro busta di plastica e per poterli consultare bisogna chiedere ai commessi. Per completare una buona collezione di gadgets, posters e magliette fa da corredo a tutto il resto. Insomma un negozio che non vi lascerà delusi.

Orbital Comics

8 Great Newport Street
London
WC2H 7JA

Orario di apertura:

Lun/Merc - Ven/Sab 10:30 - 19:00
Gio 10:30 - 19:30
Dom 11:30 - 17:00

Collocato su Great Newport Street, una traversa di Charing Cross e vicino alla fermata della metro di Leicester Square, quindi non troppo lontana da quella che ho definito il quartiere dei fumetti, si trova l'Orbital Comics. Ad essere sincero non sono rimasto molto entusiasmato da questo negozio. Credo che quello che non mi sia piaciuto è la disposizione degli scaffali e l'utilizzo degli spazi. Il negozio è una sorta di corridoio lungo che verso la fine si allarga in uno stanzone rettangolare. Nella prima parte del corridoio sono collocati su scaffali le novità dei fumetti americani e dei manga, su altri i fumetti indipendenti e le graphic novels, alcune delle quali sono disposte in maniera elegante su di un tavolinetto basso. Al centro della stanza grande sono posizionati i classici scatoloni contenenti una quantità davvero enorme di albetti americani. Inoltre alle pareti fanno capolino altre graphic novels, manga e una serie di poster e chincaglierie varie. La sensazione, nonostante il numero di fumetti in vendita sia davvero notevole, è di uno spazio troppo grande e non adeguatamente gestito, quasi spoglio. A onor del vero credo che per chi sia in cerca di fumetti dei suoereroi americani questo posto non è niente male, ma per me che cerco altro non è il massimo. Posso però spezzare una lancia in suo favore per un reparto che non si trova in nessun altro negozio di Londra, ovvero la gallerie espositiva. Infatti accanto alla stanza grande rettangolare si trova un'altra stanzetta, più piccola, sempre rettangolare alla quale si accede da un'entrata nella parete sinistra. In questa stanza vengono allestite mostre di autori vari. Una bella idea!

30th Century Comics.

18 Lower Richmond Road,
Putney, London,
SW15 1JP

Orario di apertura:

Lun/Merc e Sab 10:30 - 18:00
Gio-Ven 10:30 - 19:00
Dom 11:00 - 17:00

Un'altro negozio specializzato solo nelle serie americane di supereroi, del tutto simile al Comicana. Composto da un'unica stanza dove sono ammassati scatoloni e scatoloni di albetti DC, Marvel e delle case minori. Alle pareti le novità. Se siete in zona merita una visita, altrimenti, visto che è lontano dagli altri, potete lasciar perdere, anche perché si trova in un posto abbastanza decentrato e di scarso interesse turistico.

Per la prima volta in Italia il Comics Day!

2010-05-08T11:52:00.010+02:00

Quest'anno in Italia si farà per la prima volta il Comics Day, un evento che ha lo scopo principale di promuovere e far conoscere il fumetto ed i suoi derivati in tutta Italia. Come si può leggere dal sito dedicato alla manifestazione, il Comics Day è fissato per Venerdì 21 maggio (ma alcuni dei partecipanti lo estenderanno al 22 e 23 per raggiungere un pubblico maggiore nel fine settimana) e ci saranno manifestazioni, mostre, incontri con autori, proiezioni, distribuzione di albi, in tutte le regioni d’Italia (per sapere con esattezza dove, basta cliccare sulla mappa dell'Italia presente nel sito, verranno mostrate informazioni su tutti gli eventi programmati). E’ la prima volta che in Italia si mobilita tutto il mondo del fumetto, e già il fatto che si voglia mostrare a tutti quanto la letteratura disegnata sia viva e seguita in Italia non è cosa da poco, visti i pregiudizi a cui è ancora soggetto il medium fumetto.
Ma andiamo con ordine. E' già da un paio d'anni che si parla del Comics Day (i più informati sanno che ci si pensava già da Lucca 2008), e a Lucca 2009 c'è stata una prima concretizzazione col workshop "La carica dei 101", in cui centouno autori si sono riuniti per creare un'opera collettiva, cioè una storia scritta da Moreno Burattini e disegnata da 101 autori. Si voleva realizzare qualcosa che desse l'idea di un'unione del mondo italiano del fumetto, allo stesso tempo cogliendo l'occasione per aiutare la ricerca: le tavole originali sono state vendute ad un prezzo fisso (70 euro a prescindere dall'autore) ed il ricavato è andato a Telethon (che ha gestito direttamente la procedura di vendita). Ora il volume contenete questa storia sarà inserito nel catalogo del comics day e distribuito ai partecipanti all'evento.
Dopo Lucca 2009, si è parlato nuovamente del Comics Day solo negli ultimi mesi, e sono sorte alcune polemiche riguardanti la sua organizzazione. Fra i partecipanti a La Carica dei 101, data la finalità di raccolta fondi dell'evento, si sono sollevate proteste riguardo la mancata messa in vendita delle tavole e del volume contenete la storia realizzata a Lucca, ed è seguita una risposta da parte Lucca Comics&Games con un comunicato stampa (il tutto è riassunto in questo articolo di afnews). Inoltre, almeno in un primo momento, non c'è stata chiarezza riguardo la composizione del comitato organizzatore, il finanziamento pubblico ottenuto ed il suo utlizzo, e sulla scelta della data (il venerdì ha lasciato alcune perplessità), senza contare che a fumetterie, case editrici e scuole del fumetto sono rimaste solo pche settimane per organizzare qualcosa, un tempo oggettivamente scarso per la realizzazione di un buon evento (in questo e quest'altro articolo di Alessandro Bottero, direttore di Fumetto d'Autore, si può trovare una discussione approfondita su questi ed altri problemi, mentre qua, all'interno di una discussione sul forum di Comicus, ci sono alcune risposte a queste polemiche da parte di uno degli organizzatori). Il comitato organizzatore, in effetti, si occuperà esclusivamente di comunicazione (ovvero far sapere del Comics Day a più gente possibile) e dell'evento di Lucca, mentre l'organizzazione dei singoli eventi è lasciata interamente alle realtà locali, che, dovendo inviare il modulo di adesione al Comics Day entro il 30 aprile, si sono dovute mobilitare nell'arco di poche settimane per organizzare qualcosa.
A seguito delle scelte organizzative fatte e dei problemi sorti (soprattutto i tempi ristretti) alcuni soggetti, come ad esempio A.Fu.I. (l'associazione delle fumetterie italiane) e la Cagliostro E-press hanno scelto di non partecipare, augurando comunque una buona riuscita dell'evento ed offrendo la massima disponibilità per un eventuale prossima edizione del Comics Day.

C'è da dire che da parte del comitato organizzatore c'è stata effettivamente poca chiarezza e carenza di comunicazione: sarebbe bastato un comunicato stampa che spiegasse i perchè delle scelte fatte e l'ammontare dei finanziamenti pubblici per evitare buona parte delle polemiche sorte. Detto questo, l'idea del Comics Day è comunque un'ottima idea: leggo fumetti da parecchi anni ed è la prima volta che in Italia si organizza qualcosa del genere ed andare sul sito del comics Day e poter cliccare su quasi tutte le regioni della mappa dell'Italia vedendo che si fa qualcosa un pò dappertutto è comunque un piacere. Da segnalare l'idea (su iniziativa di Paolo Accolti Gil, titolare della fumetteria e casa editrice Italy Comics) di spostare il Free Comic Book Day al 22 e 23 maggio, in modo da sostenere il Comics Day dando la possibilità, a chi non ha avuto il tempo materiale per organizzare qualcosa, di aderire al FCBD (in cui si distribuiranno albi grtuiti) e segnalarlo come evento del CD. I due eventi (FCBD e CD) rimarranno separati, ma in questo modo si sosterrannno a vicenda: gli aderenti al FCBD in quelle date avranno un evento con cui aderire al CD, che a sua volta dovrebbe fornire un'adeguata campagna promozionale al tutto, che è proprio quello di cui si avrebbe bisogno (sono tre anni che quelli di Italy Comics cercano di organizzare un'edizione italiana del FCBD, ma se ne sa poco).

In ogni caso, quello che sicuramente auspicano un pò tutti, è che il Comics Day abbia successo: nonostante i problemi organizzativi e le polemiche sorte, è la prima volta che viene realzizzato, perciò si spera che il tutto possa ripetersi nei prossimi anni e migliorare. Dopotutto, lo scopo ultimo è unire il mondo del fumetto italiano e far conoscere un pò di più la letteratura disegnata e tutto quello che c'è dietro. Ora non resta che aspettare il 21 - 23 maggio e vedere un pò cosa succederà. Buon Comics Day a tutti.

Impressioni dal Napoli Comicon

2010-05-05T23:16:00.041+02:00

Ormai la dodicesima edizione del Napoli Comicon è stata archiviata e in giro per il web impazzano i commenti, da quelli entusiastici dell’organizzazione a quelli di chi, per un motivo o per un altro è rimasto più o meno perplesso dai cambiamenti apportati in quest’ultima edizione rispetto alle precedenti (potete leggerne alcuni esempi qui e qui)
Personalmente sono stato al Comicon tutti e tre i giorni: venerdì pomeriggio e sabato al Castello e domenica mattina alla Mostra D’Oltremare.
La “scissione” delle location ha sicuramente dato uno degli effetti sperati, specialmente al castello: gente c’era ma non troppa (per la verità venerdì molto poca), quindi niente file esorbitanti per entrare o ressa davanti agli stand, spazi molto ampi e fruibili, e possibilità di visitare con calma le numerose mostre allestite, una su tutte quella di tavole originali di Spirit, il celebre fumetto di Will Eisner.
Autori presenti tanti, e tutti di assoluto prestigio (ricordo, fra tutti, Milo Manara, Riccardo Burchielli, Lee Bermejo, Baru, Gilbert Hernandez...) e, proprio grazie alla tranquillità cui accennavo prima, è stato possibile incontrare molti di loro, fare domande riguardo al loro lavoro e anche ai loro progetti futuri.
L’area autografi poteva forse essere sistemata meglio, visti gli spazi a disposizione, e non relegata in un corridoio dove spesso le persone in fila bloccavano il percorso per quanti erano di passaggio, ma penso che per la prossima edizione si penserà a qualcosa per migliorare anche questo aspetto.
Tante le novità editoriali proposte.
Oltre ai volumi della Coconino, quello che mi è sembrato più interessante è il progetto della Tunuè intitolato “Napoli Sguardi d’Autore”: quattro autori francesi, Bastie Vives, Alfred, Anne Simon e Mathieu Sapin (tutti presenti alla fiera) hanno trascorso due mesi nella città partenopea a spese del Comicon; dal loro soggiorno è nato il volume, in cui hanno cercato di dare forma a impressioni, umori, e sensazioni che la città ha saputo loro trasmettere.

Insomma, per me che vado a fiere come queste soprattutto per vedere le novità proposte dalle case editrici e per incontrare gli autori, è stata senza dubbio un’ edizione bellissima e che ha soddisfatto appieno le mie aspettative.
Ma le perplessità che avevo espresso nel mio precedente post circa la separazione delle due sedi, sono rimaste tutte.
Cercherò di spiegarmi brevemente.
Benchè io sia andato ad Oltremare ed al castello in giorni differenti, ho saputo che per spostarsi tra le due sedi con i mezzi pubblici erano necessari circa 40 minuti (se non di più), e non è un tempo così irrisorio per chi è andato magari solo per un giorno.
Ma quello che più mi ha colpito è stata la folla: a Oltremare c’era ed era allegra, colorata, fatta di ragazzi e soprattutto di Cosplayers; e per me di quella folla al castello (dove di gente sotto i vent’anni ne ho vista veramente poca) si sentiva la mancanza.
Ora, molti “puristi” storceranno il naso: quelli di fumetti non sanno niente, neanche li leggono, o se li leggono è solo per i manga, e poi fanno solo una gran confusione con quei costumoni ingombrati (non scherzo, discorsi del genere li ho sentiti).
Per me i due aspetti non vanno divisi, ma inglobati in un’unica grande realtà, anche perchè forse alcuni di quei ragazzi, al di là di manga o supereroi, non hanno avuto modo di conoscere altri generi di fumetto e fiere come questa possono valere da stimolo per avvicinare un pubblico nuovo e più giovane a tutte le realtà editoriali che ci sono in Italia.
Un’ultima perplessità: perchè, se Castel Sant’elmo era lo spazio destinato agli editori, Panini e Planeta sono state sistemate alla Mostra D’Oltremare? Non sono forse anche loro editori, oltre che distributori? Sinceramente non l’ho ben capito...o forse sì, ma meglio lasciar perdere...
Concludendo, manifestazione bella ed interessante, ma la separazione non mi ha covinto affatto.
Spero sia da considerare come l’inizio di una evoluzione che porterà tutto il Comicon alla Mostra D’Oltremare: lì di spazio ce n’è e in abbondanza per far contenti tutti!

Il Free Comic Book Day 2010

2010-04-27T11:35:00.025+02:00

Quest'anno, il primo maggio, si celebra, oltre alla festa dei lavoratori, il Free Comic Book Day! Che cos'è?! Direte voi... E', come si intuisce dal nome, il giorno in cui i fumetti sono gratuiti. Non giungete subito a conclusioni errate! Non è che si può entrare in un negozio di fumetti, prendere ciò che si vuole senza pagare e poi uscire come se niente fosse! No, non è così che funziona!

Cominciamo dall'inizio. Il Free Comic Book Day è stato indetto nel 2002 per la prima volta negli Stati Uniti. Si celebra il primo sabato di maggio di ogni anno, ormai da otto anni. L'idea è di divulgare il più possibile la cultura dei comics fornendone alcuni gratuitamente a chi ne fa richiesta. Insomma il FCBD è stato creato proprio per cercare di avvicinare il maggior numero possibile di lettori ai fumetti. Come detto non si può avere gratuitamente tutti i fumetti che si vogliono, ma ci sono delle regole precise. Ogni negozio che aderisce all'iniziativa ha le sue. Per prima cosa gli albi che vengono distribuiti gratuitamente sono solo alcuni. Vi è una lista che cambia da paese a paese, ad esempio eccovi quella americana e quella tedesca, come noterete i fascicoli sono appositamente ristampati per quest'occasione e in copertina è ben visibile la scritta del FCBD. Inoltre, come detto, ci sono alcune restrizioni applicate da negozio a negozio. E' ovvio che ogni fumetteria ha solo una certa quantità di fumetti gratuiti a disposizione e una volta finiti....beh, come sempre chi tardi arriva.... In aggiunta alcuni negozi impongono limiti al numero di fumetti gratuiti che ogni persona può prendere. Comunque viene garantito almeno un fumetto a persona fino all'esaurimento.

Partita dagli States, questa interessante e coinvolgente iniziativa sta ora raggiungendo anche l'Europa e l'Asia. Sono tanti i paesi che hanno aderito quest'anno al FCBD, tra cui alcuni con una partecipazione massiccia. In Europa molte città e negozi del Regno Unito forniranno free comics il primo di maggio, mentre in Germania stesso discorso ma in un giorno diverso, l'8. Buona partecipazione anche da parte di Grecia e Irlanda, mentre le altre nazioni europee, su tutti la Francia dalla quale mi aspettavo qualcosa in più vista la cultura fumettistica del paese, risultano ancora un po' timidi. Per quanto riguarda l'Italia, come spesso accade per manifestazioni di questo tipo, nulla da segnalare. Non solo nel nostro paese non si sa assolutamente niente di questo tipo di iniziativa, né di cosa sia il FCBD, ma nel FCBD Store Locator (internazionale), il motore di ricerca dei paesi e dei negozi che aderiscono al giorno dei fumetti gratuiti (dateci un'occhiata se volete sapere dove si "festeggia" il FCBD), viene segnalata solo Roma come città partecipante, ma vengono forniti due indirizzi di negozi che per quanto ne so io non sono negozi di fumetti. La faccenda è abbastanza deprimente.

Eccovi infine un video in cui Hugh Jackman, noto attore che ha interpretato la parte di Wolverine nei film degli X-men, parla del FCBD puntando l'accento sull'importanza dei fumetti come mezzo per combattere l'analfabetismo.

Fine Aprile all'insegna del Fumetto!

2010-04-24T00:10:00.028+02:00

Due fiere del fumetto si svolgeranno durante i prossimi fine settimana, assolutamente diverse fra loro, ma a loro modo entrambe di sicuro interesse; stiamo parlando di Lanciano Nel Fumetto, i prossimi 24 e 25 Aprile, e Napoli Comicon, che si terrà il 30 Aprile e il 1 e 2 Maggio.
Per quanto riguarda la fiera nella cittadina abruzzese, credo ormai possa essere ritenuta una consolidata realtà nell’ambito delle piccole fiere di settore (si è giunti infatti alla settima edizione) e, anche se quest’anno per problemi organizzativi, non si terrà il tradizionale concorso per giovani talenti, i promotori dell’evento sono riusciti a richiamare nomi di indiscusso prestigio, per garantire al pubblico presente l’opportunità di incontrarsi con autori del calibro di Maurizio Di Vincenzo (Dylan Dog), Giuseppe Barbati (Magico Vento), Marco Soldi (Julia), Leomacs, solo per citarne alcuni.
Guest Star d’eccezione l’americano Mike Plogg, creatore grafico del celebre personaggio Marvel Ghost Raider, che durante i pomeriggi di sabato e domenica sarà protagonista di due workshop aperti al pubblico.
Ma veniamo ora a quella che è considerata dai più la manifestazione legata al mondo del fumetto più importante e prestigiosa in Italia (dopo Lucca Comics and Games): Napoli Comicon.
Le novità di quest’anno, rispetto alle scorse edizioni, sono molte, a cominciare dalle sedi scelte per ospitare la kermesse. A causa dei problemi logistici dello scorso anno, dovuti essenzialmente all’enorme affluenza di pubblico, l’organizzazione ha deciso di “dividere” il salone in due differenti location.

Alla sede tradizionale di Castel Sant’Elmo, quest’anno si aggiungerà il complesso de La Mostra D’Oltremare.
Nel primo saranno ospitate le case editrici, collezionisti, antiquari, le principali mostre e si terranno gli incontri e le sessioni di autografi degli autori ospiti; mentre nel secondo saranno allestiti gli stand di fumetterie, case di distribuzione, negozi di gadgets, il palco per l’esibizione dei cosplay e il Gamecon (la parte del salone dedicata al gioco, che per la prima volta si svolgerà in contemporanea al Comicon).
Personalmente, la cosa mi ha da subito lasciato un po’ perplesso: capisco la volontà e assoluta necessità di trovare immediata soluzione ai problemi dell’anno scorso, ma il fatto di separare così nettamente le due aree non mi convince (tra l’altro, da quanto ho capito, le due sedi sono sì ben collegate, ma non proprio vicinissime, il che renderebbe difficile, per chi va un solo giorno, visitarle entrambe, nonostante il biglietto unico valido per le due aree).
Anche se a malincuore, perché il Castello è una location veramente sensazionale (credo che sia difficile trovare un’altra fiera del fumetto con una sede altrettanto suggestiva), forse avrei preferito che venisse trasferito il tutto alla Mostra D’Oltremare, che è un polo fieristico vero e proprio con tutte le attrezzature e gli spazi necessari, ma credo che un parere in tal merito potrò darlo solo dopo esser stato al Comicon.
Per il resto, quel che è certo è che gli autori che animeranno la tre giorni sono di assoluto prestgio. Ne cito solo alcuni: Milo Manara, Baru (vincitore quest’anno del Grand Prix di Angoulème)Philipe Druillet, Lee Bermelo, Giuseppe Palumbo, Tito Faraci, Carlos Trillo, Gilbert "Beto" Hernandez.
Ovviamente, parteciperanno tutte le principali case editrici italiane che presenteranno anteprime e un nutrito gruppo di ospiti, oltre a quelli del salone, solo in parte già menzionati.
Senza dimenticare che anche per i Cosplayers quest’anno a Napoli ci saranno grosse novità: gli iscritti al concorso avranno infatti la possibilità di essere scelti per partecipare all'Euro Cosplay Championship del prossimo 30 Ottobre a Londra.
Il Comicon coinvolgerà inoltre un po’ tutta la città con mostre ed eventi disseminati su tutto il territorio cittadino. Ricordo in particolare L’Audace Bonelli, la mostra dedicati agli eroi bonelliani allestita fino al prossimo 9 Maggio nei locali del PAN (Palazza delle Arti di Napoli).
Vi consiglio vivamente, se interessati, a visitare il sito della Manifestazione per scoprire meglio cosa vi aspetterà in questa tre giorni di fumetti e divertimento!

Nasce la GOTHAM GALLERY!

2010-04-12T23:06:00.019+02:00

E’ con un pizzico di orgoglio che vi annunciamo una piccola-grande novità del nostro blog: la Gotham Gallery!
Si tratta di uno spazio in cui pubblicheremo tutti gli sketches degli autori che intervisteremo, avremo modo di incontrare alle fiere o di loro iniziativa vorranno inviarci un disegno per contribuire ad ampliare la nostra galleria.
Sin da ora avete modo di ammirare il disegno mandatoci da Fred Vervisch, autore, tra le altre cose di HELL WEST, il fumetto che in questi mesi sta vedendo la luce grazie al progetto della Sandawe di cui vi abbiamo parlato qualche tempo fa; il mitico ULTRAPANDA di Giacomo Bevilacqua (non conoscete Panda? Vi consiglio di correre ai ripari!) ed infine il grande DON ZAUKER di Daniele Caluri con una “benedizione” speciale per tutti i nostri lettori, scritta di suo pugno da Emiliano Pagani.

La versione che vedete qui a sinistra è ancora provvisoria, ma presto verrà perfezionata, per cui non perdeteci di vista!

Un sincero grazie fin da ora a tutti gli autori che hanno contribuito e, speriamo numerosi, contribuiranno a rendere sempre più ricca e bella con la loro arte la nostra galleria!

Cronache di vita felina

2010-04-08T23:27:00.049+02:00

Una gatta, Esterina, il suo padrone, nonché autore del fumetto, Giacomo Nanni, e momenti di semplice vita quotidiana, tra uccelli, altri gatti, alberi e palazzi; questi sono gli ingredienti che costituiscono la trilogia di Cronachette pubblicata da Coconino Press tra il 2007 e il 2009.
C’è molto di autobiografico nei volumi, molte sensazioni, episodi vissuti dall’autore accanto alla sua gatta.
Cronachette è più un insieme di aneddoti, a volte scollegati fra loro, altre volte tenuti insieme a formare storie dal respiro più ampio, in cui la fanno da padrone i movimenti sinuosi della gatta e le sue frequenti “chiacchierate” con l’autore.
In Cronachette 2 si assiste alla nascita di Esterina, si conoscono quindi anche sua madre ed i fratellini, e al suo incontro con Giacomo, mentre in Cronachette 3 viene narrata la fine naturale della vicenda, accompagnati nel racconto dalla presenza di comprimari fondamentali, sempre dalle sembianze animali.
Ora, sarebbe lecito chiedersi, tutto qui?
Sì, tutto qui, perché il resto è veramente difficile da spiegare a parole.

E’ tutto molto semplice in cronachette, ma di quella semplicità che contribuisce a creare i capolavori.
A cominciare dal disegno di Nanni, essenziale, personalissimo, sempre in bianco e nero (solo le prime 40 pagine di Cronachette3 sono a colori) minimalista, ma al tempo stesso estremamente dettagliato nel raffigurare le espressioni, gli atteggiamenti, gli umori.
La griglia usata dall’autore, salvo rare eccezioni, è sempre uguale: sei vignette per pagina, tutte con le stesse dimensioni, ma è impressionante come uno schema così rigido venga usato e stravolto in modo del tutto originale. Esterina vi si muove, a volte si vede sparire e riapparire nell’inquadratura successiva, a volte sono le sei vignette a comporre, unite insieme, la figura dell’animale e l’ambiente in cui vive.
Lo spazio e il tempo sono rarefatti, dilatati, e il lettore continua incuriosito a sfogliare pagina su pagina, senza mai sapere cosa si troverà a guardare attraverso i suoi occhi e quelli di Esterina, a volte catapultato in situazioni surreali al limite del paradosso.
Assistiamo a momenti esilaranti, dialoghi fittizi tra animali o tra Esterina e Giacomo (un po’ alla Schulz maniera) pause fatte di silenzi e movimenti rarefatti in cui la protagonista sembra formare una uniforme macchia nera sul foglio bianco.
Leggendo cronachette si ride, si pensa, si riflette e si ha modo di fare una timida incursione nella vita e negli spazi dell’autore.
Nel terzo volume, forse il più completo dei tre ed il meglio strutturato, si parla anche di storia (della Rimini città natale di Giacomo) e di morte, ma sempre con un velo di ironia e leggerezza che sa tanto di poesia.

Non sono sicuro di esser riuscito, in questo breve paragrafo, a spiegare, almeno in parte, tutte le sensazioni che questo fumetto è stato capace di regalarmi.
Ma che altro dire?
Se mai avrò una gatta, la chiamerò Esterina!

Ultima cosa: le immagini che vedete sono tutte tratte dal blog di Giacomo Nanni.
Fateci un salto, ne troverete parecchie altre e riuscirete a farvi meglio un’idea dello stile unico e geniale di questo autore.

Acquista i volumi di cronachette su Libreriauniversitaria.it

Intervistando Aristide

2010-03-20T14:11:00.020+01:00

Dopo aver letto il libro Aristide broie du Noir e, dopo averne parlato su questo blog, ho deciso che volevo saperne di più. Per questo ho contattato personalmente gli autori via email, i quali sono stati così gentili da concedermi un'intervista. Non credo sia facile trovare persone così disponibili come lo sono state loro e per questo, vista la gentilezza e la pazienza con la quale hanno risposto alle mie domande, a loro vanno tutti i miei ringraziamenti. Ecco l'intervista che ho preparato per voi. Se volete potete scaricarla anche nella versione originale (francese), in formato pdf cliccando sul pulsante qui di fianco.

1) Io e i lettori del blog, vorremmo saperne un po' di più su di voi, quindi comincerei con qualche domanda personale. Quando avete cominciato a scrivere fumetti? Da dove deriva la vostra passione? C'è qualcuno in particolare che vi ha inspirato nello scegliere questa professione: la famiglia, gli amici, degli autori in particolare?

Séverine Gauthier - Fin da piccola, ho sempre voluto raccontare delle storie. Ho cominciato disegnando le mie storie, ma crescendo, mi sono concentrata esclusivamente sulla scrittura. Ho sempre letto parecchi libri di generi molto diversi, sia fumetti che romanzi. Ho un'immaginazione molto visiva e mi viene spontaneo visualizzare le mie storie in immagini. E' da quando ero piccola che ammiro gli autori dei libri per bambini come Roald Dahl che è, ancor oggi, il mio autore preferito. Dahl scriveva con una freschezza disarmante, con molto umorismo e allo stesso tempo in maniera molto poetica. Amo tutto quello che ha scritto, sia i libri per bambini che quelli per adulti. In seguito, crescendo, mi sono interessata alla poesia anglosassone per l'infanzia, e mi sono veramente appassionata alla prosa e alle poesie di Shel Silverstein. Mi piacciono molto anche i lavori di Tim Burton per la sensibilità e le emozioni che sa esprimere e nelle quali, alcune volte, mi ritrovo. Penso che nei miei lavori si possa vedere, senza alcun dubbio, la sua influenza.

Jérémie Almanza - Ho incominciato fin da giovane a fare fumetti, intorno agli 8 anni. A quell'età non facevo altro che cominciare dei fumetti, senza mai terminarli. Al massimo facevo 3 o 4 tavole delle quali mi disinteressavo in un attimo..... ed inoltre erano molto brutte ;)....davanti alle difficoltà ho preferito dedicarmi unicamente al disegno.

La mia passione per il fumetto risale ai primi fumetti che ho letto: ovviamente Tintin, Asterix e Spirou. L'album che, probabilmente, mi ha più colpito, e che mi ha maggiormente spinto a fare fumetti a quell'epoca, è stato il volume di Spirou intitolato « la vallé des bannis » di Tome e Janry... Dopo averlo letto ho compreso quello che mi piaceva veramente del fumetto, ed è a partir da quell'album che ho iniziato a costruire la mia propria cultura fumettistica.
Un po' più in là nel tempo, sono stati Nicolas de Crécy e Regis Loisel che mi hanno veramente trasmesso la voglia di fare il disegnatore.
E ancor dopo, Skydoll di Barbucci e Canepa!

2) Ora concentriamoci sulla principale ragione di questa intervista, Aristide. Come è nata l'idea di questo libro? E' una storia autobiografica, cioè c'è qualcosa di te e della tu infanzia nel personaggio di Aristide?

S.G. - La storia di Aristide non è autobiografica, ma c'è molto di me in questa storia, non fosse solo per la maniera in cui ho scelto di scriverla, in alessandrini. Il libro mi assomiglia, perché ci si può leggere una parte della mia personalità.

3) Aristide è un ragazzino che ha paura del buio, una paura tipica per i bambini della sua età. Qual è stata la paura più grande della vostra infanzia?

S.G. - Ero una bambina abbastanza paurosa e guardavo sempre sotto al letto prima di andare a dormire per verificare che non ci fossero mostri. L'ho fatto per tanti anni e credo che all'età di tredici anni guardassi ancora sotto il letto prima di mettermi a dormire, per una sorta di riflesso condizionato che mi rassicurava prima di prendere sonno. Paradossalmente amavo stare al buio, lo trovavo, e lo trovo ancora, riposante.

J.A. - Per quanto mi riguarda ho ancora la stessa paura del buio di quando ero bambino. Infatti mi addormento solo con la televisione accesa, metto dei cartoni animati durante la notte. Quando ero bambino la mia grande paura erano i fantasmi! Ero capace di rimanere per ore la notte a fissare la porta chiusa della mia stanza, per paura che, in ogni momento, potesse aprirsi da sola... mi ci voleva veramente molto tempo per addormentarmi, e alcune volte, non prendevo sonno fino alle 6 del mattino, in attesa che arrivassero le prime luci del giorno grazie alle quali riuscivo finalmente a dormire senza timori. Visto così potrei dire che ero molto simile ad Aristide!

4) Nel libro non si vedono mai i volti dei genitori di Aristide, perché questa scelta che mi ha un po' ricordato i cartoni animati di Tom e Jerry e chi tra di voi l'ha avuta?

S.G. - Abbiamo scelto insieme di focalizzare l'attenzione tutta su Aristide, che ogni cosa fosse visto attraverso i suoi occhi di bambino, dalla prospettiva di un ragazzino ancora piccolino anche di statura. Gli adulti della storia non sono molto importanti, è Aristide il centro della storia, sono le sue paure e le sue emozioni che devono essere percepite. Abbiamo provato a rimanere sempre focalizzati su di lui.

J.A. - Ho visto praticamente tutti i Tom e Jerry ed è vero che era molto intrigante quel modo di non mostrare mai i volti degli esseri umani. Ma l'idea di non mostrare mai i volti viene principalmente dal corto metraggio di Tim Burton: « Vincent ».. con Severine abbiamo pensato che era una buona idea che permetteva di accentuare la solitudine del personaggio. Ari è un ragazzino lasciato a sé stesso, e nemmeno gli adulti possono far nulla per aiutarlo!

5) I disegni di Jerimie Almanza mi piacciono tantissimo, secondo me si adattano perfettamente alla storia. Aristide è stato disegnato molto piccolo e il mondo intorno a lui è invece così grande, tutto sembra enorme paragonato a lui, a cominciare dal suo curioso cappello. Penso che sia una metafora magnifica della vita di un bambino e dei suoi sentimenti. Ogni cosa è così grande quando si è piccoli e tutto sembra irraggiungibile, una siffatta prospettiva non può che fare paura. Come vi siete conosciuti e come è cominciata la vostra collaborazione? Come è stato il vostro rapporto lavorativo, vi siete consultati frequentemente o avete lavorato individualmente? Come è nato il disegno di Aristide? Chi tra di voi ha avuto più influenza sulle scelte dell'altro?

S.G. - Avevo in testa la storia di Aristide da molto tempo e sapevo già l'atmosfera che volevo darle. Avevo voglia di provare a scriverla in alessandrini per darle un ritmo differente. Stavo cercando un disegnatore il cui lavoro trasmettesse un'emozione positiva. Navigando su internet sono « inciampata » per caso sui disegni di Jérémie. Ho capito subito, guardando i suoi disegni, che era perfetto per questa storia. Era come se l'avessi scritta per lui. Allora gli ho mandato un'e-mail spiegandogli chi ero e descrivendogli il progetto di “Aristide broie du noir”. Gli ho anche mandato un piccola parte del testo (avevo già iniziato a scrivere), affinché avesse un'idea dell'atmosfera e dell'ambientazione del progetto. Mi ha risposto subito dicendomi che era interessato alla cosa. Ci siamo incontrati poco dopo a Parigi e abbiamo avuto subito un'ottima intesa. Ci siamo lanciati e qualche mese più tardi, abbiamo presentato il progetto ad un editore. Il seguito lo conoscete....

J.A. - Penso, senza esagerazioni, che con Severine l'alchimia sia praticamente perfetta. Ci siamo da subito confidati tra di noi per sviluppare la storia, l'ambientazione e la parte grafica di Aristide. Dal primo momento abbiamo alternato le due cose, alcune volte ero lei a proporre le sue idee, altre ero io. Ci vedevamo per discutere l'evoluzione del progetto, io le mostravo i disegni, e lei mi dava i suoi pareri... dopo di che provavo, soltanto una volta, a rendere al meglio le idee che avevamo avuto discutendone. Per quanto riguarda le scelte, penso che Severine abbia avuto abbastanza influenza su di me, in particolare per quanto riguarda il personaggio di Aristide che io, all'inizio, avevo immaginato meno espressivo. Severine ha saputo far uscire il lato « cartonesco » che avevo dentro di me.

6) Puoi parlarci un po' del tuo metodo di disegno? Utilizzi molto il computer o preferisci disegnare su carta? Fai molti disegni di prova o pochi? Quando decidi che un disegno è finito?

Per Aristide ho cominciato subito a fare dei disegni su carta. In seguito li scannerizzavo e li coloravo con photoshop.... Quanto alle prove, ne ho fatte abbastanza, ma senza eccedere, è giusto mantenere un po' di spontaneità. Detto questo, per Ari, avevamo precedentemente fatto lo storyboard di tutto il libro! Quindi sapevo chiaramente come muovermi.

In quanto a decidere quando un disegno è pronto, di solito succede quando non ce la faccio più a lavorarci sopra e reputo che sia sufficientemente riuscito... Non consegnerei mai un disegno che considero sbagliato o imperfetto... sono pronto a ricominciare tutto da capo pur di riuscire a far meglio.

Detto questo, penso che lavorare troppo su certe immagini non è per forza sinonimo di qualità...bisogna anche saper dire basta nel momento giusto. L'importante è conservare un po' di spontaneità.

7) Quanto tempo ha richiesto la stesura si Aristide? E quali sono state le fasi della sua realizzazione?

S.G. - C'abbiamo messo più o meno un anno per realizzare l'albo. Abbiamo lavorato insieme, nello stesso momento. Io scrivevo le tavole e i testi che inviavo a Jérémie il quale, in seguito, mi proponeva delle storyboards. Ne discutevamo insieme e una volta che tutto ci sembrava a posto, Jérémie realizzava le tavole definitive.

8) Ho apprezzato molto le rime e i versi che hai scritto. Hai scelto di scrivere il libro subito in rime o questa idea è stata elaborata durante la realizzazione? Qual è il verso che vi piace di più?

S. G. - Ho immaginato fin dall'inizio il progetto in versi, in alessandrini. Senza dubbio a causa di tutta la poesia che leggo. Quindi mi sono lanciata in questa sfida di raccontare una storia utilizzando versi alessandrini e vocaboli che fossero comprensibili anche ai bambini. Il mio scopo era di creare un ritmo ipnotico che si adattasse alla storia e ai disegni di Jérémie. Sono molti i versi che mi piacciono in questa storia. Amo particolarmente questo:

"Il peut déjà les voir dansant sur sa dépouille / et gravant sur sa tombe: "Aristide, mort de trouille."
(Già li vede danzare con in mano il suo cuor
e sulla lapide incider “morto di terror

J.A. - Ho veramente un debole per la scena del bacio e per la parte finale del libro.

9) Il finale mi ha un po' inquietato, non si risveglierà mai Aristide? Per un attimo ho pensato che le ombre non fossero poi così gentili.

S.G. - Abbiamo lasciato il finale aperto volontariamente affinché il lettore possa immaginare ciò che vuole. Nella prima versione, in effetti, Aristide si addormentava per sempre, ma ci siamo detti che era un finale un po' troppo violento per questo tipo di storia. Alla fine recupera, d'un sol colpo, tutto il sonno perso nei suoi primi dieci anni. Dopo, ognuno immagina ciò che vuole, e questa è proprio il finale che volevamo per questo libro.

J.A. - L'idea era di fare un finale a libera interpretazione. Nemmeno io saprei dire quello che succede realmente alla fine, ma questa ambiguità mi piace molto.

10) Quale margine di libertà viene dato dalle case editrici francesi ai loro autori?

S.G. - Noi ci siamo sentiti molto liberi nel corso della realizzazione di quest'album. Una volta che l'editore ci ha detto che gli piaceva il nostro progetto, ci ha sostenuto fino in fondo affinché il libro potesse uscire un giorno.

11) So che stai lavorando (Severine Gauthier) su un altro progetto intitolato WASHITA, un'opera, dall'ambientazione naturale e spirituale, prevista in 5 volumi di cui ne sono già stati pubblicati due. Puoi parlarcene un po'?

S.G. - Washita è un progetto molto diverso. E' la prima volta che scrivo una storia così lunga (5 volumi). E' una storia indiana ambientata in America del nord molto prima dell'arrivo dell'uomo bianco. E' un racconto immaginario, di fantasia, ma per scrivere questa storia, utilizzo le mie conoscenze della cultura degli indiani d'America, visto che attualmente sto terminando una tesi su di una tribù di nativi americani per la quale lavoro da più di 5 anni. Anche se la storia è inventata, tutti i personaggi sono culturalmente autentici e stiamo utilizzando delle vere leggende indiane.

12) Conoscete l'Italia? Siete già stati in Italia e se sì, dove? Conoscete autori italiani di fumetti?

S.G. - Sono già stata in Italia tante volte, è un paese che amo molto. Ho anche imparato l'italiano al liceo, ed anche se non lo parlo molto bene, lo leggo senza problemi. Non conosco molti autori italiani, ma mi piace molto lo stile grafico di Massimiliano Frezzato.

J.A. - Purtroppo non conosco l'Italia, ma penso di andarci presto... ha un aspetto talmente magnifico.

Di autori di fumetti conosco Barbara Canepa e Guillaume Bianco con il quale sto lavorando in questo momento (a Eco). Ho avuto anche l'occasione di incontrare Alessandro Barbucci, un disegnatore straordinario.

13) E' possibile che in futuro lavoriate ancora insieme? Avete già qualche progetto?

Stiamo lavorando in questo momento ad un altro libro, dello stesso formato e con la stessa atmosfera di “Aristide broie du noir”. Il libro s'intitolerà “Coeur de pierre” (Cuore di pietra).

C'era una volta in Francia

2010-03-17T10:39:00.022+01:00

Sono indeciso. Sono indeciso su come impostare questo post, che detto così è anche un bel gioco di parole. Il problema non è il soggetto. No, quello l'ho già scelto da tempo. Voglio parlare di "Il etait une fois en France" (C'era una volta in Francia). Un fumetto, o meglio una serie a fumetti, straordinaria, purtroppo non ancora pubblicata in Italia, ma che presto lo sarà. E lo dico, non tanto perché ho fonti certe, anzi non ho nessuna idea se qualcuno si sia interessato alla sua pubblicazione nel nostro paese, quanto perché sono convinto che non possa passare inosservato. In Francia già dal primo volume, ne sono usciti tre dei sei previsti, ha avuto un grandissimo successo venendo acclamato come una delle più belle serie di questi anni. Tornando alla mia indecisione, il problema è che ne vorrei parlare per ore di "Il etait une fois en France", ma dovrei scendere in particolari, descrivere lo svolgimento della storia, che tra l'altro non è ancora finita, e anticipare troppe cose (spoilerare, insomma! ... si può dire così?! Boh!), almeno a chi non l'ha ancora letto e vorrebbe farlo, rovinando molto della bellezza del fumetto. Se c'è una cosa che proprio non sopporto è leggere una recensione di un libro, di un film o di qualunque altra cosa e vederne svelati tutti i punti cruciali. Una volta ho letto su di un giornale un articolo su “Train de Vie” che ne rivelava addirittura il finale. Ora, chi ha visto il film, capirà che guardarlo sapendo già il finale è come scartare un pacco regalo conoscendone il contenuto. Perde tutto il suo fascino. Per questo motivo cercherò di non addentrarmi troppo nella trama, ma di trasmettere la bellezza di questo fumetto.

Il etait une fois en France racconta la storia di Joseph Joanovici, personaggio ambiguo e scaltro che fece la sua fortuna durante l'occupazione tedesca della Francia. Ebreo rumeno, orfano e analfabeta, scappato al Pogrom russo del 1905 e rifugiatosi a Clichy, da umile rigattiere analfabeta riuscì a costruire un imponente impero industriale e a diventare uno degli uomini più potenti di Parigi. Ritenuto da alcuni un eroe, da altri un criminale, giudicato collaboratore e allo stesso tempo membro della resistenza, Joseph Joanovici è stato tutto questo e molto altro ancora. Non troverete mai il suo nome nei libri di storia, eppure se c'è un uomo che è stato al centro della recente storia francese, è proprio lui! Nella premessa al fumetto, gli autori precisano che le vicende narrate, benché prendano spunto da fatti realmente accaduti e coinvolgano personaggi storici realmente esistiti, sono frutto delle “speculazioni” di Fabien Nury, abilissimo sceneggiatore. Il titolo che richiama il famosissimo film di Sergio Leone “C'era una volta in America” non è certo scelto a caso. Il fumetto ha la stessa atmosfera della gangster story di Leone, la stessa intensità. Inoltre entrambi descrivono l’ascesa al potere di due uomini che dal nulla, e senza guardare in faccia a nessuno, arrivano ad arricchirsi e a raggiungere i loro scopi utilizzando qualsiasi mezzo a loro disposizione.

Il primo volume si apre nel 1905 in Romania. Un bambino è nascosto sotto il porticato di una casa. Accanto a lui una ragazzina più o meno della stessa età. Da quel punto assisteranno inermi e in silenzio all’uccisione di tutti gli abitanti del loro villaggio da parte dei soldati dello Zar russo Nicola II. Quel bambino è Joseph Joanovici e la ragazzina accanto a lui è la sua futura moglie Eva. Da lì in poi il fumetto procede per flashforward e flashback altalenanti. La storia di Joanovic ci viene mostrata attraverso un continuo salterellare nel tempo. Frammenti della sua vita, in un andirivieni tra passato e presente, scorrono davanti ai nostri occhi formando un puzzle i cui ultimi tasselli saranno svelati soltanto alla fine. La seconda scena di questo puzzle è datata 1965. Ci troviamo a Clichy dove un uomo vecchio e malato è disteso a letto. Accanto a lui una donna dai capelli bianchi ma visibilmente più giovane. L’uomo si sveglia di soprassalto, spaventato, come destatosi da un terribile incubo, ma il brutto sogno non è ancora finito. Fuori all’angolo della strada, in un bar, il giudice Legentil sta aspettando. Attende il momento giusto, il momento che insegue da diciotto anni. Fin dal 1947 quando, ancora giovane, dava la caccia ad un pericoloso criminale accusato di collaborazionismo con i tedeschi e di altri misfatti. Il giudice aspetta il momento in cui potrà finalmente mettere le mani su Joseph Joanovici. Eccoci di nuovo sbalzati indietro nel tempo fino al 1920. Un giovane Joanovici viene assunto come manovale a Clichy dallo zio della moglie, proprietario di un ferrivecchi. Da quella piccola bottega di rottami, Joanovici, sfruttando la sua astuzia, la sua caparbietà e scaltrezza, doti di cui farà ampio sfoggio durante tutta la sua vita, e senza alcuna remora di sporcarsi le mani in affari poco puliti, fonderà le basi del suo impero industriale fino a diventare, durante l'occupazione tedesca, l'unico fornitore di metallo di tutta la Francia.

Agli occhi del lettore ne risulta la figura di un personaggio ambiguo, ambivalente, difficilmente classificabile. Un benefattore dal cuore di pietra, un eroe disposto a sacrificare tutto per salvare sé e la sua famiglia, ma allo stesso tempo un fedifrago senza scrupoli morali, pronto a tradire non solo la moglie ma anche la patria pur di rimanere a galla. Un sant’uomo agli occhi di molti, un pericoloso criminale per la giustizia francese. Nury si merita sicuramente i miei complimenti per come è riuscito a mischiare le carte, a non fornire una visione unica e privilegiata del suo protagonista e a confondere i lettori. Joanovici è un personaggio difficile da digerire, una figura scomoda con cui avere a che fare. Non è il classico eroe senza macchia al quale abbandonarsi completamente e seguire fedelmente senza porsi dubbi e farsi domande, ma nemmeno un killer psicopatico che uccide per il gusto di farlo con il quale sarebbe ancor più facile fare i conti. Allo stesso modo non si può dire che sia una di quelle “simpatiche canaglie” che dedicano la loro vita al crimine, ma che in fondo hanno il cuore tenero. No, Joanovic è molto diverso, è un personaggio vero, un uomo che fa delle scelte quando la vita lo porta di fronte ad un bivio, scelte non sempre edificanti e moralmente accettabili, ma che lo caratterizzano nella sua complessità. Con lui non ci si trova davanti ad un personaggio monocromatico, o bianco o nero, o buono o cattivo, Joanovici ha mille sfaccettature. Si può essere portati ad ammirarlo per la sua furbizia, la sua scaltrezza, per il suo impegno e la sua dedizione al lavoro, per come riesce a gestire ogni situazione anche quelle avverse e per come sa conquistare i suoi interlocutori. Alle volte gli si possono perdonare anche alcuni crimini considerando le circostanze, ma, allo stesso tempo, di fronte a certe azioni di efferata crudeltà non si può che condannarlo. Con Joanovici si vive nel terrore. Si ha il timore di affezionarcisi per paura di essere traditi. Non si riesce mai completamente ad abbandonarsi a lui e ad immedesimarsi nella sua figura, perché ogni volta che gli si concede credito per le sue buone azioni, in fondo si ha la certezza che prima o poi commetterà qualcosa che non potremo sopportare, che calpesterà la fiducia che abbiamo riposto in lui e i nostri sentimenti. Si può parteggiare per Joanovici, ma mai completamente. Benché sia il protagonista e benché la storia sia narrata dal suo punto si vista, Nury è stato abile nel creare un certo distacco dal personaggio conferendogli così ancora più realtà e veridicità.

I disegni di Sylvain Vallée sono la ciliegina sulla torta. Il suo tratto, normalmente di stampo classico, questa volta si discosta quel tanto che basta dalle sue opere precedenti (guardare ad esempio Gil St André) da fornire maggior spessore ai personaggi, rendendoli più incisivi, particolareggiati e veri. Un'ottima prova, quindi, che contribuisce ad aumentare la qualità di questo splendido fumetto targato Glenat.

Non perdetevi il mini sito della serie ricco di informazioni.

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Iron Man 2 un nuovo trailer

2010-03-10T11:53:00.008+01:00

In attesa che il film arrivi nelle sale eccovi una gustosa anteprima: il nuovo trailer di Iron Man 2. Un grande cast per un film che si annuncia spettacolare. Il solito frizzante Robert Downey Jr, che vestirà, anche questa volta, i panni metallici di Iron Man, sarà affiancato da Gwyneth Paltrow, Scarlett Johansson e Mickey Rourke. Solitamente, nonostante i massicci investimenti delle majors per portare i personaggi dei fumetti sul grande schermo, la qualità di queste operazioni risulta scadente e molti film sui supereroi sono banali, piatti e noiosi. Il primo Iron Man, però, può essere escluso da questa categoria. E' decisamente divertente e accattivante. Ha le sue belle scene d'azione, ma non si ferma solo a quelle. Guardandolo non ci si accorge nemmeno che la pellicola dura ben due ore. Aspettando notizie sui già annunciati film di Thor, Captain America e The Avengers, godiamoci questa clip:

Iron Man 2 Trailer 2

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Les autres Gens e Rusty Dogs, due modi di proporre il fumetto online

2010-03-07T20:01:00.008+01:00

Nell'immenso contenitore che è internet si sta facendo largo un nuovo modo di proporre il fumetto. Grazie alle possibilità offerte dalla rete e alla sua facile fruibilità, diversi autori hanno pensato bene di presentare direttamente al pubblico le loro opere senza dover passare al vaglio di case editrici o dover affannarsi alla ricerca di distributori. Da questo marasma internettiano, nel quale è facile perdersi e difficile riuscire a trovare qualcosa di buono, vi segnalo due siti che, appunto, propongono ai lettori storie a fumetti. Uno l'ho scoperto leggendo Fumettologicamente, l'interessantissimo blog di Matteo Stefanelli, che tratta i fumetti in maniera quasi scientifica senza però dimenticarne il lato piacevole; l'altro grazie alla segnalazione via e-mail di Emiliano Longobardi libraio e sceneggiatore di fumetti.

Il primo sito è francese, si chiama "Les Autres Gens" (Le Altre Genti) e propone un'insolita Bande Dessinée a puntate. Una sorta di soapopera a fumetti (fumettonovella) sceneggiata da Thomas Cadène e disegnata a più mani. L'idea, abbastanza innovativa, è di postare sul sito tutti i giorni, tranne sabato e domenica, una nuova puntata del fumetto, nella speranza di ingolosire i lettori e di tenerli con il fiato sospeso fino al prossimo episodio. Ogni giorno vengono proposte una trentina di vignette della storia di Mathilde, una giovane studentessa universitaria che, per un inatteso colpo di fortuna, vede cambiare improvvisamente la sua vita. Giorno dopo giorno i lettori scoprono un po' di più su Mathilde, sulla sua vita, le sue amicizie, gli amori, la famiglia, l'università, sui suoi problemi, i timori, le paure, sul suo incredibile e casuale colpo di fortuna e su tutto quello che le ruota intorno. Il progetto è partito a Marzo e le tavole saranno consultabili gratuitamente fino alla fine del mese. Da aprile bisognerà abbonarsi per poter continuare a seguire le vicende di Mathilde. Occorreranno poco meno di tre euro al mese per non perdersi il prosieguo della storia, ma, per quelli che sono rimasti da subito coinvolti, c'è anche la possibilità di abbonamenti semestrali (15 euro) o annuali (29 euro). Tanti sono gli autori che partecipano all'iniziativa, uno fra tutti Bastien Vives, di cui ho parlato nel post sul suo splendido fumetto "Le Gout du Chlore" (uscito in Italia per BlackVelvet col titolo "Il Gusto del Cloro"). Se da una parte, quindi, i grandi nomi non mancano, dall'altra il disegno sa troppo di sbrigativo, di tirato via, di "veloci che domani ci sono da fare altre tavole e non c'è tempo per gingillarsi!". In pratica le vignette sono quasi totalmente prive di sfondo, di elementi caratterizzanti l'ambiente. Spesso sono occupate soltanto dal volto parlante di uno dei personaggi disperso in un mare di bianco. Se può esistere il fumetto senza parole è difficile sostenere che possa esistere senza disegni. Il disegno è parte fondamentale dei fumetti e benché mi piaccia l'idea di una fumettonovella da seguire giorno per giorno, un appuntamento quotidiano a fumetti, vorrei che i disegni fossero parte centrale di questo progetto e non sussidiari. Allora tanto vale scrivere una storia o un romanzo.

Il secondo sito è Rusty Dogs, un blog nato da un'idea di Emiliano Longobardi che l'ha pensato come raccoglitore di storie noir a fumetti da lui sceneggiate e disegnate, di volta in volta, da un diverso autore. Per il momento i racconti presenti sul blog sono 4, "Next door to paradise", "Prima che Dio fosse amore", "Revolving rules" e "Il perchè delle cose", tutti consultabili gratuitamente. Presto, a detta dell'autore, ne vedremo degli altri. Quarantuno sono infatti gli autori che hanno deciso di collaborare a rusty-dogs. I racconti sono tutti composti da 4 tavole, forse un po' poche per esprimere la complessità delle vicende, ma tutte di grande impatto. Longobardi ha sicuramente delle ottime idee e il suo metodo narrativo è eccellente. Si vede chiaramente che ha il noir nelle vene e che è completamente a suo agio con questo genere letterario. Vi consiglio di leggervi attentamente la storia del pugile, molto emozionante. Unica pecca, i racconti, benché tutti accomunati dalle stesse tinte fosche e crude, sembrano un po' troppo fini a sé stessi. L'autore però ci assicura che presto ne capiremo il filo conduttore quando alcune storie si intrecceranno tra di loro. Non ci resta che seguirlo nel suo cammino.

Fumetterni...si fa il Bis!

2010-03-04T21:17:00.007+01:00

Dopo le fiere tenutesi a Mantova e Genova, di cui vi abbiamo parlato nei giorni scorsi e che si sono recentemente concluse, vogliamo presentarvi un’altra manifestazione di sicuro interesse, di cui quest’anno si terrà la seconda edizione.
Si tratta di FUMETTERNI, mostra-mercato che avrà luogo a Terni, nei locali del Videocentro, i prossimi 13 e 14 Marzo.
Ho visitato la prima edizione di Fumettrni, svoltasi lo scorso anno nella stessa sede, e ne ho un ricordo estremamente positivo.
Ovviamente non si tratta di un mega-evento con centinaia di stands e migliaia di appassionati (anche se le cinquemila presenze che hanno animato la prima edizione sono un traguardo di tutto rispetto) ma siamo sicuri che questo sia un aspetto negativo?
A mio modesto modo di vedere no, anzi, mi ha dato la possibilità di intrattenermi con alcuni dei tanti autori presenti, poterli conoscere e scambiare quattro chiacchere, cosa che in occasioni più famose, ma anche affollate e dispersive è molto più difficile fare.

Ma veniamo all’edizione di quest’anno.
Sulla carta, l’intenzione degli organizzatori, è quella di mantenere tutto ciò che di buono si è fatto per la scorsa edizione, migliorandola negli aspetti meno positivi.
Il fulcro della fiera sarà anche quest’anno rappresentato dalla presenza di numerosi autori, scrittori e disegnatori di assoluta importanza, sia sul piano nazionale che internazionale.
Ecco alcuni nomi: Gipi (La Mia Vita Disegnata Male, Diario di Fiume), Giacomo Bevilacqua (John Doe, A Panda Piace) autore anche della locandina di quest'anno, Riccardo Burchielli (John Doe, DMZ), Gabriele Dell’Otto (Secret War, Secret Invasion), Cristiano Cucina (John Doe, Jonah Hex), Mauro Laurenti (Zagor, Dampyr), Raul e Gianluca Cestaro (Nick Raider, Tex), Daniele Caluri e Emiliano Pagani (Don Zauker), Ausonia (Interni), Roberto Recchioni (John Doe, David Murphy 911, Dylan Dog) e Lorenzo Bartoli (Arthur King, John Doe, Wow).

Senza dimenticare le “Guest Stars” internazionali: l’autore israeliano Koren Shadmi (di cui la Double Shot ha pubblicato In Carne e Ossa e Anatomia del Desiderio), il disegnatore di origini scozzesi Gary Erskine, che durante la sua ormai lunga carriera è stato in forza a tutte le principali case editrici statunitensi, e il celebre scrittore e sceneggiatore britannico Peter Milligan, la cui ultima opera per la Vertigo, Greek Street (creata insieme al “nostro” Davide Gianfelice), sta per essere pubblicata anche in Italia da Planeta De Agostini.

Verrà inoltre allestito, come lo scorso anno, l’Artist Alley, vale a dire uno spazio, all’interno del padiglione, in cui potranno liberamente avvicendarsi i vari autori ospiti (fianco a fianco i più noti e gli emergenti) per incontrare il pubblico, firmare autografi e fare qualche disegno.
Iniziativa, quest’ultima, che rappresenta il vero punto di forza della kermesse.
Da ciò che si legge nel comunicato ufficiale, gli spazi espositivi rispetto allo scorso anno sono raddoppiati, non solo per quanto riguarda l’area dedicata al fumetto (è stata confermata la presenza di alcuni fra i più prestigiosi editori italiani come Planeta de Agostini, BD, Tunuè e Double Shot) ma anche per l’area ludica e incentrata sui giochi di ruolo.
Per quanto riguarda il fitto programma di eventi che si susseguiranno nei due giorni, ci limitiamo a segnalarne alcuni.
Sabato 13, nel corso della mattinata, avrà luogo un incontro con la Star Comics per la presentazione delle sue nuove miniserie italiane di prossima pubblcazione, mentre nel pomeriggio si susseguiranno le conferenze di Emiliano Pagani e Daniele Caluri, di Roberto Recchioni e di Peter Milligan.
Domenica 14, invece, sul palco esterno si susseguiranno il Cosplay Contest, un concerto live di sigle di cartoni animati e si avrà modo anche di assistere, intorno alle 17.30, allo spettacolo teatrale di Gipi ispirato alla sua opera autobiografica La Mia Vita Disegnata Male.

Insomma, le premesse ci sono tutte per una manifestazione ricca di incontri e interessante per tutti, sia per gli amanti del fumetto “popolare” che del fumetto d’autore o "di nicchia", del cosplay e del gioco di ruolo.
Io non mancherò, e voi?

Chi vuol esser editore?!

2010-03-01T22:16:00.037+01:00

Avete sempre sognato di produrre un fumetto? Vi piace l'idea di entrare a far parte del mondo dell'editoria? Volete avere la possibilità di scegliere tra varie proposte di fumetti diversi e contribuire alla realizzazione di uno o più di essi?
Allora vi consiglio di dare un'occhiata al sito della casa editrice belga Sandawe. Troverete una proposta intelligente e allo stesso tempo stimolante. Potrete contribuire all'edizione di uno o più fumetti finanziandoli personalmente. In gergo questo tipo di operazione viene denominata “crowd-funding “ ovvero “finanziamento partecipativo”. In pratica si ha la possibilità di investire dei soldi, comprando quote di un fumetto ognuna delle quali al prezzo di 10 euro, in uno o più progetti che vengono proposti sul sito. Per correttezza dico subito che, come è ovvio, finanziando uno dei fumetti in corso d'opera non si diventa un vero e proprio editore a tutti gli effetti e non si ha la minima possibilità di intervenire o effettuare scelte su quello che è il lavoro degli autori. Ma questo non è poi così importante. L'esperimento ideato dalla Sandawe, primo nel suo genere a riguardare i fumetti, ma già provato nel campo della musica e del cinema, dà la possibilità a chiunque di interessarsi personalmente alla creazione di un fumetto, di commentare le storie degli sceneggiatori e i disegni dei disegnatori, di proporre personali idee e di offrire suggerimenti in un contatto continuo e diretto con gli autori. Una volta che l'albo sarà pronto tutti i finanziatore ne riceveranno una copia. A chi avrà investito 10 euro arriverà il fumetto in formato elettronico, a tutti gli altri in formato cartaceo e firmato dagli autori. In tutte e due le versioni appariranno i nomi degli utenti che lo hanno finanziato. Non è finita qui. Una volta che il fumetto è completato e uscito nelle librerie, chi ha messo una quota ha diritto a ricevere la parte degli introiti che gli spetta. All'inizio agli edinauti (edinautes), così sono chiamati sul sito della Sandawe, spetta il 60% dei ricavi, almeno fino a che hanno ripreso la loro spesa. In seguito il 40%. I diritti spettano agli edinauti per i cinque anni successivi alla prima edizione.

Ad essere sincero la parte economica del progetto non mi sembra molto allettante e non ci credo molto. Non ho idea di quali possano essere i guadagni di un fumetto, ma penso che se si riprendono le spese, considerate le percentuali, è già tanto. Poi non so veramente come vanno queste cose. Quello che voglio dire è che non è la parte più allettante di tutta la faccenda. Quello che mi ha attratto maggiormente è poter partecipare allo sviluppo di un fumetto e poter seguire il suo divenire. Appena mi sono iscritto, più in là vi parlerò del progetto che ho scelto di sostenere “HELL WEST”, ho mandato un'email al disegnatore per chiedere alcuni dettagli sul suo lavoro e, dopo poco, ho ricevuto la sua risposta. Non solo, ma si può commentare continuamente il lavoro degli autori, visto che questi lo postano sul blog del progetto. Inoltre, per incentivare alla partecipazione, molti sceneggiatori o disegnatori dei vari progetti si inventano concorsi per gli edinauti mettendo in palio tavole originali, cene con loro o disegni autografati. Nel progetto che ho scelto io è stato lanciato, un po' per scherzo un po' sul serio, un concorso per trovare un slogan di lancio per il fumetto. Insomma io la vedo così: un albo di questo genere costa tra i 13 e i 16 euro, più le spese di spedizione.... si arriva già ai venti. Quindi invece di comprarne uno qualunque su internet, si può investire in uno dei progetti della Sandawe e, oltre a ricevere l'albo e forse qualche spicciolo, si ha in più il divertimento dato dal sentirsi parte di un progetto. Di poter intervenire e forse vedere accolti i propri suggerimenti. Di sentire i commenti degli altri fans mentre il fumetto è ancora in lavorazione. Insomma proprio una bella trovata!

Oltre alla sezione per gli edinauti, ce ne sono altre due. Una dedicata ai professionisti, ovvero giornalisti o proprietari di negozi di fumetti o librerie che possono iscriversi e dare il loro parere esclusivo sul progetto scelto e l'altra per gli autori. Non mi sono addentrato nelle specifiche di questa sezione, ma penso che ogni autore possa proporre le sue idee, la sua storia e i suoi fumetti. Credo, ma, ripeto, non ho letto le regole per gli autori, che vengano accettate solo opere in francese. Almeno al momento quelle presenti sono tutte in francese.

Hanno aderito a questa iniziativa, Fnac (belgio), Il Centre Belge della Bande Dessinée (centro belga del fumetto), Actua BD, Bedeo, BD Gest', BD-World e Zoo. Garanzia di qualità del progetto.